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MONTSERRAT CABALLÉ

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MONTSERRAT CABALLÉ 

 

La soprano de la eterna sonrisa. . .

 

1

 

María de Montserrat Bibiana Concepción Caballé Folch, mundialmente conocida en el mundo de la lírica como Montserrrat Caballé, nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. 

 

Fueron sus padres el tarraconense Carlos Caballé Borrás y la valenciana Ana Folch. En 1932 el matrimonio se trasladó a vivir al popular barrio de Gracia de Barcelona, concretamente a la calle Igualada número 20, donde un año más tarde vino al mundo la pequeña Montserrat.

 

Los padres de Montserrat el día de su boda.

 

Placa en el edificio donde nació

 

El estallido de la Guerra Civil española dejó a la familia huérfana del privilegio económico que habían disfrutado hasta entonces, quedando en una posición muy humilde. Para mayor desgracia, Carlos, su padre, fue malherido en la contienda y tuvo que soportar el resto de su vida unos problemas cardíacos derivados de las heridas.

 

Montserrat con sus padres.

 

Su madre, Ana, le enseñó a Montserrat los principios básicos del solfeo y,  gracias a ello, en 1941 logró entrar en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, para estudiar canto, solfeo y piano. Cuando el director del Conservatorio escuchó la calidad del timbre de la voz de Montserrat  creyó que había motivos suficientes para conseguirle una beca.

 

Montserrat de niña.

 

Al año siguiente nació su hermano Carlos quien, a la postre, años después, se encargaría de toda la organización artística de la familia.

 

Debido a la delicada salud de su padre la familia se trasladó a vivir a La Floresta, distrito de San Cugat del Vallés, en la provincia de Barcelona. Durante ese tiempo Montserrat abandonó las clases para poder atender a su hermano.

 

Panorámica de La Floresta.

 

En 1945 regresaron a Barcelona para instalarse en un humilde piso del barrio de Les Corts y en septiembre de 1949 Montserrat reinició sus estudios de voz.

 

Una nueva recaída en la salud de su padre con una posterior intervención quirúrgica, obligó a la joven a trabajar durante el día en una fábrica y a asistir por la noche a sus estudios en el Liceo, aunque finalmente tuvo que dejar de tomar clases para poder aportar más a la precaria economía doméstica.

 

En esos momentos difíciles pidieron ayuda a Joan Antoni Bertrand, un industrial textil socio propietario del Gran Teatro del Liceo, el cual preparó una pequeña función ante un seleccionado grupo de amistades de la música en el que se encontraban, entre otros, el célebre tenor alemán Max Lorenz; Julius Katchen, pianista estadounidense y Alicia de Larrocha, la gran pianista española.

 

Max Lorenz

 

Julius Katchen

 

Alicia de Larrocha

 

Montserrat, con diecisiete años, fue convidada a cantar ante ese elitista grupo de personalidades melómanas, que quedaron impresionadas con su voz.

 

Durante sus estudios de canto en el Conservatorio del Liceo, Montserrat hizo grandes esfuerzos pasando dos cursos por año. Allí tuvo la fortuna de conocer a profesores que contribuyeron positivamente en su educación musical, como Napoleone Annovazzi, responsable artístico del Liceo en los años 1941-1953, de quien recibió clases de contrapunto, armonía,  orquestación y la aconsejó sobre su repertorio más adecuado; Conchita Badía, gran soprano y pianista a quien la Caballé consideró siempre su madre musical; Eugenia Kemeny, una soprano dotada de gran técnica, experta en temas wagnerianos, afincada en la ciudad  condal después de la Segunda Guerra Mundial; y Pere Vallribera, pedagogo, compositor y eminente pianista.

 

Napoleone Annovazzi

 

Conchita Badia

 

Montserrat Caballé con Eugenia Kemeny.

 

Pere Vallribera

 

A los 21 años de edad, celebró Montserrat su examen de final de curso cantando arias de “Las bodas de Fígaro”, “La sonámbula” y  “El cazador furtivo”.

 

Entre los nervios del momento y que no se encontraba bien durante la interpretación de esta última pieza, Montserrat se desvaneció. Este incidente motivó que el jurado, injustamente, no le concediese la medalla de oro del Conservatorio que sin duda había merecido.

 

Su primer recital público lo dio el 20 de enero de 1955 en el Palau Güell junto a una arpista, un flautista y con Pere Vallribera al piano. Seis meses después, en una conferencia de Napoleone Annovazzi, actuó en el Casal del Metge de Barcelona.

 

Palau Güell.

 

El 17 de junio de ese mismo año tuvo lugar su primer debut escénico en el Teatro Fortuny de Reus interpretando, con la compañía de Ópera de Cámara de Barcelona dirigida por Napoleone Annovazzi, el papel de Servina en “La serva padrona”. Pocos días después repitió con el mismo reparto en Figueres, Girona, y en Teatro Principal de Valencia.

 

Fachada del Teatro Fortuny de Reus, Tarragona.

 

Su primer concierto en solitario lo realizó en la Sala Vila Arrufat de Can Bartomeu, Pedralbes, el 10 de julio siguiente, al parecer auspiciada por Conchita Badía.

 

Casa Bartomeu.

 

Tras varios intentos fallidos en Nápoles  y Roma, en 1956 tuvo la oportunidad de actuar en el Teatro Municipal de Basilea, Suiza, en algunas sustituciones de poco relieve.

 

Aunque la dirección del teatro no contaba con Montserrat para papeles de importancia, la fortuna quiso que un año después la soprano que debía interpretar Mimí en “La Boheme” cancelara sus actuaciones. Su substituta natural estaba enferma y la segunda se hallaba ausente. La Caballé aprovechó su oportunidad y su actuación convenció a la dirección del teatro, quienes a partir de ese momento le confiaron papeles en “Pagliacci”, “Aida”,  “Arabella”, “Tosca”, ó “Salomé”.

 

A partir de entonces Montserrat fue considerada como una de las cantantes fijas de la Ópera de Basilea, lo que le permitió actuar ocasionalmente en otros teatros.

 

En febrero de 1959 hizo su debut en la Ópera de Viena interpretando el papel de Donna Elvira de “Don Giovanni”. Gustó tanto su actuación que fue invitada a representar “Salomé” el siguiente 10 de mayo.

 

La  dirección de la Ópera de Bremen, Alemania, la contrató en la temporada 1960-1961, donde tuvo la oportunidad de especializarse en el estilo vocal del bel canto.

 

En esa época actuó en Lisboa, Portugal, y debutó en La Scala de Milán, Italia, como una de las muchachas-flor de “Parsifal”.

 

En el teatro La Scala de Milan en “Parsifal”.

 

En su regreso a Barcelona debutó, el 7 de enero de 1962, en el Gran Teatro del Liceo con “Arabella”, siendo aclamada por el público y cosechando muy buena crítica.

 

En 1963 debutó en La Coruña con “Madama Butterfly” y allí conoció al tenor aragonés Bernabé Martínez Remacha (Bernabé Martí en el mundo artístico) con el que compartió escenarios en muchas ocasiones y con el que contrajo matrimonio en el Monasterio de Santa María de Montserrat, Barcelona, el 14 de agosto de 1964.

 

Montserrat y Bernabé en “Madama Butterfly”.

 

 

Su boda con Bernabé Martí.

 

La pareja tuvo dos hijos: Bernabé, nacido en 1966 y Montserrat, en 1972.

 

Montserrat con su marido y su hijo Bernabé en la Gallería Vittorio Emanuele II de Milán.

 

El Carnegie Hall de Nueva York fue testigo del primer gran éxito internacional de la diva. Fue el 19 de abril de 1965, cuando tuvo que sustituir por indisposición a Marilyn Horne en “ Lucrezia Borgia”. Su actuación causó tal sensación que el público puesto en pie la estuvo aplaudiendo durante media hora.

 

Marilyn Horne

 

El periódico New York Times dijo de ella al día siguiente: ” Renata Tebaldi + Maria Callas = Montserrat Caballé “.

 

Renata Tebaldi

 

Maria Callas

 

A partir de esa memorable  interpretación se le abrieron las puertas de las principales discográficas y de los escenarios más importantes del mundo.

 

Debutó ese mismo año en el Glyndebourne Festival de Inglaterra y en el Metropolitan Ópera de Nueva York con la obra “Fausto”.

 

En el Metropolitan Ópera de Nueva York.

 

Después de sus grandes éxitos en el extranjero se presentó en 1966 en el Liceo barcelonés con “Il trovatore”, consiguiendo el gran reconocimiento del público y la crítica de su ciudad natal.

 

En 1969, junto al tenor español Plácido Domingo y la mezzo-soprano italiana Fiorenza Cossotto, cantó “Don Carlo” en el anfiteatro romano de la Arena de Verona, Italia, otro hito importante en la carrera de la soprano que provocó una larguísima ovación por parte del público.

 

 

En 1972 regresó a La Scala de Milán, Italia, para interpretar el papel protagonista de “Norma”.

 

En el Royal Ópera House-Covent Garden de Londres cantó “La Traviata”.

 

Junto a artistas de la talla de Birgit Nilsson, Leontyne Price, Zinka Milanov, Renata Tebaldi, Régine Crespin y Eleanor Steber, actuó en 1977 en la gala de clausura del antiguo Metropolitan de Nueva York.

 

Birgit Nilsson

 

Leontyne Price

 

Zinka Milanov

 

Régine Crespin

 

Eleanor Steber

 

El antiguo Metropolitan de Nueva York.

 

Con Luciano Pavarotti, ese mismo año, cantó “Turandot” en San Francisco, Estados Unidos.

 

Con Luciano Pavarotti en “Turandot”.

 

Montserrat con el actor Danny Kaye y Luciano Pavarotti en la Ópera de San Francisco.

 

En el Festival de Aix-en-Provence, Francia, interpretó en 1980 “Semiramide”.

 

Montserrat Caballé en 1982

En 1983 sufrió una insuficiencia cardíaca.

 

Actuó en 1985 en la Casa Blanca ante el presidente Ronald Reagan.

 

El presidente Ronald Reagan.

 

Junto al tenor catalán José Carreras intervino en 1986 en la película “Romanza final”, basada en la biografía de Julián Gayarre.

 

 

La extraordinaria versatilidad en el timbre de su voz unida al exquisito gusto y a su gran técnica vocal permitieron a Montserrat Caballé interpretar más de ochenta papeles distintos, desde ópera barroca hasta obras de Strauss, pasando por Verdi, Puccini y Wagner.

 

Hizo varias incursiones en la música pop y grabó álbumes y discos, bien como solista o a dúo con artistas de este género musical, como por ejemplo el tema “Sevilla” junto a su hija Montserrat y el cantante Miguel Bosé.

 

 

En esa época a Montserrat se le diagnosticó un tumor cerebral benigno.

 

Su grabación, entre 1986 y 1988, del álbum “Barcelona”, junto al desaparecido cantante de rock Freddie Mercury, constituyó un gran éxito popular y su tema principal, mezcla de pop y ópera, se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992.

 

 

En 1990 actuó en un concierto en Munich, Alemania, donde obtuvo un éxito sin precedentes.

 

 

Como buena catalana jamás dejó de cantar en el Gran Teatro del Liceo incluso durante la crisis que padeció el local al final de los años 70.

 

Cuando el teatro quedó convertido en cenizas por el incendio del 31 de enero de 1994, Montserrat se implicó personalmente en las tareas de su reconstrucción.

 

Montserrat entre las ruinas del Gran Teatro del Liceo.

 

Fue intervenida de una hernia epigástrica en 1996, dolencia que se le repitió en 2000 y 2001.

 

Durante una gira por Rusia, el 20 de octubre de 2012, sufrió un pequeño ictus que le causó fractura de húmero. Trasladada urgentemente al Hospital de la Santa Cruz y San Pablo de Barcelona, fue dada de alta once días más tarde.

 

Hospital de la Santa Cruz y San Pablo.

 

Ello no le impidió, el 3 de enero de 2012 apoyada en una muleta forrada de negro, celebrar en el restaurado Gran Teatro del Liceo el 50º aniversario de su debut en el mismo. Estuvo arropada por su hija Montserrat y amigos como el tenor catalán Josep Carreras, el tenor peruano Juan Diego Flórez ó el barítono menorquín Joan Pons entre otros. Como en las grandes ocasiones, la Caballé vio cómo el público y la crítica se rendían de nuevo ante ella.

 

 

 

Su hija Montserrat Martí Caballé

 

Josep Carreras

 

Juan Diego Flórez

 

Joan Pons

 

La diva compartió escenario en numerosas ocasiones con las mejores voces masculinas de la ópera. Su propio esposo Bernabé Martí, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, Jaume Aragall o Josep Carreras fueron algunos de ellos.

 

Con su esposo Bernabé Martí.

 

Con Luciano Pavarotti.

 

Con Plácido Domingo.

 

Con Jaume Aragall.

 

Con Josep Carreras.

 

Su última actuación se produjo el 2 de agosto de 2014 en el Festival Internacional de Música de Cambrils, Tarragona, donde actuó junto a su hija Montserrat y otros muchos artistas.

 

Con su hija Montserrat en el Festival Internacional de Cambrils, Tarragona.

 

Debido a unos problemas en la vesícula biliar que se fueron agravando Montserrat falleció, a los 85 años de edad, en el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo el pasado 6 de octubre de 2018, siendo enterrada dos días después, junto a sus padres, en el cementerio de San Andrés de Barcelona.

 

Cementerio de San Andrés.

 

Al entierro asistieron personalidades del mundo de la política y la cultura.

 

Bernabé Martí, esposo de Montserrat, con sus hijos Montse y Bernabé en la misa funeral celebrada en la Catedral de Barcelona.

 

Durante sus más de cincuenta años de carrera profesional cosechó distinciones y premios nacionales y extranjeros, como la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya, la Medalla de Oro del Gran Teatro del Liceo, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, la Medalla de las Artes de la Comunidad de Madrid, su nombramiento como Doctora Honoris Causa por la Universidad Menéndez Pelayo y la entrega de la Gran Cruz de Caballero de la Orden al Mérito de la República Italiana, entre muchos otros. 

 

Con la medalla del Gran Teatro del Liceo de Barcelona.

 

Tras ser investida Doctora Honoris Causa en presencia del exdirector de la UNESCO Federico Mayor Zaragoza.

 

Colaboró en obras de beneficencia y fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Unesco.

 

Montserrat Caballé fue una mujer muy cercana, de gran humanidad y dotada de un inmenso sentido del humor. De ello puede dar fe este modesto relator quien, hace más de dos décadas, durante un viaje profesional a Milán, Italia, coincidió en el avión con la ilustre catalana como compañera de asiento.  

 

Recuerdo que mis primeras palabras de salutación en catalán fueron: “Doña Montserrat, ¡qué sorpresa y que gran honor poder compartir con usted este viaje!”. Ella me respondió: “Por favor, llámame Montse y no me trates de usted”.

 

Tuvimos una conversación muy amena, me comentó que viajaba a la ciudad italiana para cumplir unos contratos en el teatro La Scala. Se interesó por mi profesión y me contó innumerables anécdotas de su carrera, acompañadas en todo momento por una contagiosa sonrisa que iluminaba su rostro.

 

En un momento de la charla le manifesté que en la ciudad de Murcia tenía un buen amigo y cliente, propietario de la tienda de moda más prestigiosa de la ciudad, el cual era un incondicional admirador suyo, hasta el punto que cada vez que actuaba ella en el Gran Teatro del Liceo, él se desplazaba puntualmente desde Murcia a Barcelona, con cualquier excusa, para asistir a las representaciones.

 

En aquel momento Montse soltó una de sus chispeantes carcajadas y abriendo su bolso sacó de su interior un abanico de fotos diciéndome: “Escoge las que más te gusten porque se las voy a dedicar a tu amigo”. Al bajar del avión nos despedimos con un beso.

 

 

 

Al poco tiempo, en uno de mis frecuentes viajes por la piel de toro, me desplacé a Murcia y visité la boutique de mi amigo. Le expliqué las anécdotas de mi viaje en avión a Milán junto a la diva catalana y le entregué las tres fotos que ella cariñosamente le había dedicado.

 

Me dijo: ”Este es uno de los mejores regalos que he recibido nunca”. Me abrazó y me dio las gracias al tiempo que de sus ojos asomaban unas lágrimas. ¿Te acuerdas Rogelio?

 

Montse, la soprano de la eterna sonrisa, descansa en paz. . .

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JAUME PERICH I ESCALA

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 JAUME PERICH I ESCALA

 

El gran dibujante catalán del humor gráfico. . .

 

 

Jaume Perich i Escala, más tarde conocido como El Perich, nació el 5 de noviembre de 1941 en la calle Aragón número 181, del popular Eixample de Barcelona.

 

Jaume de niño.

Su padre, José, se dedicaba al comercio y su madre, Concepción, atendía las labores del hogar.

 

Los padres de Jaume en el domiclio de sus abuelos maternos en Premià de Dalt, Barcelona.

 

Hasta los siete u ocho años Jaume vivió más con sus abuelos que con sus padres, pues a su progenitor tuvieron que extirparle un pulmón debido a la tuberculosis adquirida durante la guerra civil y para evitar el peligro de contagio casi no pudo verle. Sin embargo con su madre sí estuvo más a menudo.

 

Jaume con su abuelo.

 

Junto a sus padres en su Primera Comunión.

 

Jaume en la escuela.

Estudió peritaje industrial y a los 16 años empezó trabajando como aprendiz de delineante en RENFE, con un contrato temporal de dos años, realizando trabajos muy simples que combinaba con sus estudios nocturnos en la Escuela Industrial de Barcelona. Poco tiempo después se empleó en una agencia publicitaria.

 

RENFE, año 1957.

En ninguna de ambas actividades se halló a gusto porque a él lo que le gustaba era el dibujo de monigotes de trazos sencillos que ya había practicado desde muy jovencito, confeccionando sus propios tebeos que, a medias con un compañero, alquilaba a sus compañeros por 0’50 céntimos la lectura.

 

A los 17 años Jaume decidió presentar algunos dibujos de humor a diversos rotativos.

 

La editorial Mateu le publicó en 1959 su primer chiste en el número 7 de la revista “Pepe Cola”, con tan mala fortuna que el semanario cerró antes de que Jaume llegara a percibir las 30 pesetas que le correspondían por su trabajo.

 

Pepe Cola, revista número 7.

 

El primer chiste que le publicaron.

Llegada la época del servicio militar, Jaume fue sorteado con su quinta y destinado a Ceuta, donde estuvo sirviendo a la Patria por espacio de 16 meses.

 

Jaume durante el servicio militar.

A su regreso a Barcelona sus primeras colaboraciones como dibujante fueron en la desaparecida editorial Bruguera donde, en 1964, Jaume entró como redactor, ejerciendo además como traductor de las historietas francesas  “Astérix el Galo”, “El Teniente Blueberry” o “Aquiles Talón” entre otras.

 

Fachada de la antigua editorial Bruguera en el barrio de El Coll de Gràcia, Barcelona.

 

“Astérix el Galo”.

 

“El Teniente Blueberry”.

 

“Aquiles Talón”.

 

Posteriormente, en 1966, trabajó  en el periódico “Solidaridad Nacional”, coloquialmente denominado “La Soli”  donde empezó a publicar una página diaria.

 

“Solidaridad Nacional”.

Fueron tiempos difíciles porque la censura autoritaria del régimen dictatorial controlaba todas las publicaciones y Perich era precisamente un dibujante que expresaba en sus dibujos un humor crítico de la actualidad, que en ocasiones infringía las leyes impuestas por el estado.

 

Viñeta en “Solidaridad Nacional”.

En diciembre de 1967 Perich inició sus primeras colaboraciones con “El Correo Catalán” y al poco tiempo le propuso al periódico realizar una sección con el nombre de “Perich Match” que el diario  aceptó y al que le siguieron “El humor otro” y “El humor catalán”.

 

“El Correo Catalán”.

 

Viñeta en “El Correo Catalán”,

Al considerar que con sus mayores ingresos podía sostener un hogar, Jaume Perich decidió casarse con su novia Anna Bernini, una muchacha que había conocido en Premià de Dalt, comarca del Maresme, Barcelona, cuando las familias de ambos veraneaban  en dicha localidad.

 

Boda de Jaume y Anna.

La ceremonia se celebró en la iglesia de Nostra Senyora de la Pau de Barcelona. En principio fueron a vivir a la calle Muntaner, para después mudarse a la calle Comtes d’Urgell donde nació su hija Raquel.

 

Jaume y su esposa Anna con su hija Raquel recién nacida.

Las colaboraciones de Perich en la sección “Perich Match”de “El Correo Catalán” fueron del interés de “Edicions  62”, quienes le propusieron a Jaume escribir un libro.

 

“Perich Match”, como libro, tuvo un éxito de ventas notable, hasta el punto de agotarse y tener que lanzar una segunda edición. Gracias a  ello el nombre de Perich cobró una nueva dimensión y sirvió para que sus trabajos fueran conocidos por un público más amplio que el que tenía en la prensa diaria.

 

A raíz de ello la editorial Estela le encargó un libro de parecidas características, pero más extenso. Se trataba de aprovechar una selección de todas las viñetas y textos que había escrito, tanto los publicados como los inéditos.

 

Fruto de esa recopilación en 1970 nació “Autopista”, que se convirtió en el libro más vendido del año y cuya segunda edición se publicó en enero de 1971.

 

“Autopista” era una parodia  de “Camino” de José María Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei.

 

“Camino” de José Mª Escrivá de Balaguer.

 

José María Escrivá de Balaguer.

El libro consiguió despistar a la censura y le proporcionó a Perich un gran éxito, pero también la reprobación de muchos miembros de la organización religiosa.

 

Posteriormente publicó otros 20 libros de características parecidas, destacando entre ellos “Noticias del 5º canal”, de la revista “Interviú”.

 

“Noticias del 5º canal”.

La dirección de “La Vanguardia”,  a la sazón principal  periódico de Barcelona y seguramente el primero de España, pensó en Perich para ofrecerle la participación diaria de un chiste en el citado rotativo, así como una colaboración semanal de media página en Tele/eXpres con temas de actualidad.

 

“La Vanguardia”.

 

Viñeta en “La Vanguardia”.

 

“Tele/ eXpres”.

Enseguida llegaron a un acuerdo pues Perich se aseguraba una mejor fuente de ingresos y por su parte el grupo Godó incorporaba a su empresa un humorista de moda, restándoselo a la competencia.

 

A pesar de tener la mejor tribuna del periódico, Perich no se sentía cómodo pues cuando el humorista trataba de imprimir más audacia a sus viñetas  gráficas se encontraba siempre con el rechazo de la redacción, que temía las sanciones provenientes de la delegación del Ministerio de Información y Turismo.

 

Viñeta de “La Vanguardia”.

Jaume optó por desvincularse de “La Vanguardia” para integrarse en “Diario de Barcelona”. En ese medio pudo publicar casi todo lo que se le antojaba, pero la escasa popularidad del periódico, unido a sus pocos lectores y a las amenazas e insultos que recibía por sus sarcásticos chistes gráficos, motivó que al cabo de poco tiempo aceptara la oferta que le llegó desde “Mundo Diario”.

 

“Diario de Barcelona”.

El humorista, gran amante de los gatos, incorporó en casi todos su chistes, a partir de 1977, la caricatura de su gato Mao.

 

El gato Mao fiel compañero de Perich en casi todos sus dibujos.

 

Las caricaturas de su gato Mao.

Perich estuvo casi un año en “Mundo Diario”, desde el 15 de octubre de 1977 al 5 de septiembre de 1978 en que se despidió. Poco después, debido a la gran crisis que afectó en gran manera al rotativo, éste tuvo que cerrar todas sus publicaciones.

 

“Mundo Diario”

De ahí, Perich pasó a formar parte de la redacción de “El Periódico de Catalunya” del empresario Antonio Asensio, propietario del Grupo Zeta y creador del exitoso semanario “Interviú”, sobre todo a partir de la publicación de unos desnudos de la  actriz y cantante Pepa Flores (más conocida como Marisol).

 

“El Periódico de Catalunya”.

 

Marisol, portada de la revista” Interviú”.

Corrían los tiempos de la transición política española y Jaume halló en este diario independiente, ágil y moderno el caldo de cultivo que siempre había anhelado para sus sagaces y agudas viñetas. Fueron 16 años de estrecha colaboración donde, desde el primer día, ya firmó todas sus publicaciones como el PERICH que además daba título a su sección diaria.

 

En 1987 el presentador Josep Maria Bachs le convenció para que interviniera en el programa “Filiprim” de TVE. En dicha emisión se hizo muy popular interpretando el papel del “profesor Perich”, un sabio personaje  que se lo tomaba todo en clave de humor.

 

Revista “Filiprim” de TVE.

 

A partir de ahí participó en varios espacios de televisión,  como por ejemplo el que presentaba el admirado  grupo musical “La Trinca”.

 

Con “La Trinca”.

Durante su extensa carrera profesional contribuyó en mayor o menor medida, con su inconfundible humor gráfico, en folletos publicitarios y muy estrechamente en revistas y semanarios, como “Fotogramas”, “El màgic Virolet”, “Gaceta Ilustrada”, “Barrabás”, “Hermano Lobo”, “Por Favor”, “Primera Plana”, “Interviu”, “El Jueves” o “Muchas Gracias”, entre otras.

 

Panfleto de la película “La Curiosa”.

 

Portada de la revista “Fotogramas”.

 

Portada de “El Màgic Virolet”.

 

Portada de “La Gaceta Ilustrada”.

 

Portadas de  “Barrabás”.

 

Portada de “Por Favor”.

 

Portada de “Primera Plana”.

 

Portadas de” Interviú”

 

Portada de “El Jueves”.

 

Portada de “Muchas Gracias”.

Fue requerido y participó en diversas exposiciones de humor gráfico en Europa y Sudamérica.

 

También se atrevió con el café-teatro, figurando como autor de la obra “Persecució i assassinat mental sense banyera”,  un espectáculo que explica la vida y problemas de Frederic Pastichet y cuyo estreno tuvo lugar en la emblemática, hoy desaparecida, “Cova del Drac”, de la calle Tuset de la ciudad condal.

 

Panfleto de la obra.

 

Cova del Drac en 1960.

Desde hacía algunos años Jaume y su familia habían trasladado definitivamente su residencia a Premià de Dalt, lugar en el cual solían veranear, y fue precisamente en dicha casa donde sufrió un infarto intestinal.

 

Fue ingresado urgentemente en el hospital de Mataró, Maresme, Barcelona, donde tras recuperarse del paro cardíaco, y posteriormente  ser intervenido quirúrgicamente de urgencia, los facultativos descubrieron que sufría una isquemia intestinal masiva que le produjo la muerte, el 1º de febrero de 1995, a la temprana edad de 53 años.

 

La capilla ardiente del humorista fue instalada en el cementerio de Collserola, Barcelona, donde recibió sepultura el día 3 de febrero.

 

Perich con su inseparable cigarrillo y su gato Mao.

Su esposa Anna, en un acto celebrado el 9 de febrero de 1995 en el Saló de Cent del  Ayuntamiento de Barcelona, recogió el premio Ciudad de Barcelona, que le fue concedido a título póstumo.

 

En honor del célebre humorista, en octubre de 1995, se creó en Llancà, Girona, el “Premio Internacional de Humor El Gat Perich”, cuyo objetivo es galardonar anualmente a dibujantes y profesionales que han destacado por sus trayectorias en el mundo de la prensa.

 

El premio consiste en una figurita, fundida en plata, que representa al gato Mao, que tantas veces acompañó a Perich en sus viñetas, con un lápiz en la mano y un cigarrillo en la boca.

 

El popular grupo “El Tricicle” recibió el premio en 2010.

En diciembre de 1998 la viuda y la hija de Jaume Perich cedieron al Ayuntamiento de Barcelona, en régimen de comodato, aproximadamente 60.000 dibujos originales del humorista.

 

La viuda de Perich, Anna Berini, en el Ayuntamiento de Barcelona.

Diez años después de su fallecimiento la revista “El Jueves”, en la que Perich colaboró desde 1980, editó en su memoria un libro titulado “el PERICH, Humor sin concesiones (1941-1995)” donde se repasa biográficamente la vida profesional del humorista.

 

Portada de “el PERICH, Humor sin concesiones”.

 

Contraportada del libro. .

El 15 de abril de ese mismo año se inauguró en el pueblo de Premià de Dalt, Maresme, Barcelona, la biblioteca que lleva su nombre.

 

Biblioteca Jaume Perich en Premià de Dalt, Barcelona.

 

Interior de la biblioteca.

Dicha población al igual que Gavà, Barcelona, y la ciudad condal, tienen espacios públicos en su recuerdo.

 

Placa de cerámica sobre el pavimento de la plaza Jaume Peric en Gavà, Barcelona.

 

Jardines Jaume Perich en Barcelona.

 

Placa conmemorativa.

Jaume Perich i Escala, fumador y amante de los gatos, fue un librepensador que luchó por la libertad y la democracia.

 

Pero ante todo fue un gran humorista gráfico. . .

ARETHA FRANKLIN

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ARETHA FRANKLIN

La reina del alma . . .

 

 

Se haría interminable para este modesto narrador de historias plasmar en un blog la azarosa vida de la gran diva de la canción, la cual fue casi tan intensa como los grandes éxitos que cosechó en su dilatada carrera artística.

 

Por ello voy a tratar de relatar de forma muy sucinta un pequeño resumen de sus memorias.

 

Aretha Louise Franklin nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee (Estados Unidos).

 

La casa donde nació Aretha, en Memphis.

 

Fueron sus padres Clarence LaVaughn Franklin, un predicador baptista, mujeriego y autoritario, y Bárbara Vernice Siggers, una notable pianista y cantante de góspel.

 

Los padres de Aretha.

 

Tuvo una infancia muy complicada y hasta los seis años de edad vivió con sus padres y sus tres hermanas, Erma, Carolyn y Carl Ellan y sus dos hermanos Cecil y Vaughun, en Memphis.

 

Al haber pasado su infancia cantando en la iglesia, la pequeña Aretha estuvo siempre muy influenciada por la música religiosa.

 

Cuando su madre abandonó el hogar conyugal para trasladarse a Buffalo (Nueva York), harta de las continuas infidelidades de su esposo, éste decidió mudarse con sus hijas a Detroit donde continuó ejerciendo como pastor adquiriendo gran notoriedad merced a sus homilías y donde se ganó el apodo de “La voz del millón de dólares”.

 

Buffalo (Nueva York).

 

C. L. Franklin con sus hijos.

 

“La voz del millón de dólares” predicando en New Bethel Church.

 

Personajes de la talla de Jackie Wilson, Clara Ward o  Martin Luther King, del que fue gran amigo y confidente, fueron algunos de sus  habituales visitantes.

 

Martin Luther King y C.L. Franklin.

 

Al reparar  Clarence en las aptitudes musicales de la pequeña Aretha la animó a estudiar piano, pero a ella no le convenció la idea, por lo que aprendió de forma autodidacta música y canto, a base de escuchar discos y de actuar como cantante en grupos ambulantes.

 

Aretha cantó en New Bethel Baptist Church,  la iglesia de Detroit que regentaba su padre,  junto a sus hermanas  Erma y Carolyn, las cuales durante años realizaron coros en las grabaciones de ella y más tarde ejercieron sus carreras profesionales como solistas.

 

New Bethel Baptist Church.

 

Su madre, Bárbara Vernice Siggers, falleció cuando Aretha contaba diez años de edad.

 

Bárbara Vernice Siggers

 

Fruto de dos relaciones precoces, al parecer con muchachos de su misma escuela, Aretha quedó embarazada a los 12 años y dio a luz a su hijo Clarence el 28 de enero de 1955. Con 14 años tuvo a su segundo hijo, Edward,  que nació el 22 de enero de 1957.

 

Clarence Franklin

 

Precisamente a esa edad grabó junto a su padre, el Reverendo Franklin, su primer álbum en vivo  “Songs Of Faith” para la discográfica Checker Records, la cual  en 1984 lo reeditó con el título “The Góspel Soul Of Aretha Franklin” que contenía música góspel con sonido soul  e interpretada al piano por la jovencita Aretha.

 

Portada del álbum.

 

En 1960 tomó la decisión de viajar a Nueva York para tomar clases de danza y pulir sus aptitudes vocales. Para ello dejó sus dos hijos al cuidado de su abuela y de su hermana Erma.

 

Aretha con su hermana Erma.

A su llegada se dedicó a grabar maquetas musicales y a enviarlas a las compañías discográficas, que empezaron a ver en ella a una joven de prodigiosa voz.

 

Aretha a principio de los años 60.

 

Fue contratada en 1961 por la Columbia Records como cantante soul, pero al poco tiempo quisieron derivarla a la música de jazz, donde Aretha demostró su gran versatilidad en varias melodías que constituyeron grandes éxitos, como “Unforgettable”, un tributo a Dinah Washinghon.

 

Portada de “Unforgettable”.

 

En 1962 se casó con Tedy White con quien tuvo a su tercer hijo Tedy Jr. en febrero de 1964.

 

Aretha y Tedy White.

 

Aretha se sentía como una intérprete soul y para mostrar su desacuerdo con la discográfica Columbia Records abandonó la compañía en 1964 para firmar con Atlantic Records, donde grabó  con el acompañamiento de la  Muscle Shoals Rythhm Section de Alabama, “I Never Loved A Man The Way I Love You”, una obra maestra que incluía grandes canciones de entre las que sobresalía  “Respect”, un tema que fue utilizado por los grupos que luchaban en contra del racismo y por los derechos de la raza negra.

 

Aretha con la Muscle Shoals Rytthm Section.

 

Este trabajo fue sin duda la consagración definitiva de Aretha como reina del soul. Utilizó su gran popularidad en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, lo que la convirtió en un icono de la liberación femenina y del movimiento racial.

 

La cantante editó en 1967 “Aretha Arrives” con dos temas destacados: “Baby I Love You” y “Satisfaction” con el que consiguió ser número uno de ventas.

 

Portada de “Aretha Arrives”.

 

En 1968 grabó “Lady soul” con cuyo disco consiguió nuevamente un éxito sin precedentes. Entre otros títulos como “ Chain Of Fools”, “Ain’t No Way” o “A Natural Woman”, contenía también colaboraciones de Eric Clapton en “Good to Me As I Am to You”; de Curtis Mayfield en “People Get Ready”; de James Brown en “Money Won’t Change You” o  de Ray Charles en “Come Back Baby”.

 

La gran popularidad alcanzada hizo que en junio de ese mismo año fuese portada de la prestigiosa revista Time.

 

Revista Time.

 

Medio año después grabó el album “Aretha now” en el que versionó el popular tema “I Say A Little Prayer” que anteriormente había sido interpretado por Dionne Warwick.

 

Aretha en 1968

 

 

Dionne Warwick

En 1969 se divorció de su marido Teddy alegando malos tratos y violencia doméstica.

 

Cerró la década de los sesenta con el álbum “Soul’69” con temas tan populares como “Bring It on Home to Me” o “River’s Invitation”.

 

Portada del álbum ” Soul´69″.

 

En 1970  dio a luz a su cuarto hijo Kecalf, fruto de una relación con su director de giras Ken Cunningham.

 

Su cuarto hijo, Kecalf.

 

Aretha y Ken Cunningham.

 

Dentro del panorama internacional sus actuaciones se contaban por éxitos y ese mismo año versionó famosos temas de rock, soul y pop como “Let It Be” de The Beatles o “Bridge Over Troubled Water” de Simon and Garfunkel.

 

También editó dos álbumes. El primero fue “This Girl’s In Love With You”, que entre otras versiones de diferentes intérpretes contenía la canción “Call Me”, compuesta por ella misma.

 

En el segundo titulado “Spirit In The Dark” volvió a versionar temas de varios artistas destacando el tema que daba nombre al álbum, escrito por Aretha.

 

 

En 1972 presentó su primer álbum góspel,  grabado en vivo, en el que figuran algunas famosas versiones como “Amazing Grace”,  “Precious Memories”, “How I Got Over” o “Wholy Holy”.

 

Portada del álbum Amazing Grace.

Poco antes de pasarse a la música disco, en 1973, grabó “Hey Now Hey”, coproducido por la propia Aretha y Quincy Jones. El álbum contiene  canciones de otros autores, así como “Ángel” compuesta por su hermana Carolyn Franklin y Sonny Saunders.

 

Aretha con su padre y su hermana Carolyn.

Hasta el final de los setenta fueron años de altibajos para la cantante en los que sobresalió en escasos trabajos fugaces, como “Without Love”.

 

Junto a Curtis Mayfield recuperó su prestigio musical al participar en la banda sonora del filme Sparkle. El tema “Giving Him Something He Can Feel” se convirtió en número uno de ventas.

 

Portada del disco de la banda sonora de Sparkle.

 

 

En 1977 cantó el himno “God Bless América” en la investidura de Jimmy Carter como presidente de los Estados Unidos y grabó dos nuevos álbumes, con moderado éxito, “Sweet Passion” y  “Aretha Arrives”, este último incluía “Satisfaction” de The Rolling Stones.

 

De nuevo contrajo matrimonio en 1978. Esta vez fue con el actor Glynn Turman del que se divorció seis años después.

 

Su boda con Glynn Turrman.

Cerró prácticamente la década en 1979 con “La Diva”, donde aparecían canciones escritas por Aretha como ”Honey I Need Your Love”, “Only Star” o “Ladies Only”, que pasaron desapercibidas.

 

Al entender Aretha que el descenso en su carrera musical se debía al escaso interés por parte de Atlantic  Records en su promoción artística, así como a la pésima producción de sus álbumes, en 1979 la cantante tomó la decisión de abandonar la discográfica para firmar con Arista Records.  

 

En  un intento de robo en el interior  de su casa, en junio de 1979, el  padre de Aretha,  Clarence, recibió dos impactos de bala a quemarropa.

 

Trasladado al hospital Henry Ford, falleció cinco años después en el Hogar de Ancianos New Light de Detroit, a causa de las complicaciones de las heridas. A pesar de que las relaciones entre padre e hija nunca fueron buenas, Aretha le visitó mensualmente volando desde Los Ángeles a Detroit, para estar junto a él hasta el final de sus días.

 

En 1980 Aretha inició su etapa con  la nueva compañía Arista Records y el 25 de octubre de ese mismo año lanzó su primer álbum titulado “Aretha”, donde se incluían versiones de trabajos anteriores pero con un sonido más pop, en consonancia con los años 80. El tema más destacado del disco fue “United Together”.

 

En ese año actuó como Ms Murphy en la exitosa película “The Blue Brothers” (Granujas a todo ritmo) interpretando la canción “Think”,  incluida en la banda sonora. En dicho filme también participaron, entre otras estrellas famosas de la canción,  Ray Charles, James Brown  y la considerada mejor banda de soul The Blue Brothers.

 

Con un nuevo sonido que fusionaba  soul, rock  y quiet storm, Aretha se encaramó nuevamente a los primeros puestos  de las listas musicales con “Love All The Hurt Away”, un dueto interpretado junto a George Benson en 1981.

 

George Benson

 

Su disco “Jump To It”, de 1982, fue número uno durante más de cinco años.

 

 

Debido a un leve accidente por turbulencias, Aretha le tomó pánico a los aviones, por  cuyo motivo limitó sus actuaciones solo a Estados Unidos.

 

Desde 1985 hasta 1987 presentó “Who’s Zooming’ Who?”, un álbum más pop que los anteriores, y con el tema “Freeway Of Love” consiguió dos Grammys.

 

Durante ese tiempo y quince años después del lanzamiento de “Gospel Greats”  con su gran  “Amazing Grace”, Aretha grabó para la discográfica Arista Records su segundo álbum totalmente góspel  titulado “One Lord, One Faith, One Baptism”, en el que colaboraron, entre otros, sus dos hermanas y la cantante Mavis Staples.

 

Aretha junto a sus hermanas Erma y Carolyn.

 

Mavis Staples

 

En el año 1987 entró en el “Rock and Roll Hall of Fame”, un año antes que “The Beatles”, siendo la primera mujer en lograrlo.

 

Aretha se tomó dos años de descanso para volver en 1989 con el álbum “Through The Storm”, en el que se incluían duetos con artistas de la talla de Elton John, James Brown o Whitney Houston.

 

Portada del álbum”Through The Storm”.

 

Elton John

 

James Brown

 

Whitney Houston

 

A partir de 1990 dejó de prodigar su presencia en los escenarios y en 1991 presentó “What You See Is What You Sweat” cuyo álbum incluía, entre otros, los temas “Everday People”, “Someone Else’s Eyes”, “Ever Changing Times, “Doctor’s Orders” y  “ I Dreamed  A Dream”.

 

Portada del álbum “What You See Is What You Sweat”.

 

Desde entonces, y a pesar de estar casi siete años sin grabar nuevos temas, sus actuaciones  fueron constantes. En  1993 y 1997 cantó en las ceremonias de las tomas de posesión de Bill Clinton como presidente del gobierno de Estados Unidos.

 

Bill Clinton estrechando la mano de Aretha en la toma de posesión de 1993.

 

En 1995 recibió un premio Grammy  por toda su carrera artística. En esa época grabó un dueto con Frank Sinatra, “What Now My Love”.

 

Junto a celebridades de la canción como Mariah Carey, Shania Twain, Céline Dion o Gloria Estefan, Aretha actuó en 1998 en el espectáculo  de VH1 “Divas Live”, convirtiéndose en apenas un par de actuaciones en  “The Queen Of Soul” (La reina del alma), con un público totalmente entregado a su arte.

 

En la entrega de los premios Grammy de ese mismo año,  Aretha sustituyó  a Luciano Pavarotti (que  no pudo acudir a la gala por hallarse indispuesto) improvisando y cantando sin previo ensayo el aria “Nessun dorma” de la ópera “Turandot”, recibiendo por su interpretación el reconocimiento internacional.

 

Aretha y Luciano Pavarotti.

 

 

En febrero de 1998 repitió su papel de Ms Murphy en la película “The Blues Brothers 2000”.

 

El presidente Bill Clinton le hizo entrega de la Medalla Nacional de Artes y Humanidades en septiembre de 1999.

 

El presidente Clinton en presencia de su esposa Hillary imponiendo a Aretha la Medalla Nacional de Artes y Humanidades.

 

Ese mismo mes publicó su autobiografía con el título Aretha: From These Roots, donde narró por primera vez su vida, omitiendo sus promiscuas relaciones amorosas de las que siempre salió mal parada en su pasado turbulento y desmintiendo las versiones de que su madre les había abandonado por las infidelidades de su esposo, sino antes al contrario dijo que fue una mujer protectora, cariñosa y responsable.

 

Portada del libro.

 

Para promocionar la carrera musical de sus hijos Kecalf, Teddy y Eddy, en 2004,  Aretha fijó su residencia en Detroit, creando su propio sello discográfico, Aretha’s Records.

 

Tres de los cuatro hijos de Aretha.

 

El presidente George W. Bush le impuso la Medalla Presidencial de la Libertad el 5 de noviembre de 2005.

 

El presidente Bush imponiéndole la Medalla Presidencial de la Libertad.

 

En 2008 la revista estadounidense Rolling Stones la situó en el primer lugar, como la más famosa cantante de todos los tiempos.

 

En la ceremonia de investidura del presidente Barack Obama, celebrada el 20 de enero de 2009, cantó “My Country, ‘Tis Of Thee”.

 

 

Debido a un accidente sufrido en su casa el 1º de agosto de 2010, en el que se fracturó dos costillas, la cantante tuvo que suspender los conciertos de dicho mes.

 

Durante una entrevista concedida a Wendy Williams, el 25 de febrero de 2011, Aretha confesó haber perdido 38 kilos a raíz de una intervención quirúrgica por una dolencia de la que no quiso ofrecer detalles. Simplemente dijo: “Ya lo dejé atrás y me siento maravillosa”.

 

El 3 de mayo de 2011 lanzó “A Woman Falling Out Of Love”, el primer álbum creado en su nueva discográfica Aretha Record.

 

En uno de los eventos auspiciados por el Vaticano con motivo de la visita, el 26 de septiembre de 2015, del papa Francisco a Filadelfia, Aretha cantó “Amazing Grace”en el Festival de las Familias.

 

 

El 7 de febrero de 2017  la cantante manifestó a un canal de televisión de Detroit que se jubilaría ese mismo año y que dejaría  de realizar conciertos después del lanzamiento de otro álbum. No obstante y a pesar de lo avanzado de su enfermedad, su última actuación la realizó en Nueva York en noviembre de 2017 con motivo del 25º aniversario de la fundación contra el Sida creada por Elton John.

 

 

Con el expresidente Bill Clinton.

 

El expresidente Bill Clinton y Elton John.

El 10 de noviembre de 2017 lanzó el álbum “A Brand New Me”, un recopilatorio de sus canciones más importantes, con la colaboración de la Royal Philharmonic Orchestra de Londres.

 

Vendió más de 75 millones de discos en todo el mundo y, entre los innumerables premios obtenidos por Aretha durante su trayectoria artística, tras 44 nominaciones ganó 18 Grammy,  cantó  para la reina de Inglaterra, en el funeral  de Martin Luther King y en la toma de posesión de Jimmy Carter, Bill Clinton y  Barack Obama como  presidentes de los Estados Unidos.

 

 

Siempre tuvo complicaciones de salud debido a que durante décadas no dejó de comer compulsivamente, teniendo que luchar sin éxito contra sus problemas de alcoholismo y obesidad.

 

Esta gran dama de la canción, rodeada de sus seres más queridos, nos dejó huérfanos de su voz el pasado 16 de Agosto de 2018  en Detroit, a la edad de 76 años, víctima de un cáncer de páncreas con el que llevaba años batallando, pese a no haberlo reconocido jamás.

 

El funeral tuvo aires de ceremonia de estado, y entre las muchísimas personalidades que acudieron al mismo, ubicados en un lugar de honor, estuvieron el expresidente Bill Clinton en primera fila y su esposa Hillary algo más atrás.

 

El expresidente Bill Clinton en el funeral de Aretha Franklin.

 

Aretha Franklin, vestida de oro y lentejuelas y zapatos de tacón a juego, se despidió como la gran reina que fue.

 

El féretro dorado con el cadáver de Aretha, ataviada de rojo.

 

En el emotivo acto celebrado en el abarrotado Grater Grace Temple, más allá de los discursos emotivos, dominó sobre todo la música góspel en honor de la difunta, donde sonaron algunas de sus canciones más conocidas interpretadas por su propio coro, con las voces, entre otras, de Stevie Wonder, Fait Hill, Jennifer Hudson y Ariana Grande, quien tuvo el honor de cantar el “Natural Woman” de la propia Aretha.

 

 

Tras pasar por el Museo de Historia Afroamericana Charles H. Wright, el cadáver de Aretha, dentro de un ataúd dorado, fue trasladado hasta el cementerio de Woodlawn de Detroit, donde recibió sepultura.

 

Multitud de admiradores depositaron flores junto a la estrella que la diva posee en el paseo de la Fama de Hollywood.

 

La estrella de Aretha en el Paseo de la Fama fue rodeada de flores.

 

Aretha Franklin, la eterna “ Dama del soul”. . .

JARABO

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JARABO

El dandi asesino

 

 

José María Manuel Pablo de la Cruz Jarabo Pérez-Morris nació en Madrid el 28 de abril de 1923.

 

Hijo de una familia acomodada, fueron sus padres José María Jarabo Guinea, español y letrado de profesión, y Teresa Pérez-Moris Cañal, de origen portorriqueño. Posteriormente la familia varió el apellido dejándolo en Pérez-Morris.

 

El niño José María haciendo equilibrios sobre una silla.

 

José María Jarabo era sobrino de Francisco Ruiz Jarabo, presidente del Tribunal Supremo y años más tarde Ministro de Justicia.

 

Francisco Ruiz Jarabo, presidente del Tribunal Supremo.

 

Estudió en los mejores centros de enseñanza  de Madrid, entre ellos el prestigioso Colegio Nuestra Señora del Pilar en el barrio de Salamanca, cuna de políticos, empresarios y ejecutivos de la época a los cuales tuvo por compañeros.

 

Colegio de Nuestra Señora del Pilar.

 

En 1940, recién cumplidos los 17 años, José María convertido en un fortachón y apuesto muchacho, simpático, distinguido, con hechuras de galán cinematográfico y refinada educación, dejó los estudios para viajar a Puerto Rico junto a su familia.

 

Puerto Rico

 

Probablemente el divorcio de sus padres hizo que su madre  se volcara en él, mimándolo en demasía, lo cual contribuyó a que el joven José María llevara una vida desordenada de golfería y gandulería así como una inagotable adicción por los drogas, el alcohol y el sexo que le llevaron a padecer más de una enfermedad venérea.

 

A los veinte años José María se casó con Luz Álvarez, una rica heredera con la que tuvo un hijo, pero cinco años más tarde se produjo el divorcio debido a su referida inmoralidad.

 

José María con su familia.

 

Se trasladó entonces a Nueva York donde tampoco le fueron bien las cosas, pues fue expulsado del país tras pasar cuatro años en prisión por tráfico de estupefacientes y pornografía.

 

Aunque su familia permaneció en Puerto Rico, Jarabo regresó a Madrid en junio de 1952, con una suma de quince millones de pesetas que su madre le entregó para que se estableciera e instalara un negocio en la capital.

 

La calle Alcalá, años 1950-60

 

Además, mensualmente, José María recibía puntualmente ocho mil pesetas para sus gastos personales.

 

Jarabo simuló dedicarse a las representaciones pero la realidad es que jamás trabajó y, continuando con sus hábitos de “bon vivant”, esa fortuna le permitió convertirse en uno de los personajes más admirados y solicitados por las féminas de la noche capitalina.

 

Durante dos años, el tiempo que tardó en dilapidar el dinero, José María se erigió, cual Petronius, en el árbitro de la elegancia madrileña, pues no hay que olvidar que en aquella época Madrid, con todos los respetos, era una ciudad pueblerina, totalmente distinta a la de nuestros días.

 

Madrid, 1952. Una mula se cae delante del tranvía de la línea 17.

 

Jarabo hablaba en perfecto inglés por haber residido en Estados Unidos, conducía coches de alta gama, lucía trajes confeccionados por los mejores sastres artesanos de la villa y corte,  frecuentaba los mejores restaurantes y las mujeres le asediaban en las “boites” de moda del foro madrileño.

 

Uno de los automóviles de Jarabo.

 

Al parecer, uno de los principales atractivos masculinos de los que se hablaba de Jarabo, entre su corte de admiradoras de todo género y conducta, es que estaba muy bien dotado sexualmente.

 

Jarabo aparecía siempre rodeado de mujeres.

 

Sus constantes apetitos carnales le obligaban a reemplazar a menudo a sus parejas, ya fueran amigas o prostitutas.

 

Sin embargo, su adicción a las drogas y el excesivo consumo de alcohol desencadenaba en él una continua agresividad, que a menudo afloraba en disputas y peleas motivadas por asuntos de rivalidad relacionados con faldas.

 

Al quedarse absolutamente sin dinero, Jarabo se dedicó con su poder de seducción a embaucar y estafar a cuanta gente se le puso por delante, dando nombres falsos, empeñando alhajas e incluso hipotecando la magnífica villa que su familia poseía en la calle Arturo Soria de la capital madrileña.

 

En el verano de 1956 Jarabo conoció a Beryl Martin Jones, una inglesa residente en Lyon casada con un francés.

 

Panorámica de Lyon, Francia.

 

Beryl había viajado sola a Madrid, como turista, para reflexionar sobre el futuro de su matrimonio que al parecer no andaba muy bien.

 

La inglesa se enamoró perdidamente del seductor Jose María con el que sostuvo un largo idilio durante todo el verano.

 

José María con Beryl.

Al llegar el otoño, el gasto descontrolado en hoteles, caprichos y el desenfreno de las noches madrileñas junto a Beryl le pasó factura a José María, al que las ocho mil pesetas mensuales que le enviaba su madre no le cubrían sus gastos.

 

Fue entonces cuando reparó en un hermoso anillo que lucía su amante. Un solitario de oro con un precioso brillante, regalo de su esposo, cuyo precio podría estar en más de 50.000 pesetas de los años 1950-60.

 

Haciendo gala, una vez más, de su gran poder persuasivo, Jarabo le pidió prestado el anillo a su amante para empeñarlo hasta recibir una importante cantidad de dinero procedente de sus negocios en el extranjero.

 

Beryl, enamorada y entregada a  los placeres sexuales que le ofrecía su compañero, no reparó en entregarle la joya.

 

Jarabo pensó entonces en una tienda que figuraba como un negocio de compra-venta, denominada Jusfer, un antro regentado por dos tipos de dudosa reputación, en el número 19 de la calle Sáinz de Baranda, al que acudían con urgencia de dinero aquellos que no podían hacerlo a través del Monte de Piedad, casa de empeños legal de la época.

 

La tienda de los prestamistas.

 

En Jusfer se aprovechaban de las desgracias de las personas necesitadas tasando los objetos cedidos por éstas muy por debajo de su valor real, teniendo que pagar luego, para poder recuperarlos, más del triple de su valor empeñado, en un escaso plazo de tiempo si no querían exponerse a que el objeto ya se hubiera vendido.

 

Los dos usureros  que regentaban Jusfer eran Emilio Fernández Díaz y Félix López Robledo, quienes le ofrecieron cuatro mil pesetas por la joya.

 

Emilio Fernández

 

Félix López

 

José María y Beryl pensaron que era un abuso pero, por otra parte, que también les sería más fácil recuperarla al cabo de pocos días.

 

Con la llegada del invierno, Beryl se puso enferma y su esposo viajó a Madrid para persuadir a su mujer de que volviera a Lyon a pasar las fiestas de Navidad.

 

Apenas sin tiempo para despedirse de Jarabo, Beryl retornó a Lyon y ya jamás volvieron a encontrarse.

 

No obstante, Beryl siguió en contacto con su amante a través del correo, y en una de sus cartas le recordó a José María la conveniencia de recuperar el anillo empeñado en Jusfer, obsequio de su marido.

 

Para colmo, su familia de Puerto Rico le comunicó que iban a regresar a Madrid. Las cosas se le ponían feas a Jarabo, pues se iban a descubrir sus correrías y su forma de vida.

 

En la primavera de 1958 José María fue a Jusfer a desempeñar la joya, pero uno de los propietarios le dijo que no podía hacerlo, puesto que en el documento constaba que la propietaria era una tal Beryl y que, sin su expresa autorización por escrito, no podían entregarle el solitario de oro.

 

Jarabo les dijo que tenía una carta de Beryl donde le instaba a recuperar la joya y que seguramente podría servir como autorización.

 

Emilio, uno de los prestamistas, le respondió que les llevara la carta para ver si podría valer.

 

Al día siguiente Jarabo regresó con la carta, a la cual dieron su conformidad la pareja de explotadores, pero para recuperar la alhaja le pidieron diez mil pesetas, un 250 por ciento más del dinero prestado.

 

Como Jarabo no disponía de esa cantidad acordaron que volvería más adelante, cuando tuviera el dinero. Como aval para no revender la sortija convinieron en quedarse la carta y guardarla en su caja de caudales.

 

La carta de Beryl.

 

Mediaba el mes de junio cuando Jarabo, con las diez mil pesetas, volvió al antro de los usureros. Su sorpresa fue mayúscula cuando éstos le comunicaron que, ahora, para recuperar el anillo y la carta, que además contenía revelaciones y confesiones íntimas, tenía que pagarles el doble.

 

Jarabo comprendió que, por las buenas, jamás podría llegar a un acuerdo con aquel par de timadores, por lo que fingiendo ser un teniente coronel de Aviación, coleccionista de armas, adquirió una pistola FN calibre 7,65 mm. a un sereno nocturno del madrileño Paseo de la Habana.

 

La pistola adquirida a un sereno nocturno.

 

La víspera del 18 de julio, día festivo en Madrid por celebrarse el Glorioso Alzamiento Nacional, Jarabo llamó a los usureros para decirles que tenía dinero y joyas por valor suficiente para recuperar el anillo y la carta.

 

Voluntarios en la Puerta del Sol de Madrid, (julio de 1936).

 

Quedaron en verse en la tienda el sábado 19 a las 20,30 horas pues en aquella época se trabajaba los sábados por la tarde.

 

Como de costumbre, José María que vestía siempre de forma impecable, esa noche escogió para la ocasión uno de sus trajes más elegantes.

 

José María Jarabo

 

Los días de lujo y derroche se habían terminado, por lo que Jarabo vivía en una modesta pensión de la calle Escosura nº 21, de la que salió con tiempo suficiente para acudir a la cita, pero conoció en el camino a una mujer con la que estuvo coqueteando y llegó a la tienda cuando ya estaba cerrada.

 

Entonces decidió ir directamente al domicilio de Emilio Fernández que vivía muy cerca de allí, concretamente en el piso cuarto de la calle Lope de Rueda, 57.

 

Poco antes de las diez de la noche, se coló en el portal de la finca aprovechando un descuido del vigilante y, para no dejar huellas dactilares, abrió la puerta del ascensor con los codos y pulsó el botón del timbre del domicilio con el pulgar de la uña.

 

Le franqueó  la puerta Paulina Ramos, una asistenta de 26 años que trabajaba en la casa, quien le hizo pasar al salón donde se encontraba Emilio. Éste, al verle, montó en cólera recriminándole su presencia y diciéndole que los temas comerciales se trataban en la tienda, pero jamás en su domicilio privado. Acto seguido lo expulsó de su casa.

 

Paulina Ramos Serrano

 

José María se dirigió a la puerta de salida, abriendo y cerrando la puerta para que Emilio pensara que se había marchado, pero a renglón seguido regresó hacia el cuarto de baño donde se encontraba el prestamista y sin mediar palabra le disparó en la nuca causándole la muerte instantánea.

 

Al oír el disparo la sirvienta acudió rápidamente hacia el lugar del crimen y al contemplar la escena quiso pedir auxilio pero Jarabo se lo impidió, golpeándole en la cabeza con la culata de la pistola, tapándole la boca y clavándole en el corazón el cuchillo con la que la pobre muchacha estaba trabajando en la cocina.

 

Pocos minutos después hizo acto de presencia en el piso Amparo Alonso, esposa de Emilio.

 

Amparo Alonso

 

Sorprendida al ver a José María sólo en el salón, éste con su característico desparpajo y simulando ser un inspector de Hacienda, le comentó a la señora que su marido y Paulina habían tenido que salir con unos compañeros suyos para aclarar una cuestión relacionada con piezas substraídas y que no tardarían en regresar.

 

El tiempo iba transcurriendo y a pesar de la labia y palique del asesino, Amparo empezó a desconfiar de éste y al observar una mancha de sangre en su ropa, en un descuido de Jarabo, acudió al cuarto de baño descubriendo los cadáveres de Emilio y Paulina.

 

El cuerpo sin vida de Emilio Fernández en el cuarto de baño.

 

Al poco tiempo la desafortunada yacía también muerta sobre la cama, con un tiro en la cabeza. Fue un doble crimen pues Amparo estaba embarazada.

 

El cadáver de Amparo Alonso.

 

Acto seguido, José María revolvió todo el piso en busca del anillo y de la carta de su amante, pero no halló nada, a excepción de la llave de la puerta de Jusfer y de algunas joyas de las que se apropió. Registró la ropa de los difuntos y se apoderó de su dinero.

 

A sabiendas de que el portal de la vivienda estaba cerrado, pues eran más de las doce de la noche, Jarabo optó por quedarse en el piso, junto a los tres cadáveres, hasta la mañana siguiente.

 

Decidió crear, entonces, una atmósfera de crimen pasional. Trasladó el cuerpo de Paulina a la habitación de ésta, la colocó  en la cama y le quitó la ropa rasgando las prendas íntimas que llevaba, para simular un abuso sexual.

 

Se cambió su camisa ensangrentada por una del difunto, y colocó en una mesa varias botellas de alcohol y copas manchadas de carmín medio vacías y derramadas, para simular una noche de orgía.

 

Al día siguiente, domingo, en cuanto abrieron el portal de la escalera, José María, se marchó del lugar de los hechos y pasó la mañana en el cine Carretas donde se proyectaban películas en sesión continua.

 

Cine Carretas.

 

A la salida, y después de hacer su diaria ronda por los bares que solía frecuentar, regresó a su pensión para descansar y preparar la visita del día siguiente, en la tienda de Jusfer, a Félix López Robledo, el socio del prestamista asesinado.

 

La mañana del lunes 21 de julio de 1958, Jarabo madrugó más que de costumbre para dirigirse a Jusfer. Una vez allí, abrió la tienda con la llave que había sustraído en el piso de Emilio y se escondió en su interior, esperando la llegada de Félix.

 

Puntualmente, como cada jornada, Félix abrió la puerta de Jusfer sin sospechar que sería su última vez. Agazapado le esperaba Jarabo que, sin mediar palabra, le disparó dos tiros en la nuca.

 

Su última víctima Félix López Robledo en la tienda Jusfer.

A continuación buscó por toda la tienda el anillo y la carta de Beryl, pero tampoco esta vez encontró nada.

 

Al observar la gran sangría que amenazaba con salir por debajo de la puerta hacia el portal, José María la taponó esparciendo un saco de serrín que encontró en la tienda. Después se hizo con un lujoso maletín donde metió su ropa manchada de sangre junto a otros objetos y alhajas que consideró de valor.

 

Se puso uno de los trajes pignorados existentes en el local y acto seguido se dirigió a la tintorería Julcán de la calle Orense, 49 de la que era cliente habitual y les entregó la ropa ensangrentada, así como el maletín, para que se la guardaran hasta el día siguiente para cuando fuera a retirar las prendas.

 

Tintorería Julcán.

Para justificar las manchas de sangre les dijo que la noche anterior había tenido una pelea con un chulo, al que le había partido la nariz, en la sala de fiestas “El Molino Rojo”.

 

El Molino Rojo.

 

Uno de los vecinos de confianza de los propietarios de Jusfer, extrañado al observar la tienda cerrada durante toda la mañana, acudió al domicilio de Emilio donde nadie le respondió. Habló entonces con el portero de la escalera, quien le comentó que no había visto entrar ni salir al matrimonio ni a la sirvienta.

 

José Pacheco y su esposa, porteros del inmueble de la vivienda de Emilio Fernández.

 

Llamaron entonces al teléfono de la vivienda y, al ver que nadie contestaba, optaron por telefonear al domicilio de su socio Félix. Respondió a teléfono la compañera de éste, Ángeles de las Nieves Mayoral, quien, extrañada, manifestó que Félix se había ido temprano como cada mañana para abrir el local.

 

Angeles de las Nieves Mayoral compañera de Félix López.

 

Ante la sorpresa y el misterio los vecinos decidieron comunicar los hechos en la comisaría.

 

Cuando la policía descubrió los cuatro crímenes, con la cantidad de sangre derramada, dedujo que el asesino posiblemente habría tenido que acudir a alguna lavandería o tintorería por lo que se ordenó una investigación en todos locales de limpieza.

 

Los dueños de la tintorería Julcán declararon a la policía que, efectivamente, uno de sus clientes les había entregado para su urgente limpieza, un traje que les llamó la atención por la gran cantidad de sangre acumulada, máxime tratándose de una hemorragia nasal. También les había confiado un maletín que recogería al día siguiente.

 

Uno de los dueños de la tintorería mostrando el maletín que les confió Jarabo.

 

La policía procedió a abrir el maletín y encontró en su interior, junto a otros objetos, la pistola FN calibre 7,65 mm. que el asesino había utilizado para llevar a cabo sus crímenes.

 

Jarabo anduvo el lunes recorriendo tabernas y pasó la noche con dos mujeres que había conocido en el bar Chicote, con las cuales quería acostarse. Como no consiguió quien le alquilara una habitación, pasearon toda la madrugada en taxi hasta el amanecer. Después de haber parado para desayunar, le indicó al taxista que les condujera hasta la tintorería de la calle Orense.

 

Bar Chicote.

 

Cuando al mediodía del martes 22 de julio José María acudió al establecimiento para recoger el traje se encontró con la presencia de policías que le detuvieron sin que opusiera resistencia. Desde allí fue trasladado a la Dirección General de Seguridad de la Puerta del Sol.

 

Dirección General de Seguridad de la Puerta del Sol.

 

Ficha policial de Jarabo el día de su detención.

Con la sangre fría que siempre le caracterizó solicitó que, desde el restaurante Lhardy, llevaran comida y una botella de coñac francés para todos. Incluso consiguió que le inyectaran morfina al tiempo que iba confesando los asesinatos. Se arrepintió de la muerte de las dos mujeres pero no así de los usureros que le habían extorsionado.

 

Restaurante Lhardy.

 

La repercusión que tuvo en la sociedad la noticia del cuádruple crimen ejecutado por Jarabo (principalmente el de las dos mujeres, una de ellas embarazada) impresionó a todo el país y le crearon un desprecio general.

 

Fue tal el morbo que se originó en torno a la figura de José María que, el jueves 29 de enero de 1959, cuando se celebró en la Sala V de la Audiencia Provincial de Madrid el juicio contra el asesino, el local estaba repleto de periodistas y gente famosa de todos los ámbitos.

 

Multitud de gente haciendo cola ante la Audiencia Provincial para presenciar el juicio.

 

Durante los cinco días que se prolongó la causa, Jarabo se presentó como un verdadero dandi luciendo cada día un traje diferente.

 

Cabe señalar, como curiosidad, que el semanario de sucesos “El Caso”, en su edición 325, alcanzó una cifra de ventas de medio millón de ejemplares, batiendo todos los récords en España hasta aquel momento.

 

El semanario El Caso.

 

La sentencia, que se hizo pública el 11 de febrero de 1959 y se confirmó el 18 de mayo del mismo año, condenó a José María al pago de costas y doscientas mil pesetas de indemnización a cada uno de los herederos de las víctimas así como a cuatro penas de muerte, que no pudo eludir a pesar del dinero y la influencia de su familia así como a la mediación de su tío, entonces presidente del Tribunal Supremo.

 

El dictador Franco firmó el “enterado”.

 

La ejecución se señaló para el 4 de julio de 1959 y la noche anterior Jarabo la pasó fumando y bebiendo whisky. A las cinco de la mañana escuchó misa y comulgó.

 

Haciendo gala de una increíble frialdad, José María acudió al patíbulo del patio de la hoy desaparecida prisión de Carabanchel, Prisión Provincial de Madrid, perfumado y vestido de forma impecable.

 

La desaparecida cárcel de Carabanchel.

 

Tenía 36 años y fue uno de los últimos condenados a muerte por garrote vil.

 

El garrote vil.

 

Fue enterrado en el cementerio de la Almudena, en la sepultura de sus abuelos maternos. No obstante, antes se originó un gran revuelo por la protesta de algunos asistentes que aseguraban que el cuerpo del féretro no era el de Jarabo sino el de un gitano que había fallecido horas antes.

 

Tumba de José María Jarabo.

 

Para calmar los ánimos un comisario que se hallaba junto a los empleados ordenó abrir el ataúd para desmentir los rumores.

 

Varios testigos, entre ellos algunos periodistas, aseguraron no haber identificado a Jarabo, posiblemente debido al destrozo que sufrió su cuello durante la ejecución, ya que, debido a su fortaleza, el verdugo tuvo que dar dos vueltas al tornillo del garrote vil, prolongando su sufrimiento y su agonía, y aún así el médico no pudo certificar su defunción hasta veinte minutos después.

 

A partir de ahí empezó la leyenda de José María Manuel Pablo de la Cruz Jarabo Pérez-Morris, pues hay quienes manifestaron haberle visto posteriormente en Puerto Rico, donde residía su familia.

 

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José María Jarabo

 

La vida de Jarabo fue llevada a la televisión en 1984 con la serie “La huella del crimen” dirigida por Juan Antonio Bardem, cuyo episodio fue interpretado por el actor Sancho Gracia.

 

Sancho Gracia en una escena de la huella del crimen.

 

El eminente ensayista y romancero zamorano Joaquin Díaz incluyó en su disco “Música en la calle” el tema “Los crímenes del Jarabo”.

 

El romancero Joaquin Díaz.

 

¿Jarabo fue realmente un asesino o tal vez un desequilibrado?. . .

 

 

MARÍA PACHECO

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MARIA PACHECO

 

                    “La leona de Castilla”

 

 

María López de Mendoza y Pacheco, más conocida como María Pacheco, nació en 1495 en el palacio del sultán Yusuf III de la Alhambra de Granada, donde su progenitor había sido nombrado, a título perpetuo para él y sus sucesores, Alcalde y Capitán General del Reino de Granada por los Reyes Católicos en 1491.

 

La Alhambra de Granada

Su padre fue Íñigo López de Mendoza y Quiñones, I Marqués de Mondéjar y II Conde de Tendilla, conocido como el “Gran Tendilla”. Su madre fue Francisca Pacheco, hija de Juan Pacheco, I Marqués de Villena y Maestro de la Orden de Santiago.

 

Íñigo López de Mendoza y Quiñones

María fue la cuarta de ocho hijos: Luis (heredero de la alcaldía de la Alhambra), Diego (embajador, poeta y escritor), Francisco (cardenal, enterrado en la catedral de Sevilla), Bernardino (marino, embajador y comendador), Antonio (virrey de de México y Perú), María e Isabel.

 

María y sus hermanos fueron educados por el erudito humanista italiano Pedro Mártir de Anglería, al que su padre Íñigo conoció en Roma, cuando estuvo ejerciendo de embajador, y al que convenció para que se trasladara a la corte granadina.

 

Pedro Mártir de Anglería

De enigmática belleza, María, que desde jovencita ya destacó entre sus ilustrados hermanos, se mostró muy interesada por los estudios y aprendió griego, latín, historia, aritmética y cultura general. Mostró siempre un fuerte carácter, gran personalidad, y fue una mujer adelantada a su época. Prueba de ello es que para que no la confundieran con su hermana María y su otra hermana bastarda también llamada María, invirtió sus apellidos haciéndose llamar María Pacheco.

 

María congenió desde siempre de manera especial con su hermano pequeño Diego, al que le unía su interés por la historia y la poesía.

 

Con tan solo catorce años de edad el padre de María acordó los esponsales de su hija con el joven caballero toledano de veinte años Juan de Padilla, hijo de Pedro López de Padilla y sobrino de Gutiérrez de Padilla, Comendador Mayor de Calatrava, con quien el Marqués de Mondejar deseaba emparentar.

 

Juan de Padilla

 

Desafiando la autoridad de su padre, María se negó a la boda porque no se la había consultado previamente, porque no le atraía físicamente Juan de Padilla  y porque su rango nobiliario era inferior al suyo.

 

No obstante su negativa, al año siguiente se celebró la boda en Granada, constando ella por su linaje como Doña María Pacheco y su marido simplemente como Juan de Padilla.

 

Se acordó en el matrimonio la renuncia de los derechos a la herencia paterna a cambio de una dote de cuatro millones y medio de maravedíes, toda una fortuna en aquellos tiempos.

 

Con los años la convivencia entre María y Juan se transformó en un amor sincero, fruto del cual, en 1516, nació su hijo Pedro, que falleció siete años después.

 

Al morir el padre de Juan de Padilla, éste le sucedió en su cargo militar. Entonces el matrimonio se trasladó a Toledo.

 

Toledo

 

Ese año falleció Fernando el Católico, lo que originó un caos en la política pues, hasta que el joven príncipe, nieto de los Reyes Católicos e hijo de Juana la Loca y Fernando el Hermoso, no llegó a España desde Flandes para ocupar el trono vacante, asumió la regencia el cardenal Cisneros.

 

Fernando el Católico

 

Éste último logró que desde Bruselas, Carlos de Habsburgo (quien ya se preparaba para ser nombrado emperador) fuera proclamado rey de Castilla y Aragón, algo que la nobleza interpretó como una traición política puesto que Juana, recluida en Tordesillas por su supuesta locura, era su indiscutible soberana.

 

El cardenal Cisneros

 

Para evitar el peligro de una inminente sublevación, Cisneros instó a Carlos para que viajara rápidamente a España.

 

Carlos I de España y V de Alemania.

Fueron dos años de gran inestabilidad política, ya que los nobles castellanos querían restablecer el poder perdido y  manifestaban su inclinación por Fernando, hermano de Carlos, educado en Castilla cerca de su abuelo Fernando el Católico y más propenso a los intereses de la nobleza.

 

Fernando, hermano de Carlos.

 

Carlos de Habsburgo, instruido en Gantes, llegó a España sin conocer en absoluto el idioma y rodeado de una gran corte de flamencos y borgoñones que se repartieron los mejores cargos y beneficios.

 

Llevado por su ambición, el monarca solicitó grandes sumas de fondos e incrementó los impuestos, lo que hizo aumentar las quejas de la nobleza.

 

En agosto de 1520 Medina del Campo, considerada como el mayor foco financiero de Castilla, fue incendiada por el ejército real. Ésto se tradujo en una especie de guerra civil que enfrentó a las diferentes clases sociales. A partir de ahí  las Comunidades de Castilla cesaron  en su aristocrática y noble tradición para alinearse más a favor del pueblo llano.

 

El gran incendio de Medina del Campo.

 

Esta incidencia atemorizó a la nobleza, la cual brindó su apoyo a Carlos I, que les garantizaba sus  condición social.

 

María Pacheco, ante lo que se consideró una gran injusticia, fue sin duda la gran instigadora del movimiento comunero, pues ella animó y apoyó a su esposo, Juan de Padilla, en el levantamiento de las Comunidades en Toledo.

 

La rebelión de los comuneros.

 

La familia quedó dividida, ya que su hermano y nuevo capitán de Granada, Luis Hurtado de Mendoza, junto a su familia, se pasaron al bando imperial, mientras que María y su esposo lo hicieron en el grupo comunero.

 

Luis Hurtado de Mendoza

 

En julio de 1520, en Ávila, Juan de Padilla fue nombrado capitán general por la Santa Junta, pero las diversas pugnas entre la que fue conocida como la “Revuelta de los Comuneros” derivaron en su substitución por Pedro Girón y Velasco, motivo por el cual Padilla retornó a Toledo.

 

No obstante, al poco tiempo Girón abandonó, pasándose al bando monárquico.

 

María Pacheco dirigió la jefatura y el liderazgo de Toledo, durante el período en que su marido permaneció ausente de la ciudad, aunque al poco tiempo compartió la gobernabilidad con el obispo de Zamora, Antonio Acuña, quien desertó más tarde cuando la comunidad de Madrid se rindió a las tropas del emperador. Entonces fue María la que asumió el mando militar absoluto.

 

El obispo Antonio Acuña

En diciembre de ese mismo año Juan de Padilla tomó el mando comunero y, con un nuevo ejército toledano, volvió a Valladolid  pero nuevamente, al poco tiempo, aparecieron desavenencias en el seno de la tropa.

 

Esta inesperada circunstancia quebrantó las fuerzas de los comuneros que, en abril de 1521, fueron derrotados en la batalla de Villalar, provincia de Valladolid.

 

Batalla de Villalar y monumento en recuerdo de los comuneros en la plaza del pueblo.

 

Al día siguiente, en la plaza del pueblo de Villalar, Juan de Padilla fue decapitado junto a otros dos cabecillas: Juan Bravo y Francisco Maldonado. Sus cuerpos fueron enterrados y sus cabezas, separadas del tronco, exhibidas en lanzas. Los tres pasaron a la historia como “Los Comuneros de Castilla”.

 

Padilla, Bravo y Maldonado en el pátibulo

 

Al conocer, en su residencia de Toledo, la noticia del ajusticiamiento de su esposo en Villalar, María Pacheco cayó enferma  y se vistió de luto riguroso, tapando su cabeza con una capucha.

 

María Pacheco de Padilla al recibir la noticia de la ejecución de su marido.

 

Retrato en azulejo portugués de María Pacheco.

 

Casi todas las ciudades de Castilla que se habían levantado contra Carlos capitularon, no obstante María de Pacheco remplazando a su difunto marido, se hizo fuerte defendiéndose en el Alcázar de Toledo.

 

Durante nueve meses, la viuda del comunero, recibió el ataque constante de los ejércitos de Carlos. En ese tiempo fueron muchos los desertores, pero María resistió, rechazando los pactos que le ofrecían sus familiares, alineados con el monarca.

 

Para poder pagar a las tropas María entró de rodillas en la catedral de Toledo, incautándose de toda la plata que allí se custodiaba.

 

Catedral de Toledo y Palacio Arzobispal.

 

De nada sirvió el esfuerzo, pues los continuos ataques del ejército imperialista terminaron por cercar Toledo. En octubre de 1521 se firmó un pacto en  beneficio de los capitulados, el “Armisticio de la Sisla”, por el  que los comuneros se comprometían a abandonaron el Alcázar, pero conservando el armamento y el control de la población.

 

Sin embargo, en febrero de 1522, en un nuevo alzamiento de la ciudad, María Pacheco y sus seguidores asaltaron el Alcázar libertando a los apresados.

 

La insurrección careció de éxito y a las pocas horas fue extinguida por las fuerzas de Carlos I, comandadas por el prior de San Juan.

 

Gracias a la complicidad de algunos familiares que la ayudaron, María logró escapar de Toledo ataviada de vagabunda, y después de varios avatares logró emigrar a Portugal.

 

Durante su exilio le llegó la dolorosa noticia del fallecimiento, en Alhama de Granada, de su hijo Pedro, el cual había quedado bajo la custodia del regidor de dicha localidad, Álvaro Maldonado.

 

María Pacheco fue excluida del indulto general y condenada a muerte por rebeldía al rey en 1524.

 

Juan III de Portugal hizo caso omiso de las peticiones de extradición que le llegaron desde España por parte del rey Carlos.

 

Juan III de Portugal

 

María obtuvo, en Portugal, el apoyo del arzobispo de Braga, Diego de Sosa, en cuya casa residió durante dos años. Finalmente fue acogida por el obispo de Oporto, Pedro de Acosta, en la parte alta de la ciudad.

 

La comunera no le perdonó al monarca español haber ordenado decapitar a su esposo y tampoco nunca le solicitó el indulto real ni la revocación de su pena de muerte. El rey le arrebató a María todos sus bienes, arrasando sus propiedades en Toledo y condenándola al perpetuo olvido.

 

María Pacheco, la que había capitaneado el movimiento comunero contra el imperialismo de la época, falleció a la temprana edad de 35 años, en su hogar prestado de Oporto, aquejada de unos fuertes dolores en el costado.

 

Sus restos mortales fueron enterrados en el altar de San Jerónimo de la catedral de Oporto y no se concedió trasladar sus restos junto a los de su esposo en Villalar.

 

Catedral de Oporto, donde fué enterrada María Pacheco.

 

Su tumba fue cambiada un par de veces por reformas. Alrededor de 1609 se amplió la cabecera y fue eliminada la zona. Nada más se sabe de sus restos.

 

Posteriormente a su muerte, sus hermanos y la casa Mendoza insistieron en sus demandas de perdón al monarca, así como la rehabilitación de su nombre y el traslado de sus restos mortales a España para descansar junto a los de su esposo. Nunca llegó la compasión ni el perdón por parte de la monarquía española.

 

El poeta Diego Hurtado de Mendoza, su hermano menor, escribió para María el epitafio de su tumba:

 

“Si preguntas mi nombre, fue María,                                     

si  mi tierra, Granada; mi apellido

de Pacheco y Mendoza, conocido

el uno y el otro más que claro día

si mi vida, seguir a mi marido;

mi muerte en la opinión que él sostenía

España te dirá mi cualidad

que nunca niega España la verdad.”

 

Diego Hurtado de Mendoza

 

El director de cine Juan de Orduña, rodó en 1951 la película “La Leona de Castilla” en la cual su actriz principal, Amparo Rivelles, realizó una brillante interpretación de la comunera de Toledo.

 

María Pacheco, una de tantas heroínas olvidadas. . . .

ALFRED HITCHCOCK

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ALFRED  HITCHCOCK

 

El mago del suspense. . .

 

 

Alfred Joseph Hitchcock nació en Leytonstone, municipio cercano a Londres, Inglaterra, el día 13 de agosto de 1899.

 

Leytonstone, Londres, (edificio en memoria de Hitchcock).

 

Fue el menor de los tres hijos de un matrimonio católico de clase media, formado por William Hitchcock y Emma Jane Whelan, propietarios de un pequeño colmado de ultramarinos.

 

El pequeño Hitchcock fue un niño tímido y apocado, gran amante del cine y  al que le gustaban las novelas de crímenes y misterio.

 

En 1910 inició su educación en el colegio jesuita de San Ignacio y más tarde, al terminar la escuela secundaria, se matriculó en la Escuela de Ingeniería y Navegación de Londres para estudiar mecánica, electricidad y acústica, aunque debido al prematuro fallecimiento de su padre en 1914, Alfred tuvo que abandonar la carrera y ponerse a trabajar para ayudar a su familia.

 

Su primera incursión en el mundo laboral fue en la empresa telegráfica Henley.

 

En 1920, Alfred fue contratado por la Famous Players Lasky, una sucursal londinense de la Paramount de Hollywood, como diseñador de rótulos y subtítulos de películas mudas.

 

Famous Players Lasky.

 

El joven Alfred se apasionó por el mundo cinematográfico y enseguida empezó a formarse en las técnicas de montaje, decoración, dirección artística, producción y guionista.

 

Su primera película, “El número 13”, la dirigió en 1922 pero no pudo finalizarla debido a que la Paramount, por problemas financieros, cerró sus estudios en Inglaterra.

 

Una secuencia de “El número 13” (1922)

 

En el filme “De mujer a mujer”, un melodrama dirigido por Graham Cutts en  1923, Alfred se estrenó como guionista, director artístico y asistente de dirección.

 

La inauguración de Hitchcock de forma oficial como director fue con “El jardín de la alegría”, de 1925, un melodrama germano-británico rodado en Munich y protagonizado por Virginia Valli.

 

” El jardín de la alegría “(1925)

 

Por aquel entonces Alfred conoció a Alma Reville, una talentosa guionista con gran experiencia cinematográfica que habría de convertirse, a lo largo de su carrera, en una de sus más importantes colaboradoras.

 

Alma Reville

 

Alma y Alfred se casaron el 2 de diciembre de 1926 y fruto de su matrimonio nació, en 1928, su única hija Patricia Hitchcock, que, con los años, habría de actuar en papeles secundarios en algunas de las películas más populares de su padre como “Psicosis”, “Pánico en la escena” o “Extraños en un tren”.

 

Boda de Alfred y Alma.

 

El matrimonio Hitchcock con su hija Patricia.

 

Fue en 1927 con “El enemigo de las rubias, cuando el director inglés empezó a mostrar su estilo inconfundible, manejando los tiempos de la intriga, el misterio y el suspense con gran maestría. En ese filme Alfred nos ofreció su primer cameo, con sus apariciones ó intervenciones fugaces en la pantalla, algo que repitió en 37 de sus 53 películas. 

 

“El enemigo de las rubias” (1927)

 

 

En 1929 Alfred rodó su primer filme sonoro titulado “La muchacha de Londres”, interpretado por la polaca Anny Ondra, basado en una obra teatral que se había representado en Londres con gran éxito.

 

“La muchacha de Londres” (1929)

 

Después de algunos títulos poco transcendentes en la década de los años 30 como “Juego sucio”, de 1931, o “Valses de Viena”, de 1933, su primer gran reconocimiento a nivel  internacional de crítica y público le llegó en 1934 con “El hombre que sabía demasiado”, interpretada por Peter Lorre, Leslie Banks y Edna Best.

 

“El hombre que sabía demasiado” (1934)

 

A éste éxito se añadieron:  “ 39 escalones”, de 1935, con Robert Donat y Madeleine Carroll; “Sabotaje”, de 1936, con Sylvia Sidney y Oscar Homolka; ”Inocencia y juventud”, de 1937, con Nova Pilbean y Derrick de Marney; o “Alarma en el Expreso”, de 1938, con Margaret Lockwood y Michael Redgrave.

 

“39 escalones” (1935)

 

“Sabotaje” (1936)

 

“Alarma en el expreso” (1938)

 

Durante esa misma época también rodó títulos que pasaron más desapercibidos para el gran público como “Agente secreto”, de 1936, con Peter Lorre, John Gielguld, Madleine Carroll y Robert Young;  o “La posada de Jamaica”, de 1939, con Charles Laughton y Maureen O’Hara.

 

“La posada de Jamaica” (1939)

 

Tras este último filme, en 1940,  Alfred, junto a su esposa y su hija, fijaron su residencia en Estados Unidos, donde fue contratado por el productor norteamericano David O. Selznick para dirigir en Hollywood  “Rebeca”, con Joan Fontaine y Laurence Olivier.

 

El productor David O. Selznick.

 

“Rebeca” (1940)

 

La película constituyó un gran éxito y obtuvo el Oscar. Recibió once nominaciones, entre ellas a la de mejor director, pero la preciada estatuilla fue para John Ford por “Las uvas de la ira”.

 

John Ford

 

Hay que señalar como dato anecdótico que, a raíz del éxito de la película “Rebeca”, el jersey de lana que la actriz Joan Fontaine lucía en casi toda la película se popularizó en España con el nombre de “rebeca”.

 

Poco tiempo después de llegar a Hollywood Alfred y su familia se trasladaron a vivir en el apartamento de Carole Lombard en Bel Air, Los Ángeles, Estados Unidos, dado que la actriz se había ido a vivir con su pareja, Clark Gable.

 

Clark Gable y Carole Lombard

 

Al fallecer al año siguiente Carole Lombard el matrimonio se mudó de casa, trasladándose a Bellagio Road, también en Bel Air.

 

Durante la década de los 40 Hitchcock dirigió: “Enviado especial” de 1940, “Sospecha” (con la que Joan Fontaine consiguió el Oscar a la mejor actriz) y “Matrimonio original” de 1941, “Sabotaje” de 1942, “La sombra de una duda” de 1943, Náufragos” de 1944,  “Recuerda” de 1945 (en la que Salvador Dalí colaboró en varios decorados), “Encadenados” de 1946, “El proceso Paradine” de 1947, “La soga” de 1948 (su primera película en color) y “Atormentada” de 1949.

 

Joan Fontaine recibiendo el Oscar por “Sospecha”.

 

Los decorados de “Recuerda” (1945) fueron obra del pintor catalán Salvador Dalí.

 

Cary Grant e Ingrid Bergman en “Encadenados” (1946)

 

Los años 50, sin duda, fueron los más esplendorosos para Hitchcock. En dicha etapa dirigió: “Pánico en la escena” de 1950, “Extraños en un tren” de 1951, “Yo confieso” de 1953, “Crimen perfecto” y “La ventana indiscreta” de 1954, “Atrapa a un ladrón” y “Pero, ¿quién mató a Harry? “ de 1955.

 

Jane Wyman y Marlene Dietrich en “Pánico en la escena” (1951)

 

Farley Granger y Robert Walker en “Extraños en un tren” (1951)

 

Montgomery Clift en “Yo confieso” (1953)

 

Grace Kelly y Ray Milland en “Crimen perfecto” (1954)

 

James Stewart y Grace Kelly en “La ventana indiscreta” (1954)

 

Grace Kelly y Cary Grant en” Atrapa a un ladrón” (1955)

 

Convertido en su propio productor y coincidiendo con la obtención, en 1955, de su nacionalidad estadounidense, Hitchcock y la productora de televisión CBS firmaron un contrato para realizar una serie semanal de suspense y terror, de media hora de duración, titulada “Alfred Hitchcock presenta. . .” de la que dirigió más de un centenar de episodios.

 

 

En 1956 filmó la segunda versión de su película “El hombre que sabía demasiado” (por este filme, Ray Evans y Jay Livingston consiguieron el Oscar a la mejor canción “Que será, será” interpretada por la actriz Doris Day). A estos títulos hay que añadir: “Falso culpable” de 1957, “Vértigo” de 1958 y “Con la muerte en los talones” de 1959.

 

Doris Day y James Stewart en “El hombre que sabía demasiado” (1956)

 

 

Kim Novak y James Stewart en “Vértigo” (1958)

 

Cary Grant en “Con la muerte en los talones” (1959)

 

En 1960 dirigió uno de los mayores éxitos cinematográficos de suspense: “Psicosis”, película interpretada por Anthony Perkins y Janet Leigh, y por la que recibió su última nominación al Oscar. El trofeo, finalmente, fue a parar a manos del director Billy Wilder por “El apartamento”.

 

 

Billy Wilder, dirigiendo a Shirley MacLaine y Jack Lemmon en “El apartamento” (1960)

 

Sus siguientes películas fueron: “Los pájaros”, de 1963, “Marnie, la ladrona” de 1964, “Cortina rasgada” de 1966 y “Topaz” de 1969.

 

 

Sean Connery y Tippi Hedren en “Marnie, la ladrona” (1964)

 

Paul Newman y Julie Andrews en “Cortina rasgada” (1966)

 

Ya en la última etapa de su vida Alfred rodó en los años 70 dos filmes: “Frenesí” de 1972 y “La trama” de 1976.

 

Alfred Hitchcock en los años 70.

 

Anna Massey y Barry Foster en “Frenesí” (1972)

 

Barbara Harris y Bruce Dern en “La trama” (1976)

 

Alguno de sus actores y actrices favoritos, a los que dirigió reiteradamente durante su carrera, fueron: Cary Grant, James Stewart, Ingrid Bergman, Grace Kelly y Tippi Heden (quien declaró haber sufrido acoso sexual, durante el rodaje de “Los pájaros”, por parte de Alfred).

 

Curiosamente y a pesar de haber estado nominado en cinco ocasiones como candidato al premio Oscar por “Rebeca”, “Náufragos”, ”Recuerda”, “La ventana indiscreta” y “Psicosis”, Alfred Hitchcock jamás consiguió el preciado galardón.

 

La Academia de Hollywood le concedió en 1968 el Irving Thalberg, un Oscar honorario, el único de su carrera. En 1978 el American Film Institute le otorgó el premio a la labor de una vida y en 1979 fue nombrado Caballero por la Reina de Inglaterra y Hombre del Año por la Cámara de Comercio británico-americana.

 

Hitchcock recibiendo el Irving Thalberg.

 

La estrella de Hitchcock en el Paseo de la Fama de Hollywood.

 

Aquejado, a sus 76 años, de artritis y problemas coronarios, ya que debido a un colapso llevaba un marcapasos, el 29 de abril de 1980 Alfred Hitchcock  falleció a la edad de 80 años en Bel Air.

 

La misa fúnebre se ofició en la Iglesia del Buen Pastor, ubicada cerca de la casa donde habitaba Alfred.

 

Iglesia del Buen Pastor.

Cumpliendo sus deseos el cadáver fue incinerado y sus cenizas esparcidas en el Océano Pacifico.

 

Sir Alfred Joseph Hitchcock fue un maestro en el empleo de la luz, el manejo de la cámara y el dominio de la imagen, pero además fue el gran creador del cine de intriga, misterio y suspense. . .

EL ÁRBOL DE NAVIDAD

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EL ÁRBOL DE NAVIDAD

 

¿Mito o realidad?. . .

 

 

Trataré de ceñirme a la historia más creíble de todo cuanto se ha especulado y escrito, en torno al árbol que por estas fechas navideñas adorna una buena parte de los hogares del mundo.

 

Según cuentan las leyendas más difundidas sobre esta curiosa tradición, en el siglo VIII, en la región de Hesse, Alemania, existía un legendario roble que las germánicas costumbres paganas habían consagrado a Thor, el dios del trueno.

 

Roble de Thor

 

Era práctica habitual que sus gentes, anualmente, durante la época del solsticio invernal, le ofrecieran al dios Thor el sacrificio de  una criatura en la base de “El Roble del Trueno”.

 

Thor, el dios del trueno.

 

La mitología de esta tradición podría haberse iniciado, aproximadamente, durante el periodo comprendido entre los años  680 y 754 d. de C.

 

Dicen los archivos que en el año 672 nació en Wessex, Inglaterra, un niño llamado Wynfrith, que años después se convertiría en San Bonifacio, Patrón de Alemania.

 

San Bonifacio, Apóstol de Alemania.

 

Wynfrith, se crió en el seno de una familia profundamente religiosa. A los siete años de edad consiguió que sus padres le dejaran ir a vivir con unos monjes, de quienes recibió una sólida formación cristiana.

 

A los 14 años se trasladó al monasterio benedictino de Nursinling, Winchester, e ingresó en la Orden obteniendo, algún tiempo después, la condecoración de Maestro en Teología.

 

No obstante, lo que más le atraía a Wynfrith era la obra de evangelización y predicar el mensaje de Cristo.

 

Por aquellos tiempos era normal que los sacerdotes abandonaran Inglaterra para  viajar como misioneros a lugares paganos, para tratar de convertir a sus gentes al cristianismo.

 

Así se lo hizo ver Wynfrith al Padre Abad del Monasterio, quien le concedió permiso para viajar a Roma y pedirle al Santo Padre ser misionero. El Papa San Gregorio II le concedió su petición e inicialmente como sacerdote y más tarde como obispo, fue enviado a evangelizar a los habitantes de los territorios germanos de la actual Alemania, cambiándole a Wynfrith su nombre de pila por el de Bonifacio, “aquel que hace el bien”.

 

Papa San Gregorio II

 

El misionero Bonifacio viajó por toda Alemania y merced a su gran labor evangelizadora llevó el cristianismo a muchas de sus regiones.

 

En el año 723, el Obispo inglés se trasladó a la Baja Sajonia, cerca de Geismar, donde un grupo de paganos iban a sacrificar a un niño en la base de un legendario roble, en honor del dios Thor.

 

Cuando el verdugo levantó el martillo de piedra para ejecutar al pequeño, Bonifacio alzó su báculo de Obispo y milagrosamente rompió el gran mazo, salvando la vida de la criatura.

 

El martillo de Thor.

 

El Santo, dirigiéndose a la sorprendida muchedumbre, que no daba crédito a lo sucedido, exclamó: “Ésta es la cruz de Cristo que ha roto el martillo de piedra de vuestro falso dios”.

 

Bonifacio alzando la cruz de Cristo.

 

Acto seguido empuñó un hacha, dispuesto a destruir el roble y demostrar al pueblo pagano que él no sería barrido por un rayo de Thor, pero de repente una gran ráfaga de viento sopló sobre el bosque derribando cuanto halló a su paso, incluído el roble sagrado al que partió en cuatro trozos.

 

Bonifacio disponiéndose a cortar el roble.

 

Tan sólo se salvó un pequeño abeto y Bonifacio, señalándolo con la mano, se encaminó hacia la multitud y les dijo: “Este pequeño hijo del bosque será, a partir de ahora, vuestro árbol santo; observad cómo, a pesar de la inclemencia del tiempo, se mantiene siempre verde y sus ramas miran erguidas hacia el cielo. Llamadle “el árbol del Niño Jesús” y reuníos en vuestras casas en torno a él para festejar el solsticio de invierno y la llegada de la Navidad.  Practicad la bondad y agasajaos entre vosotros pero no volváis jamás a celebrar ceremonias sanguinarias”.

 

Las gentes, convencidas de que el Dios de Bonifacio era más poderoso que Thor, aceptaron bautizarse y abrazar el cristianismo.

 

El Obispo bautizando a las gentes.

 

En el lugar donde se hallaba el destruido roble sagrado y con la madera del mismo, el Obispo hizo construir una ermita.

 

En el lugar donde se hallaba el roble sagrado se construyó una ermita.

 

Bonifacio recorrió ciudades y pueblos fundando iglesias y monasterios. Les habló de Jesucristo a labriegos y reyes pero, por el fanatismo de los enemigos de la religión cristiana, fue martirizado en Frisia, Países Bajos, el 5 de junio del año 755, junto a una cincuentena de compañeros.

 

Asesinato de Bonifacio por una turba pagana.

 

El entierro se celebró en la Catedral de Cristo Salvador, Fulda, Hesse, Alemania.

 

Así pues, la tradición del árbol de Navidad, tal como se la conoce en nuestros días, podría tener su origen en Alemania durante 1605,  práctica que más tarde se extendió a otros muchos países del mundo.

 

El primer árbol de Navidad

 

Se cree que la costumbre de adornar el tradicional abeto en España llegó en 1870 de la mano de Sofía Troubetzkoy, una princesa rusa considerada una de las damas más bellas de Europa, que tras enviudar del duque de Momy, hermano de Napoleón III, contrajo segundas nupcias con José Osorio y Silva, marqués de Alcañices.

 

Sofía Troubetzkoy y José Osorio, marqueses de Alcañices.

 

Sofia-Troubetzkoy y el árbol de Navidad.

 

El árbol se colocó  en el desaparecido palacio de Alcañices, ubicado en el madrileño paseo del Prado, esquina con la calle de Alcalá.

 

Palacio de Alcañices.

 

Desde hace un par de años el barrio de Armilla de Granada presume de tener el árbol de Navidad más grande de Europa, con 56 metros de altura.

 

El árbol de Navidad de Granada.

 

El récord Guinness, con 72,10 metros de altura lo ostenta, desde 2016, Sri Lanka, antigua Ceilán, India.

 

Sri-Lanka obtuvo el récord Guinness.

 

Al igual que sucede con el tradicional pesebre, el árbol de Navidad, adornado con bolitas de colores, lazos, luces y la estrella de Belén en la punta, es un elemento decorativo que sirve para aunar en estos días a las familias en torno a la mesa y para recordar a los seres queridos presentes y ausentes.

 

El árbol de Navidad en nuestro hogar.

 

Sin duda son los más pequeños de la casa los que, en la noche del día 24 de diciembre, aguardan con impaciencia e ilusión la llegada del mítico Papá Noel para que deposite los regalitos en la base del árbol de Navidad.

 

No obstante, como puede comprobarse en el siguiente Cuento de Navidad, el mundo de la fantasía y el consumismo también ha distorsionado para los niños el origen del árbol navideño.

 

 

En estas fiestas entrañables quiero enviar a mi querida familia, a mis amigos y ¿por qué no? también a mis detractores que espero no sean muchos, mis mejores deseos de paz, amor y felicidad, con la esperanza depositada en un mejor y próspero año 2019.

 

¡Feliz Navidad!

 

El árbol de Navidad, ¿cuánto tiene de

leyenda y cuánto de veracidad?. . .