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CAGA TIÓ

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CAGA TIÓ

 

De antemano pido excusas por si la expresión “caga” pudiera molestar a algún casto oído . . .

 

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Con la llegada del mes de diciembre poco a poco se va aproximando a todos los hogares la magia de la Navidad.

 

 

Por dicho motivo, hoy quisiera referirme a uno de los protagonistas navideños más querido por los pequeños de la casa, como es el simpático “caga tió”, personaje muy popular sobre todo en Catalunya.

 

 

La ancestral leyenda del “caga tió” proviene de la mitología catalana pues en sus orígenes paganos se vinculaba a las conmemoraciones del solsticio de invierno.

 

El término “tió” procede del latín titio: “tizón”, “tea” o “antorcha”.

 

Inicialmente se simbolizaba con un tronco que se quemaba el día de Navidad y cuyas cenizas se desparramaban en el campo como homenaje a los antepasados.

 

También representaba el tronco que ardía en los hogares para dar luz y calor durante el crudo invierno.

 

No obstante, con el paso del tiempo la figura del “caga tió” no tan solo ha evolucionado sino que se ha convertido en una de las tradiciones navideñas de nuestros días, para regocijo de los más pequeños que esperan con ilusión los regalitos que les defeca el simpático protagonista.

 

Para construir manualmente el gracioso “caga tió” al inicio del adviento y a partir del 8 de diciembre, festividad de la Inmaculada Concepción, tendremos que ir al monte y cortar un tronco de leño.

 

Al madero le colocaremos una nariz, le dibujaremos los ojos, las cejas, una boca sonriente y en la parte delantera, le asiremos dos ramas robustas a modo de patas.

 

 

A continuación le pondremos una “barretina” (gorro catalán), lo cubriremos con una manta para que no pase frío, por las bajas temperaturas de diciembre, y le dejaremos un poco de comida por las noches. 

 

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“Caga tió” construído por este narrador para su nieta Aina.

Al llegar la Nochebuena los niños de la casa, mientras cantan diferentes canciones, golpearán con bastones al buenazo “caga tió” para que defeque los regalos y golosinas que oculta bajo la manta.

 

 

Alguna de las canciones más populares que le cantan al “caga tió” dice así:

 

CATALÁN

“Caga tió” ametlles i torró,                                     

no caguis arangades que són salades,                  

caga torrons que són més bons.                            

“Caga tió” ametlles y torró,                                   

si no vols cagar et donaré un cop de bastó.       

“Caga tió”! . . . 

                                                                 

TRADUCCIÓN

“Caga tió” almendras y turrón,

no cagues arenques que son saladas,

caga turrones que son más buenos,

“Caga tió” almendras y turrón,

si no quieres cagar te daré un bastonazo.

¡”Caga tió”! . . .

 

De acuerdo con la primitiva tradición el inexorable final de nuestro simpático personaje es arder en el fuego o, en el mejor de los casos, permanecer a buen recaudo para volver  a ser protagonista en la próxima Navidad.

 

 

Como de costumbre en estas entrañables fechas deseo enviar mis mejores deseos de  paz, amor y felicidad a mi familia, a mis amigos y, ¿por qué no?, también a mis enemigos, así como  un recuerdo cariñoso para quienes ya no se encuentran entre nosotros.

 

 

¡Feliz Navidad y un maravilloso 2020!

“LAS TRECE ROSAS”

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“LAS TRECE  R0SAS”

 

Su fragancia permanecerá siempre en el recuerdo. . .

 

 

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Conviene aclarar que el autor de este breve relato, como de costumbre, no pretende crear polémica ni compartir en uno u otro sentido las diversas corrientes de opinión de los grupos políticos involucrados en unos hechos acaecidos hace más de ochenta años, pues tan solo se refiere a un episodio relativamente reciente de la historia de nuestro país.

 

 

Corría el verano de 1939 cuando, al finalizar el 1º de abril la Guerra Civil, la destruída ciudad de Madrid, que vivía entre ruinas y sumida en la pobreza, procedía a adecuarse al régimen dictatorial impuesto por el general Franco.

 

Franco presidiendo el desfile de la Victoria en Madrid.

 

Aquellos españoles que habían apoyado al bando perdedor de la II República, (elegido en las urnas democráticamente) permanecían reprimidos en silencio o bien decidieron tomar el camino del exilio.

 

Mujeres y niños huyendo de la guerra.

 

El dictador había anunciado continuamente en sus discursos que castigaría duramente a quienes de una u otra forma interfirieran en la consecución de la España “grande y libre” y, al igual como hicieron en su día Mussolini en Italia o Hitler en Alemania, Franco instauró un sistema represivo basado en la tortura y el miedo que duró cuarenta años, hasta su muerte.

 

Los dictadores Franco, Hitler y Mussolini

 

Tras la entrada en Madrid del ejército franquista, la asociación política JSU, Juventudes Socialistas Unificadas (fundada en 1936 de la fusión de Unión de Juventudes Comunistas y la Federación de Juventudes Socialistas, para luchar contra el levantamiento del 18 de julio en defensa de la II República española) trató de reorganizarse clandestinamente. La dirigía el secretario general del comité provincial, José Pena Brea, de 21 años de edad, puesto que los principales dirigentes del Partido Comunista PCE y de la JSU habían  abandonado el país dejando la organización a cargo de militantes desconocidos y poco representativos que pudieran pasar más desapercibidos.

 

Logotipo del PCE.

 

Logotipo de las JSU.

 

Uno de los principales objetivos del dictador era la desarticulación y aniquilación de los jóvenes miembros de ambos partidos pues, dada su juventud, amenazaban con plantear problemas al régimen franquista durante muchos años.

 

 

Debido a un chivatazo, José Pena fue apresado y forzado a declarar, mediante torturas, los nombres de las personas que conocía del JSU.

 

 

Un policía franquista camuflado en la JSU, de nombre Roberto Conesa Escudero, posteriormente ascendido a comisario de la Brigada-Político Social franquista, fue decisivo en la desarticulación de la estructura de la organización.

 

Roberto Conesa

 

Más tarde el comisario Conesa, al inicio de la democracia, ocupó un importante cargo en la policía.

 

A la captura de los militantes también contribuyó el hecho de que los ficheros con los nombres de los integrantes de la JSU y el PCE habían sido incautados por el ejército franquista al tomar Madrid.

 

Entre la lista de los detenidos se encontraban un determinado grupo de jóvenes mujeres, miembros de la JSU y el PCE, que más tarde serían conocidas como “Las Trece Rosas”.

 

 

A esas muchachas, al principio las trasladaron a diferentes comisarías policiales, donde recibieron todo tipo de torturas, y posteriormente fueron conducidas a la cárcel de mujeres de Ventas, mandada reformar en 1931 por la abogada Victoria Kent Siano, a la sazón Directora General de Prisiones, con capacidad para 400 personas y en la que se amontonaban cerca de 4000.

 

Cárcel de Ventas.

 

Victoria Kent

 

Cuando la noche del 29 de julio de 1939 el comandante de la Guardia Civil Eugenio Isaac Gabaldón Irurzún, miembro del Servicio de Información y Policía Militar, viajaba en un vehículo oficial junto a su hija Mª del Pilar, de 17 años, y el chofer José Luis Díez Madrigal de 23 años, por la carretera de Extremadura, a la altura de Talavera de la Reina, sufrió un atentado en el que los tres ocupantes perdieron la vida.

 

Eugenio Isaac Gabaldón Irurzún

 

Mª deñ Pilar Gabaldón

 

El conductor José Luis Diez junto al coche oficial.

 

El comandante Gabaldón era el encargado del “Archivo de la Masonería y el Comunismo” y ejercía un papel fundamental en el aparato represivo del régimen. Además, había sido miembro de la denominada “Quinta Columna” de Madrid.

 

Cartel publicitario.

 

El atentado se interpretó en la capital como una provocación de los grupos republicanos, que ya se había producido en anteriores ocasiones en las inmediaciones de la capital. No obstante, en esta ocasión el régimen franquista decidió castigar a los culpables de manera ejemplar, atribuyendo los asesinatos a una supuesta red comunista y a miembros de las JSU, entre ellos las trece jóvenes.

 

Sin embargo, la mayoría habían sido detenidos anteriormente al atentado del automóvil en el que perdió la vida Gabaldón.

 

El 3 de agosto se celebró en el tribunal de las Salesas de Madrid un Consejo de Guerra Sumarísimo en el que fueron juzgados y condenados a muerte 56 miembros, incluidas  13 mujeres, por su pertenencia a la JSU o al PCE.

 

Tribunal de las Salesas.

 

Éste fue el texto de la sentencia: “Reunido el Consejo de Guerra Permanente número 9, para ver y fallar la causa 30.426, por el proceso sumarísimo de urgencia que se ha seguido contra los procesados responsables de un delito de adhesión a la rebelión, fallamos que debemos condenar a cada uno de los acusados a la pena de muerte”.

 

Apenas 24 horas más tarde, el 5 de agosto de 1939, cuatro meses después de la finalización de la Guerra Civil, 57 personas fueron fusiladas, entre ellas 13 jóvenes mujeres.

 

Las 13 muchachas fueron trasladadas en un viejo y destartalado camión a 500 metros de la prisión y ejecutadas por un pelotón de fusilamiento frente a las tapias del antiguo cementerio del Este de Madrid, actualmente cementerio de Nuestra Señora de la Almudena.

 

El paredón de la muerte.

 

Cementerio de Nuestra Señora de la Almudena.

 

Nueve de las trece mujeres ajusticiadas eran menores ya que la mayoría de edad, en aquel tiempo, estaba fijada en los 21 años. Por su juventud, a estas muchachas se las empezó a conocer como “Las Trece Rosas”.

 

Los fusilamientos se llevaron a cabo bajo las órdenes del primer gobernador militar y General de Brigada del Cuerpo de Ejército franquista, Eugenio Espinosa de los Monteros Bermejillo.

 

Eugenio Espinosa de los Monteros

 

Las trece mujeres, de menor a mayor edad, se llamaban:

Victoria Muñoz García, de 18 años, activista. Se afilió con 15 años a las JSU. Pertenecía al grupo de Chamartín. Era la hermana de Gregorio Muñoz, responsable militar del grupo del sector de Chamartín de la Rosa. Llegó a Ventas el 6 de junio de 1939.

 

Victoria Muñoz García

 

Luisa Rodríguez de la Fuente, de 18 años, sastre. Entró en las JSU en 1937, sin ocupar ningún cargo. Le propusieron crear un grupo, pero no había convencido aún a nadie, más que a su primo, cuando la detuvieron. Reconoció su militancia durante la guerra, pero no la actual. En abril, la trasladaron a la cárcel de Ventas, siendo la primera de las Trece Rosas en entrar en la prisión.

 

Luisa Rodríguez de la Fuente

 

Virtudes González García, de 18 años, modista.  En 1936 se afilió a las JSU, donde conoció a Vicente Ollero, que terminó siendo su novio. Fue detenida el 16 de mayo de 1939, denunciada por un compañero suyo bajo tortura.

 

Virtudes González García

 

Julia Conesa Conesa, de 19 años, modista. Nació en Oviedo. Vivía en Madrid con su madre y sus dos hermanas. Se afilió a las JSU por las instalaciones deportivas que presentaban a finales de 1937, donde se ocupó de la monitorización de éstas. Pronto se empleó como cobradora de tranvías, ya que su familia necesitaba dinero, y dejó el contacto con las JSU. Fue detenida en mayo de 1939, siendo denunciada por un compañero de su novio. La detuvieron cosiendo en su casa. Al alba del 5 de agosto de 1939, poco antes de ser fusilada, le escribió esta carta a su madre:

“Madre, hermanos, con todo el cariño y entusiasmo os pido que no me lloréis nadie. Salgo sin llorar. Me matan inocente, pero muero como debe morir una inocente. Madre, madrecita, me voy a reunir con mi hermana y papá al otro mundo, pero ten presente que muero por persona honrada. Adiós, madre querida, adiós para siempre. Tu hija, que ya jamás te podrá besar ni abrazar”.

“¡Que mi nombre no se borre de la historia!”.

 

Julia Conesa Conesa

 

Adelina García Casillas, de 19 años, activista. Militante de las JSU. Hija de un guardia civil. Le mandaron una carta a su casa afirmando que solo querían hacerle un interrogatorio ordinario. Se presentó de manera voluntaria, pero no regresó a su casa. Ingresó en prisión el 18 de mayo de 1939.

 

Adelina García Casillas (sin identificar).

 

Dionisia Manzanero Salas, de 20 años, modista. Se afilió al Partido Comunista en abril de 1938, después de que un obús matara a su hermana y a unos chicos que jugaban en un descampado. Al acabar la guerra fue el enlace entre los dirigentes comunistas en Madrid. Fue detenida el 16 de mayo de 1939.

 

Dionisia Manzanero Salas

 

Elena Gil Olaya, de 20 años, activista.  Ingresó en las JSU en 1937. Al acabar la guerra comenzó a trabajar en el grupo de Chamartín.

 

Elena Gil Olaya (sin identificar).

 

Carmen Barrero Aguado, de 20 años, modista. Trabajaba desde los 12 años, tras la muerte de su padre, para ayudar a mantener a su familia, que contaba con 8 hermanos más, 4 menores que ella. Militante del PCE, tras la guerra, fue la responsable femenina del partido en Madrid. Fue detenida el 16 de mayo de 1939.

 

Carmen Barrero Aguado

 

Ana López Gallego, de 21 años, modista. Nació en La Carolina, Jaén. Militante de las JSU. Fue secretaria de Radio Chamartín durante la Guerra. Su novio, que también era comunista, le propuso irse a Francia, pero ella decidió quedarse con sus tres hermanos menores en Madrid. Fue detenida el 16 de mayo, pero no fue llevada a la cárcel de Ventas hasta el 6 de junio. Se cuenta que no murió en la primera descarga y que preguntó: “¿Es que a mí no me matan?”.

 

Ana López Gallego

 

Joaquina López Laffite, de 23 años, secretaria. En septiembre de 1936 se afilió a las JSU. Se le encomendó la secretaría femenina del Comité Provincial clandestino. Fue denunciada por Severino Rodríguez (número dos en las JSU). La detuvieron el 18 de abril de 1939 en su casa, junto a sus hermanos. La llevaron a un chalet. La acusaron de ser comunista, pero ignoraban el cargo que ostentaba. Joaquina reconoció su militancia durante la guerra, pero no la actual. No fue conducida a la cárcel de Ventas hasta el 3 de junio, a pesar de ser de las primeras detenidas.

 

Joaquina López Laffite

 

Martina Barroso García, de 24 años, modista. Al acabar la guerra empezó a participar en la organización de las JSU de Chamartín. Iba al abandonado frente de la Ciudad Universitaria a buscar armas y municiones (lo cual estaba prohibido).

 

Martina Barroso García

 

Dejó unas pequeñas zapatillas para su sobrina junto con esta carta de despedida escrita desde la prisión:

Las he bordado con el hilo que he podido arañar del taller de labor. Son unas zapatillas de esparto con una mariposa bordada. Dáselas a mi sobrina Lolita, que dentro de unos pocos días cumplirá dos años. Son para ella y para la hija que tendrá. Para que caminen por el dilatado mundo que no conoceré. Que vivan la vida que no podré vivir. Estas zapatillas significan “no me olvidéis”. 

 

Zapatillas bordadas en la cárcel para su sobrina.

 

Pilar Bueno Ibáñez, de 27 años, modista. Al iniciarse la guerra se afilió al PCE y trabajó como voluntaria en las Casas-cuna (donde se recogía a huérfanos y a hijos de milicianos que iban al frente). Fue nombrada secretaria de organización del Radio Norte. Al acabar la guerra se encargó de la reorganización del PCE en ocho sectores de Madrid. Fue detenida el 16 de mayo de 1939.

 

Pilar Bueno Ibáñez

 

Blanca Brisac Vázquez, de 29 años, pianista. La mayor de las trece y la única casada. Tenía un hijo. No tenía ninguna militancia política. Era católica y votante de derechas. Fue detenida por relacionarse con un músico perteneciente al Partido Comunista. Escribió una carta a su hijo de once años la madrugada del 5 de agosto de 1939, que le fue entregada por su familia (todos de derechas) dieciséis años después. La carta decía así:

“Querido, muy querido hijo de mi alma,

En estos últimos momentos tu madre piensa en ti. Sólo pienso en mi niñito de mi corazón que es un hombre, un hombrecito, y sabrá ser todo lo digno que fueron sus padres. Perdóname, hijo mío, si alguna vez he obrado mal contigo. Olvídalo hijo, no me recuerdes así, y ya sabes que bien pesarosa estoy.

Voy a morir con la cabeza alta. Sólo por ser buena: tú mejor que nadie lo sabes, Quique mío.

Sólo te pido que seas muy bueno, muy bueno siempre. Que quieras a todos y no guardes nunca rencor a los que dieron muerte a tus padres, eso nunca. Las personas buenas no guardan rencor y tú tienes que ser un hombre bueno, trabajador. Sigue el ejemplo de tu papachín. ¿Verdad, hijo, que en mi última hora me lo prometes? Quédate con mi admirada Cuca y sé siempre para ella y mis hermanas un hijo. El día de mañana, vela por ellas cuando sean viejitas. Hazte el deber de velar por ellas cuando seas un hombre. No te digo más. Tu padre y yo vamos a la muerte orgullosos. No sé si tu padre habrá confesado y comulgado, pues no lo veré hasta mi presencia ante el piquete. Yo sí lo he hecho.

Enrique, que no se te borre nunca el recuerdo de tus padres. Que te hagan hacer la comunión, pero bien preparado, tan bien cimentada la religión como me la enseñaron a mí.  Te seguiría escribiendo hasta el mismo momento, pero tengo que despedirme de todos. Hijo, hijo, hasta la eternidad. Recibe después de una infinidad de besos el beso eterno de tu madre.”

 

Blanca Brisac Vázquez

 

Cuando en la prensa internacional se conoció que entre las personas ejecutadas por la represión del dictador Franco se encontraban 13 mujeres jóvenes, la Premio Nobel de Química Iréne Joliot Curie, hija de la científica Madame Marie Curie, organizó una cruzada en París por “Las Trece Rosas” que conmocionó al país vecino, pero que ni aún así las críticas procedentes del exterior frenaron la actitud opresiva franquista.

 

Irène Joliot Curie junto a su madre Marie Curie.

 

Fueron un símbolo de la lucha por la libertad y su fusilamiento constituyó uno de los episodios más crueles de la represión franquista.

 

Como tributo del pueblo de Madrid, en la tapia del cementerio de Nuestra Señora de la Almudena existe una placa restaurada e instalada en 1988, a la que se añadió otra en 2009, donde aparecen inscritos los nombres de “Las Trece Rosas”.

 

 

El libro de Jesús Ferrero de 2003 “Las Trece Rosas” dio lugar, tres años después, al documental “Que mi nombre no se borre de la historia”, dirigido por José Mª Almela y Verónica Vigil.

 

Jesús Ferrero

 

Cubierta del libro.

 

Cartel publicitario del documental.

 

José Mª Almela y Verónica Vigil

 

En verano del 2005, el grupo de rock zaragozano “Vinos Chueca” publicó la canción “Trece Rosas” dentro del disco “Gente que no sabe nada de la vida”.

 

 

En Getafe, Madrid, se inauguró en mayo de 2006 la “Fuente de las Trece Rosas”. Se compone de trece chorros de agua en los que se encuentra encajado el nombre de las trece jóvenes y una rosa incrustada en cada uno de ellos.

 

Fuente de Las Trece Rosas en Getafe, Madrid.

 

En buena parte del país existen plazas, jardines, monumentos y placas que nos recuerdan la dictadura y el régimen represivo del que injustamente fueron víctimas estas trece muchachas.

 

En 2007 el periodista Carlos López Fonseca presentó el libro “Trece rosas rojas”, en el que se relatan los sucesos relativos al intento de reorganización de las PSU, así como al encarcelamiento y ejecución de las jóvenes mujeres.

 

Carlos López Fonseca

 

Cubierta del libro.

 

En ese mismo año el director Emilio Martínez-Lázaro llevó a las pantallas “Las 13 Rosas”, con la actriz Pilar López de Ayala como una de sus principales protagonistas.

 

Cartel publicitario de la película.

 

Martínez-Lázaro, en el centro, con parte del equipo de rodaje.

 

 

El grupo de rock pamplonés “Barricada”, el 3 de noviembre de 2009 lanzó el disco “La tierra está sorda”, que incluía el tema “Pétalos” dedicado a las muchachas ajusticiadas.

 

 

Recientemente, en 2018, la banda de rock cordobés “Medina Azahara” recordó a las jóvenes víctimas del franquismo con su canción “Las Treces Rosas”.

 

 

Sirva este corto relato como un pequeño homenaje hacia esas jóvenes mujeres a las que la historia siempre recordará como unas heroínas. 

 

 

 

 

 

MARILYN MONROE

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MARILYN MONROE

La rubia platino más sexy del pasado siglo . . .

 

Norma Jean Baker nació en Los Ángeles, California, el 1 de junio de 1926.

 

La bebé Norma.

Su madre fue Gladys Pearl Monroe Baker, una cortadora de negativos en la productora RKO Pictures que a menudo padecía trastornos mentales.

 

Gladys Pearl Monroe Baker, madre de Norma Jean.

Gladys se había casado con el noruego Martin Edward Mortenson, del que se divorció embarazada de Norma.

 

Martin Edward Mortenson

Para que la pequeña no fuera considerada ilegítima, su madre la inscribió en el Registro Civil como Norma Jean Mortenson, aunque en la práctica figuró siempre como Norma Jean Baker, con el apellido de la madre.

 

Certificado de nacimiento de Norma.

 

Gladys nunca le desveló a Norma la identidad de su padre.

 

Para poder dedicarse a su trabajo y debido a los problemas económicos y emocionales que padecía, Gladys, tuvo que confiar su hija a un matrimonio adoptivo: Albert e Ida Bolender, con los que convivió por espacio de siete años.

 

Norma con un año.

 

El matrimonio Albert e Ida Bolender.

En 1933 Gladys pudo comprar una casa propia y se llevó a Norma a vivir con ella, pero al cabo de un año, en 1934, volvió a sufrir una de sus habituales crisis y tuvo que ser internada en una residencia de Santa Mónica al oeste de Los Ángeles.

 

En 1935 a Gladys le diagnosticaron esquizofrenia paranoide y tuvo que ser trasladada al Metropolitan State Hospital de Norwalk, el mismo centro donde había ingresado y fallecido su madre, Della Mae Hogan Monroe, abuela de Norma.

 

Della Mae Hogan Monroe, abuela de Norma.

En septiembre de ese mismo año Norma ingresó en el orfanato Los Ángeles Orphans Home Society.

 

Orfanato Los Ángeles Orphans Home Society.

Poco tiempo después Grace McKee, una amiga de su madre, reclamó la custodia de Norma y fue quien le despertó e inculcó a la niña su interés por el cine.

 

Grace McKee

Para contraer matrimonio con Ervin Silliman, Grace se trasladó a la costa oeste por lo que, otra vez, Norma fue entregada en adopción a diferentes familias hasta que dos años más tarde, Grace McKee consiguió de nuevo la custodia de Norma, pero sólo por unos meses, ya que la niña acusó a Ervin de haberla violado en diferentes ocasiones.

 

Grace McKee y Ervin Silliman.

El cuidado de la jovencita lo obtuvo entonces Olive Brunings, un tío de una amiga de su madre. Nuevamente, a los 12 años, Norma fue violada, esta vez por un hijo de Olive.

 

Posteriormente se fue a vivir con Ana Lower, una tía de Grace McKee, pero pasado un tiempo la señora Lower, por problemas de salud, no pudo hacerse cargo de ella.

 

Norma y Ana Lower

Convertida ya en una señorita, Norma decidió volver a casa de Grace McKee, aunque fue por pocos días, pues el matrimonio, por motivos profesionales, tuvo que mudar su residencia con lo cual el próximo destino de la joven tendría que volver a ser el orfanato.

 

Como sea que toda su infancia y parte de su juventud la pasó acogida en diferentes hogares o en el orfanato, Norma tomó una decisión que habría de cambiarle la vida: casarse con James Dougherty, un policía de veintiún años, hijo de una vecina.

 

Y así fue cómo, el 19 de  junio de 1942, Norma con dieciséis años, contrajo matrimonio por primera vez para convertirse en Norma Jean Dougherty y dedicarse a ejercer como esposa y ama de casa.

 

Norma vestida de novia.

 

Su boda con James Dougherty.

Cuando en 1939 estalló la Segunda Guerra Mundial y Estados Unidos estaba inmerso en pleno conflicto, James se alistó en la Marina en 1943. Fue enviado en calidad de instructor a la Isla Santa Catalina, en el suroeste de  Los Ángeles, para posteriormente ser destinado a Australia.

 

Con su marido uniformado.

Para no quedarse sola, Norma se fue vivir con su suegra y ambas se emplearon en la fábrica de aviones Radioplane Company de Burbank, Los Ángeles.

 

Norma con su suegra.

Con el objeto de mostrar al país el trabajo de las mujeres durante la guerra, el fotógrafo David Conover retrató a Norma mientras realizaba su cometido en Radioplane Company.

 

El fotógrafo David Conover.

Las fotos fueron publicadas en el semanario Yank del ejército de los Estados Unidos y sirvieron para que, poco tiempo después, Norma se convirtiera en modelo, siendo su imagen portada en un gran número de revistas.

 

Foto de Norma publicada en el semanario Yank.

Algunas de las fotos llegaron a la mesa de Emmeline Snively, directora de Blue Book Modeling Agency, la más importante agencia de modelos de Hollywood, quien le sugirió a Norma alisarse el cabello y teñirlo en color rubio platino.

 

Norma con Emmeline Snively.

Durante esa época Norma participó en numerosas campañas publicitarias, sobre todo para marcas de trajes de baño.

 

Norma posando en traje de baño.

A pesar de que la nueva profesión de su esposa no era del agrado de James, Norma tomó la decisión de proseguir con la actividad que había elegido.

 

Emmeline Snively  le presentó Norma a Harry Lipton, de la National Concert Artist Corporation, quien se convirtió en su agente.

 

Harry Lipton

Desde los estudios de la 20th Century Fox, Norma recibió, en julio de 1946, una llamada para entrevistarse con Ben Lyon, antiguo actor convertido en productor, quien le realizó unas pruebas con resultados muy positivos.

 

Ben Lyon

Ben Lyon vio en ella una futura Jean Harlow, por lo que el mismo mes le firmó su primer contrato con la 20th CenturyFox y  la animó a cambiar su nombre artístico.

 

Jean Harlow

El nombre de Marilyn se lo propuso Ben Lyon, en recuerdo de la actriz Marilyn Miller, fallecida en 1936, y Monroe por el apellido de soltera de su madre.

 

Marilyn Miller

A partir de entonces Norma fue conocida para siempre como Marilyn Monroe.

 

Norma convertida en Marilyn.

En septiembre viajó a Las Vegas, Nevada, para divorciarse de  James Dougherty.

 

En el verano de 1947, Marilyn empezó su andadura cinematográfica apareciendo en pequeños papeles sin acreditar en “La impactante señorita peregrina”, “Años peligrosos” y “Scudda Hoo! Scudda Hay!”.

 

Breve aparición en “La impactante señorita peregrina”.

 

En un corto papel como camarera, en “Años peligrosos”.

 

Una súbita aparición en “Scudda Hoo-Scudda Hay”.

La escasa aceptación de las películas obligó a la 20th Century Fox a cancelarle el contrato.

 

En febrero de 1948 fue coronada “Miss California Reina de la Alcachofa de Castroville”, condado de Monterrey, y al mes siguiente firmó un acuerdo semestral con Columbia Pictures para interpretar el musical “Las chicas del coro”. Para esta actuación recibió lecciones  musicales  del director de la Columbia, Frederick Maxwell “Fred” Karger, con el que, al parecer, mantuvo relaciones íntimas. Debido al escaso éxito de la película le rescindieron el contrato.

 

Marylin, “Reina de la Alcachofa” de Castroville.

 

Marilyn en el centro en “Las chicas del coro”.

 

Frederick Maxwell Karger

En febrero de 1949, junto al penúltimo filme de los hermanos Marx, participó con un pequeño papel en la película “Amor en conserva”.

 

Con Groucho Marx en “Amor en conserva”.

A continuación, en el mes de mayo, posó desnuda para el  famoso fotógrafo de celebridades de Hollywood Tom Kelley, cuyas fotos se distribuyeron ampliamente en un calendario sin mencionar el nombre de Marilyn.

 

El fotógrafoTom Kelley.

 

Desnudos de Marylin.

Ese calendario se transformó en el más famoso de todos los tiempos y dichas fotos aparecieron cuatro años después en la portada y póster central del primer ejemplar de la revista Playboy.

 

 

En el mismo año de 1949, y poco antes de iniciar el rodaje de “Billete a Tomahawk”, Marilyn conoció a Johnny Hyde, de la agencia William Morris, descubridor de estrellas del celuloide como Lana Turner o Rita Hayworth, quien se convirtió en su agente y amante.

 

En “Billete a Tomahawk”.

 

Marilyn con Johnny Hyde.

 

Lana Turner

 

Rita Hayworth

Hyde, 31 años mayor que Marilyn, logró que ésta se sometiera a una sencilla cirugía plástica para reducir un pequeño bulto en la nariz y rectificar su barbilla, que le redondeaba la cara.

 

Utilizó su influencia para conseguirle unos papeles en “Right Cross” y “La jungla de asfalto”. Dichas actuaciones le permitieron a Hyde negociar un contrato para Marilyn con la 20th Century Fox.

 

Con Dick Powell en “Right Cross”.

 

Con Louis Calhern en “La jungla de asfalto”.

Pocos días después de conseguirle el contrato, Hyde falleció de un ataque al corazón a la edad de 55 años.

 

A principios de 1950 rodó “Ruedas de fuego” y “Eva al desnudo”, recibiendo por su trabajo excelentes críticas.

 

Junto a Mickey Rooney en “Ruedas de Fuego”.

 

Con Bette Davis y George Sanders en “Eva al desnudo”.

Estas últimas apariciones en la gran pantalla sirvieron para que el público fuera conociendo a una actriz que transmitía una gran ingenuidad junto a una gran carga de sensualidad.

 

Durante ese tiempo tuvo pequeñas intervenciones en algunas películas.

 

A las órdenes del director Fritz Lang, en 1952, hizo un pequeño papel en “Encuentro en la noche”.

 

Con  Fritz Lang en el rodaje de “Encuentro en la noche”.

En el mes de abril fue portada de la prestigiosa revista Life.

 

Portada de la revista Life de 1952.

Poco después actuó en “No estamos casados”, “Almas desesperadas”, y  “Me siento rejuvenecer”, sin duda unas de las mejores interpretaciones de su carrera.

 

En una escena de “No estamos casados”.

 

Con Richard Widmark en “Almas desesperadas”.

 

Junto a Cary Grant en “Me siento rejuvenecer”.

Antes de finalizar ese año, Marilyn conoció a Joe DiMaggio, un famoso jugador de béisbol del equipo de los Yankees, con quien inició una relación amorosa que ocupó los titulares de periódicos y revistas de todo el mundo, por la gran popularidad de ambos personajes.

 

Joe DiMaggio

Un año después Marilyn asombró al mundo del cine con su papel protagonista en la película “Niágara” donde exhibía su erotismo y explosiva belleza que habrían de convertirla en un sex-symbol.

 

En “Niagara”.

Como dato curioso, cabe destacar que las famosas pinturas de Andy Warhol sobre Marilyn tuvieron como modelo su imagen promocional del filme.

 

Andy Warhol

 

Pinturas de Andy Warhol.

En el mes de diciembre la revista Playboy publicó en su primer número las fotos con los desnudos que cuatro años antes había realizado Marilyn para el fotógrafo Tom Kelley.

 

Portada del número inaugural de la revista Playboy.

 

Página central de la revista con el desnudo de Marilyn.

Hugh Hefner, propietario de la publicación, al observar la progresión de Marilyn, con gran visión comercial se hizo con los derechos de las fotografías para beneficiarse del éxito de la actriz, ya convertida en estrella.

 

Hugh Hefner, propietario de Playboy.

En febrero de 1953 la revista Photoplay le concedió el premio a la actriz más popular del año.

 

Con el premio otorgado por la revista Photoplay.

Ese mismo año protagonizó “Los caballeros las prefieren rubias”, donde demostró unas grandes dotes como cantante y bailarina, y “Como casarse con un millonario”. Ambas películas fueron un éxito de recaudación y recibieron grandes elogios hacia Marilyn por parte del público y la prensa.

 

Con Jane Russell en “Los caballeros las prefieren rubias”.

 

Con Betty Grable y Lauren Bacall en “Como casarse con un millonario”.

Cansada de interpretar papeles de rubia ingenua, de no poder elegir compañeros de reparto y de contar con unos emolumentos inferiores a los de otros compañeros, Marilyn se negó a formar parte del elenco de la película “Chica en medias rosas” junto a Frank Sinatra, por cuyo motivo, el 4 de enero de 1954, el estudio le suspendió temporalmente su contrato.

 

Con Frank Sinatra antes de rechazar el rodaje de “Chica en medias rosas”.

Diez días después se casó con Joe DiMaggio, 12 años mayor que ella, en San Francisco, California, trasladándose a Canadá para el rodaje de “Río sin retorno”.

 

Su boda con Joe DiMaggio y el anillo de bodas que éste le regaló.

 

Junto a Robert Mitchum en “Río sin retorno”.

Posteriormente viajaron de luna de miel a Japón, donde DiMaggio había sido invitado a participar en la apertura de la temporada de béisbol.

 

Marilyn y Joe a su llegada a Japón.

Marilyn aprovechó esta circunstancia para acudir a Corea del sur, durante cuatro días, para animar con su presencia y sus canciones a los soldados estadounidenses allí desplazados.

 

Marilyn actuando para los soldados en Corea del sur.

 

A su regreso a Hollywood en el mes de marzo de nuevo fue galardonada con el premio que otorga la revista Photoplay  a la estrella más popular del año.

 

Portada de la revista Photoplay.

 

A continuación  trabajó en “Luces de candilejas”, una película que no era de su agrado pero que aceptó interpretar como compensación a haberse negado a actuar en “Chica en medias rosas”.

 

Con Donald O’Connor en “Luces de candilejas”.

Más tarde protagonizó “La tentación vive arriba”, una versión cinematográfica de la obra teatral. La escena de la actriz sujetando su blanca falda plisada que se levanta y agita cuando pasa sobre la rejilla de un respiradero del metro de Nueva York, hizo todavía más sexy y famosa a Marilyn.

 

En “La tentación vive arriba”.

Con un público ansioso por presenciarla, la toma se repitió varias veces en plena calle y se utilizó para la campaña promocional de la película.

 

Por su interpretación, fue nominada al premio BAFTA como mejor actriz extranjera.

 

Premio BAFTA.

Joe, su esposo, era un hombre celoso e incapaz de sobrellevar las continuas coqueterías de Marilyn. Su convivencia no funcionaba bien y las discusiones eran constantes, sobre todo por parte de DiMaggio, que torturaba a Marilyn mentalmente para que ella le pidiera la separación, ya que no podía soportar la tensión de verla permanentemente provocando con sus coqueteos el deseo de los hombres.

 

Después de nueve meses de matrimonio, finalmente la pareja se divorció el 27 de octubre de ese mismo año.

 

Joe y Marilyn poco antes de su divorcio.

Marilyn coincidió con el fotógrafo Milton H. Green, quien le había efectuado sus mejores fotos. Entablaron una buena amistad y la actriz le explicó la frustración que tenía con la 20th Century Fox en cuanto a su contrato y a su escaso lucimiento como intérprete.

 

Con el fotógrafo Milton H. Green.

Green la convenció para crear su propia productora y así fue como en 1955 se formó la Marilyn Monroe productions, Inc.

 

Su gran complejo intelectual, al haber padecido una niñez complicada, llevó a  Marilyn a matricularse, en 1955, en el prestigioso Actor’s Studio de Nueva York dirigido por Lee Strasberg, donde cursó técnicas de interpretación y arte dramático.

 

En el Actors Studio.

Strasberg la acogió bajo su tutela, al detectar en ella un excelente potencial y una gran carga psicológica motivada por la desilusión de haber sido siempre encasillada, por su belleza y curvilíneo cuerpo, en un mismo personaje de rubia bonita y tonta. Se convirtió en su maestro, la trató como a una hija y la ayudó a superar su inseguridad y sus confusiones.

 

Lee Strasberg

En 1956 rodó “Bus Stop”, filme por el que recibió excelentes críticas y una nominación a los Globos de Oro en la categoría de comedia o musical.

 

Marilyn en “Bus Stop”.

 

El 29 de junio contrajo matrimonio con Arthur Asher Miller, hijo de inmigrantes judíos polacos, once años mayor que ella y con el que al parecer ya había mantenido relaciones secretas mientras estuvo casada con DiMaggio.

 

Arthur Asher Miller

Arthur era un famoso dramaturgo, ensayista y autor, ganador de un premio Pulitzer de Teatro en 1949 por la obra “La muerte de un viajante”, divorciado y con dos hijos, al que Marilyn había conocido años atrás durante el rodaje de “Nunca es tarde”.

 

Premio Pulitzer de Teatro.

 

Cartel publicitario de “Nunca es tarde”.

 

Se casaron en casa del agente de Miller en una doble ceremonia civil y religiosa, por el rito judío, por lo que Marilyn tuvo que convertirse a dicha religión. La prensa accedió al lugar del evento y en una de las persecuciones para conseguir fotos del enlace, de forma accidental, perdió la vida una periodista.

 

Su boda con Arthur Miller.

La boda coincidió con el estreno en el Coronet Theatre de Broadway de la obra de  Miller “Panorama desde el puente”, por la que su autor consiguió su segundo premio Pulitzer.

 

Cartel publicitario de “Panorama desde el puente”.

La popularidad de Arthur, el serio intelectual que se había convertido en el marido de la mujer más deseada del siglo, creció de forma inesperada.

 

Marilyn y Arthur.

El matrimonio viajó a Londres, donde Marilyn rodó en 1957 “El príncipe y la corista”, el único largometraje realizado con su propia productora, donde se permitió el lujo de trabajar junto al actor inglés Laurence Olivier, quien además dirigió el filme.

 

Una escena de “El príncipe y la corista”.

Marilyn recibió por su interpretación el premio David di Donatello a la mejor actriz extranjera en Italia y estuvo nominada al premio BAFTA.

 

Recibiendo el premio David di Donatello.

 

Durante el rodaje la actriz, que estaba embarazada, sufrió un aborto y, debido a los trastornos anímicos y emocionales que ya venía sufriendo desde años atrás, se volvió adicta al alcohol y a los narcóticos.

 

En 1959 la Monroe participó en “Con faldas y a lo loco” junto a Tony Curtis y Jack Lemmon.

 

Además de sufrir un aborto (supuestamente por el idilio que había mantenido con Tony Curtis) el rodaje le produjo muchos problemas a los actores y a la productora, pues la actriz siempre se presentaba con retrasos al rodaje, no lograba memorizar los diálogos y manifestaba conductas depresivas.

 

En una fiesta con Tony Curtis.

Por su actuación, Marilyn ganó el premio Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical.

 

Con su Globo de Oro por “Con Faldas y a lo loco”.

A continuación firmó un nuevo contrato con la 20th Century Fox para protagonizar, en 1960,  “El multimillonario”.

 

Otra vez se retrasó el rodaje de la película debido a las pésimas condiciones físicas de la actriz y porque exigió que el guión fuera reescrito por su marido Arthur. Los cambios no fueron del agrado de Gregory Peck, actor que tenía que encarnar el principal papel masculino, quien rechazó el trabajo a pesar de que ya se había adelantado el poster publicitario.

 

Poster publicitario retirado por la renuncia de Gregory Peck.

Lo mismo hicieron otros consagrados actores a quienes se les propuso interpretar el papel. Finalmente fue el cantante y actor francés Yves Montand quién aceptó el ofrecimiento.

 

El actor francés Yves Montand.

El matrimonio Monroe Miller entabló una buena amistad con Ives Montand y su esposa, la actriz Simone Signoret.

 

El matrimonio Yves Montand y Simone Signoret.

 

Arthur Miller, Simone Signoret, Yves Montand y Marilyn Monroe.

Aprovechando un viaje a Francia de Simone Signoret para el rodaje de una película, Ives y Marilyn mantuvieron un romance amoroso y, a pesar de que ella le pidió a Montand que abandonase a Simone, éste regresó a su país junto a su esposa al terminar la filmación.

 

Con Yves Montand en “El millonario”.

Al parecer, durante ese verano, estando casada Marilyn con Arthur, quedó embarazada de Yves Montand.

 

Marilyn embarazada.

La película no obtuvo críticas positivas y económicamente resultó un fracaso.

 

El estado emocional de Marilyn y su insomnio crónico iban deteriorando cada día más su salud. Sus visitas a los médicos, así como las llamadas a su psicoanalista y consejero doctor Ralph R. Greenson, eran constantes.

 

Ralph R. Greenson

En el desierto de Nevada, junto a Clark Gable y Montgomery Clift, en el mes de julio, se inició el rodaje de “Vidas rebeldes”, cuyo guión escribió para ella su esposo Arthur. En él se personificaban situaciones, momentos y vivencias de la propia vida de Marilyn.

 

Con Clark Gable y Montgomery Clift en “Vidas Rebeldes”.

Pero como venía sucediendo en los últimos tiempos, el estado anímico de la actriz no era el ideal. Frecuentemente se retrasaba, no acudía al rodaje, tenía dificultades para concentrarse o  recordar los diálogos y continuaba consumiendo grandes dosis de alcohol y sedantes para poder dormir.

 

Como consecuencia de ello tuvo que ser hospitalizada en Los Ángeles durante diez días.

 

La prensa no informó de los motivos del internamiento de la actriz aunque algunos rotativos aseguraron que había estado muy grave y a punto de perder la vida.

 

Una vez recuperada, Marilyn regresó a Nevada para concluir la filmación.

 

La película no recibió el beneplácito de la crítica, sin embargo la actuación de los actores fue muy aplaudida.

 

Las tensiones habidas durante la filmación así como las infidelidades de la actriz, acabaron con la paciencia de Arthur, hasta el punto en que ambos regresaron separados a Nueva York.  Entonces, ella se fue a vivir a la casa de Lee Strasberg.

 

Marilyn y Lee Strasberg.

El 20 de enero de 1961 los esposos Marilyn y Arthur se divorciaron.

 

Arthur y Marilyn poco antes de divorciarse.

Al  mes siguiente Marilyn cayó en una desenfrenada espiral de consumo exagerado de drogas, barbitúricos, alcohol, y sexo. Su psicoanalista Ralph R. Greenson, que la adoptó como parte de su familia y controlaba sus tiempos, sus viajes y sus compromisos, al tener que ausentarse durante unos días, le confió el seguimiento médico y los controles de la artista a su colega Marianne Kris.

 

Marianne Kris

Ante la situación caótica que presentaba la actriz con importantes cuadros de ansiedad y depresión, Marianne le sugirió que se internara unos días en la clínica psiquiátrica Payne Whitney y así lo hizo.

 

Clínica psiquiátrica Payne Whitney de Nueva York.

El ingresó lo efectuó completamente drogada y por lo tanto sin pleno uso de sus facultades. Al darse cuenta de las condiciones del lugar en donde se hallaba, Marilyn recordó a su madre, internada en un centro psquiátrico del que ya jamás regresó.

 

Haciendo uso de su derecho a utilizar el teléfono, Marilyn contactó con su ex segundo marido, Joe DiMaggio, el hombre que más la amó y que le prometió que jamás la olvidaría. Cuatro días después DiMaggio logro sacarla de la clínica e ingresarla en un centro hospitalario convencional.

 

Dado su delicado estado Marilyn no trabajó durante el resto del año y volvió con su psicoanalista Ralph R. Greenson, quien la animó a proseguir con su profesión.

 

Después de haberse sometido a una intervención de vesícula biliar y haber perdido unos once kilos, Marilyn, con una salud bastante mediocre y patentes síntomas de inseguridad, inició en 1962 el rodaje de “Something’s Got To Give” junto a Dean Martin.

 

Con Dean Martin en “Something’s Got To Give”.

Hay que señalar que la productora 20th Century Fox había depositado muchas esperanzas en que este proyecto le permitiera financiar los problemas económicos que le estaba suponiendo la filmación simultánea de “Cleopatra”.

 

Elizabeth Taylor y Richard Burton en “Cleopatra”.

Marilyn, al poco tiempo de iniciarse el rodaje, fue invitada por la Casa Blanca para asistir el sábado 19 de mayo, en el emblemático Madison Square Garden de Nueva York, a la gala de celebración del cumpleaños del entonces presidente norteamericano John Fitgerald. Kennedy y cantar el “Feliz cumpleaños, señor presidente”.

 

Ambos se conocían al haber sido presentados tiempo atrás por el actor británico Peter Lawford y su esposa Patricia Kennedy, durante una cena privada, y, al parecer, habían mantenido relaciones extramatrimoniales, al igual que con su hermano el fiscal general de la nación Robert Francis Kennedy.

 

Peter Lawford y su esposa Patricia Kennedy.

 

Robert Francis Kennedy, Marilyn Monroe y John Fitgerald Kennedy.

 

A pesar de que la productora le exigió que se quedara para cumplir con su trabajo, Marilyn se ausentó sin el permiso de los estudios.

 

La noche de la gala, la actriz lució sobre el escenario un ceñidísimo modelo, sin ropa interior, adornado con dos mil quinientas incrustaciones de cristal y confeccionado en gasa de seda color beige que daba la impresión de que estuviese desnuda.

 

Marilyn con el vestido que lució en el evento.

Concluido el evento Marilyn regresó a los estudios para proseguir con el rodaje de la película y grabar las escenas donde aparecía desnuda en una piscina.

 

Marilyn en “Something’s Got To Give”.

 

Esas fotos aparecieron días después en la revista Life.

 

Ultima vez que Marilyn apareció en la portada de la revista Life.

 

Ante los constantes retrasos en acudir a los platós y su falta de concentración, la 20th Century Fox optó por despedir a Marilyn y sustituirla por otra actriz, pero gracias a la mediación de su compañero de reparto, Dean Martin, la productora decidió readmitirla de nuevo.

 

A finales de  junio, por encargo de Vogue, el fotógrafo Bert Stern le hizo a Marilyn, durante tres días, en la suite 261 del hotel Bel-Air de Los Ángeles, su última y más famosa sesión fotográfica, nada menos que 2.571 fotografías que la revista rechazó por entender que eran demasiado provocativas.

 

El fotógrafo Bert Stern.

Bert Stern, publicó después de la muerte de Marilyn, un libro titulado “La última sesión” editado por Taschen donde se recogen una buena parte de las fotografías tomadas a la actriz.

 

Libro de Bert Stern “La última sesión”.

 

Fotos de Bert Stern.

Aprovechando su vuelta a los estudios para proseguir con el rodaje de la película que estaba interpretando junto a Dean Martin, la actriz inició conversaciones con la productora para tratar de su futuro profesional. Le ofrecieron varios proyectos, más una mejora económica y libertad para escoger coprotagonista y director, condiciones que fueron del agrado de Marilyn.

 

Marilyn en 1962.

Desgraciadamente la película no se pudo terminar por la muerte de la artista el día 5 de agosto.

 

El cuerpo sin vida de Marilyn boca abajo sobre la cama.

Los medios de comunicación del mundo entero se hicieron eco del fallecimiento en extrañas circunstancias de la artista de 36 años en la habitación de su casa de Brentwood, California.

 

Los Ángeles Times.

 

Daily Mirror.

En principio se creyó en un probable suicidio por ingesta de una sobredosis de barbitúricos.

 

Según comentó la asistenta, Eunice Murray, recomendada a Marilyn por el doctor Ralph Greenson, su psicólogo y médico personal, en la madrugada del 4 al 5 de agosto observó que las luces de la habitación de la actriz estaban encendidas. Acudió hasta la puerta y comprobó que estaba cerrada por dentro con llave. Al parecerle todo muy extraño, salió fuera de la casa para poder observar desde la ventana el interior de la habitación. Allí pudo ver a  Marilyn desnuda, tumbada bocabajo en su cama y con el teléfono descolgado sobre la mesilla de noche junto a un frasco vacío de Nembutal.

 

La asistenta Eunice Murray.

De inmediato telefoneó al doctor Greenson, quien rápidamente se personó en la casa en compañía de Hyman Engelberg, médico también de Marilyn.

 

El doctor Hyman Engelberg.

 

A las 4:25 de la madrugada, Engelberg llamó  al jefe de policía de Los Ángeles, Jack Clemmons, para comunicarle el fallecimiento de la actriz.

 

Jack Clemmons jefe de policia.

Cuando a las 4:55 llegó Clemmons, notó un anormal nerviosismo e inseguridad en los dos médicos y en la asistenta. Le extrañó que hubieran tardado tanto tiempo en avisar a la policía. Por otra parte la forma en la que estaba colocado el cuerpo de la mujer no parecía natural como tampoco que las sábanas estuvieran limpias. La actriz tenía la cara hinchada y presentaba moretones en el cuerpo. No había ningún recipiente con agua ni vaso con el que la fallecida hubiera podido ingerir las pastillas.

 

Sin embargo, algún tiempo después, cuando llegaron otros policías, médicos forenses y fotógrafos para tomar las instantáneas oficiales para el expediente policíaco, aparecía un vaso que en principio no estaba.

 

La conclusión de Clemmons fue que la defunción se había producido muchas horas antes de avisar a la policía para dar tiempo de arreglar la habitación y que todo pareciera una muerte por suicidio.

 

Al no tener pruebas concluyentes de lo contrario, y a pesar de todas las dudas, el informe policial certificó que la causa  del fallecimiento de Marilyn Monroe se debió a un probable suicidio por ingesta de una sobredosis de barbitúricos.

 

Certificado de defunción donde se remarca “probable suicidio”.

 

Sus restos mortales fueron trasladados desde el domicilio de la actriz hasta la morgue y desde allí  al cementerio de Westwood Village Memorial Park de Los Ángeles, California, donde recibieron sepultura.

 

El cadáver de la actriz durante el velatorio.

 

 

Lápida del humilde nicho donde reposan los restos mortales de Marilyn.

 

En su corta pero intensa vida artística conoció, se codeó y trabajó junto a las más importantes estrellas del firmamento cinematográfico.

 

Entre sus amistades masculinas hay que destacar grandes intelectuales, como por ejemplo el físico alemán Albert Einstein o el escritor Truman Capote.

 

Marilyn con Albert Einstein.

 

Bailando con Truman Capote.

Pero aún así Marilyn, para mitigar su inseguridad, buscó su autoestima en el sexo. Seguramente eso explica que fuera una mujer prolífica e insaciable pues, aparte de sus tres maridos, tuvo gran cantidad de amantes, como Elia Kazan, Tony Curtis, Marlon Brando, Frank Sinatra, Ives Montand o los hermanos Kennedy, entre otros.

 

Con el director Elia Kazan.

 

Con Marlon Brando.

 

Con el presidente Kennedy.

Con el paso del tiempo, la hipótesis del asesinato ha ido cobrando fuerza pues no hay que olvidar de que Marilyn estaba muy relacionada con personajes del mundo de la mafia y con el entorno de los Kennedy. Éstos, al parecer, le habían comentado importantes secretos de familia y de Estado que la estrella amenazó con desvelar el día en que el presidente cortó su relación amorosa. Obviamente, sus declaraciones habrían perjudicado seriamente la imagen y la carrera política de los Kennedy, reconocidos católicos.

 

Marilyn y el presidente Kennedy en actitud cariñosa.

 

Al parecer, según se ha demostrado con los años, supuestamente, en una de las cintas grabadas por el sistema de espionaje que la CIA había instalado en la casa de la actriz, la tarde anterior a su muerte ésta había recibido dos visitas, la de Robert Francis Kennedy junto a Peter Lawford y la de Frank Sinatra, amigo del jefe de la mafia Sam Giancana y posible involucrado en la muerte de Marilyn junto a los hermanos Kennedy.

 

Frank Sinatra, Peter Lawfordy  Robert Francis Kennedy.

 

El jefe de la mafia Sam Giancana.

Posteriormente, sobre las diez de la noche, Robert Francis Kennedy regresó de nuevo al domicilio de la artista con dos hombres, uno de los cuales portaba un maletín de médico. Media hora después abandonaron la casa.

 

Se supone que, a la mañana siguiente y antes de la llegada de la policía y los forenses, el FBI retiró todas las cintas comprometedoras de los Kennedy y clanes mafiosos allegados.

 

Treinta tres años después de su muerte, el 1 de junio de 1995, en Estados Unidos se emitió un sello de 32 centavos con su imagen, dentro de la serie Leyendas de Hollywood.

 

Sello de la serie Leyendas de Hollywood.

En octubre de ese mismo año los lectores de la revista británica Empire la eligieron como la actriz más sexy del siglo XX.

 

Revista Empire.

Dos años más tarde, en octubre de 1997, la misma revista la situó en el puesto ocho de la lista de las 100 mejores estrellas de cine de todos los tiempos.

 

La revista People Magazine, el 16 de agosto de 1999, la consideró como la mujer más sexy del siglo.

 

Portada de la revista People Magazine.

 

Desde el año 2011, en la avenida Michigan de la ciudad de Chicago, existe un monumento de acero inoxidable y aluminio, de quince mil kilos de peso y 8 metros de altura, obra de Seward Johnson,  titulado Por siempre Marilyn, erigido a la memoria de la artista, donde se la representa en la famosa escena del vestido de la película “La tentación vive arriba”.

 

Seward Johnson

 

Estatua de Marilyn en Chicago.

Con la desaparición de Marilyn nació uno de los grandes mitos del pasado siglo.

 

La actriz nos dejó frases tan célebres como: “Me gusta llegar siempre tarde y hacerme esperar porque eso me hace sentirme deseada y querida.

 

 “El sexo forma parte de la naturaleza y yo me llevo muy bien con la naturaleza”.

 

“No uso ropa interior y para dormir sólo me pongo Chanel nº 5”.

 

Se han barajado varias versiones sobre la incógnita de su muerte que todavía hoy continúa vigente.

 

¿ Suicidio o asesinato?. . .

MARCIAL LAFUENTE ESTEFANÍA

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MARCIAL LAFUENTE ESTEFANÍA

 

El más popular escritor de novelas del Oeste de todos los tiempos. . .

 

 

El que, con el tiempo, se convertiría en el más importante escritor de novelas de género western nació en Toledo, Castilla-La Mancha, en 1903.

 

Toledo

Se llamaba Marcial Antonio Lafuente Estefanía y fue hijo del abogado, periodista y escritor Federico Lafuente López-Elías, autor, entre otras obras, de El Romancero del Quijote, de 1916.

 

El Romancero del Quijote.

Gracias a su padre, Marcial se fascinó desde muy joven con el teatro clásico del Siglo de Oro, aunque finalmente cursó estudios de ingeniería industrial, cuya profesión ejerció en España. América y África.

 

Sus frecuentes viajes por Estados Unidos, entre 1928 y 1931, le sirvieron para recrear  y ambientar los rigurosos detalles  de sus posteriores historias del Oeste.

 

Contrajo matrimonio con Maria Luisa Beorlegui Carril. Tuvieron dos hijos, Francisco María  y Federico María quienes de mayores colaboraron en la creación literaria de su padre, hasta el punto de que a partir del año 1958 algunas de las novelas publicadas por Marcial Lafuente Estefanía fueron escritas por ellos, consiguiendo una mímesis tan perfecta entre los tres que, en ocasiones, no podían asegurar quién había escrito una determinada novela.

 

La familia residía en Madrid pero con el tiempo se trasladaron a vivir a Arenas de San Pedro, Ávila, en la falda de la sierra de Gredos de la cual Marcial era un ferviente enamorado.

 

Arenas de San Pedro, Ávila.

En el curso de la Guerra Civil española combatió en el frente de Toledo, junto al ejército republicano, con un cargo militar de alto rango. Al final de la guerra no quiso exiliarse por cuyo motivo ingresó en la cárcel en diversas ocasiones.

 

Fue precisamente en la sala de uno de los hoteles donde se hallaba preso donde se inició en la escritura. Al no disponer de pluma ni papel tuvo que hacerlo con un lápiz utilizando rollos de papel higiénico.

 

En una ocasión el gran escritor Enrique Jardiel Poncela le dijo a Marcial: “ la única forma de ganar dinero con ésto, es escribir para que la gente se divierta. Y así lo hizo, manejando los diálogos de forma ágil y sencilla, suprimiendo las largas y aburridas definiciones y logrando que la lectura de sus historias fuera fácil y amena.

 

 

Enrique Jardiel Poncela

Cuando salió de la cárcel, al no poder practicar su profesión de ingeniero por su pasado militar republicano, optó por publicar novelas románticas o policíacas en una pequeña editorial de Vigo llamada Cíes. Sus primeros trabajos los firmó con seudónimos como “Tony Spring”, “Dan Luce”, “Arizona” o “Dan Lewis”. Para las románticas utilizó el nombre de “Cecilia de Iraluce” o el de su esposa “María Luisa Beorlegui”.

 

Su primera novela del Oeste titulada “La mascota de la pradera” la escribió en 1943 y fue tal su éxito que le proporcionó la firma de un contrato con editorial Bruguera con el que llegó a publicar cerca de tres mil obras de no más de cien páginas cada una.

 

Editorial Bruguera en el barrio de El Coll de Barcelona.

 

La impresión resultaba muy económica y el papel que se empleaba era de ínfima calidad, de características similares al pulp fiction norteamericano, literatura popular de kiosco. A ese tipo de novelas se las denominó “bolsilibro” pues, debido a su reducido formato, permitía llevarlas en un bolsillo del pantalón, de la chaqueta o de una bata de trabajo. Curiosamente hoy de esos mismos bolsillos sobresaldrían, seguramente, un teléfono móvil o un reproductor de música.

 

En esa época eran muy apreciadas las novelas del Oeste, prácticamente todas firmadas con seudónimos, de autores como Francisco González Ledesma “Silver Kane”; Antonio Vera Ramírez  “Lou Carrigan”; Alfonso Arizmendi Regaldie  “Alf Regaldie”, o José Mallorquí Figuerola con su famoso personaje de “El Coyote”.

 

Francisco González Ledesma

 

Silver Kane

 

Antonio Vera Ramírez

 

Lou Carrigan

 

Alfonso Arizmendi Regaldie

 

Alf Regaldie

 

José Mallorquí Figuerola

 

El Coyote

Durante la España franquista Marcial Lafuente Estefanía, junto con la escritora de novelas románticas María del Socorro Tellado López (conocida como “Corin Tellado”) y Francisco Ibáñez Talavera autor de “Mortadelo y Filemón”, se convirtieron en los más importantes referentes de la prestigiosa editorial Bruguera.

 

María del Socorro Tellado López

 

Corin Tellado

 

Francisco Ibáñez Talavera

Marcial escribía y publicaba semanalmente una novela. El precio era de cinco pesetas cada una, equivalentes a un “duro” de la época. Sin embargo el mayor éxito consistía en comprar una novela y una vez leída devolverla al quiosco de revistas que por un precio inferior te facilitaba otra. De esta forma los lectores de las novelas de Marcial se iban multiplicando al ir pasando éstas de mano en mano por decenas de personas.

 

Sus historias estaban inspiradas de forma clara en el teatro del Siglo de Oro. Para ello sustituyó a los protagonistas del siglo XVII por héroes, bandidos y demás personajes del Oeste.

 

Estas apasionantes e impetuosas historias de vaqueros, adquirieron gran difusión también en Hispanoamérica durante las décadas de 1950 y 1960 cuando este tipo de literatura popular se consumía masivamente como entretenimiento entre las distintas capas sociales. Incluso la universidad de Texas, Estados Unidos, las grabó para que pudieran escucharlas las comunidades de ciegos de origen hispano.

 

Conocedor de que sus novelas tenían un amplio seguimiento en el sur de Estados Unidos, Marcial  se cuidó mucho de que sus relatos guardaran una gran semejanza histórica y territorial con el Oeste americano para lo cual consultaba siempre una completísima enciclopedia de la historia de ese país, una guía de teléfonos donde aparecían los nombres de sus personajes y un primitivo mapa donde se podían encontrar los pueblos de la lejana conquista del Oeste.

 

Aprovechando sus extensos conocimientos históricos sobre su ciudad natal y siendo ya mayor, Marcial intentó publicar sin éxito “El maleficio de Toledo”, una novela de corte serio.

 

Marcial Antonio Lafuente Estefanía, aquejado de una pulmonía, falleció en Madrid el 7 de agosto de 1984  a los 81 años de edad.

 

El prolífico escritor que en sus más de cuarenta años de narrativa había enterrado a más de 200,000 personajes recibió sepultura, al siguiente día de su defunción, en el madrileño cementerio de la Almudena.

 

Obviamente, con los años este tipo de literatura popular de bolsillo ha ido cayendo en desuso pero, no obstante, todavía alguna editorial continúa reeditando las mejores novelas del autor, ya que existen muchos adeptos y coleccionistas de este género del Oeste que hacen que aún permanezca latente en el tiempo y en la memoria la gran obra del ingeniero Marcial Lafuente Estefanía, felizmente convertido en el mejor escritor español de novelas del far west de todos los tiempos. 

MONTSERRAT CABALLÉ

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MONTSERRAT CABALLÉ 

 

La soprano de la eterna sonrisa. . .

 

1

 

María de Montserrat Bibiana Concepción Caballé Folch, mundialmente conocida en el mundo de la lírica como Montserrrat Caballé, nació en Barcelona el 12 de abril de 1933. 

 

Fueron sus padres el tarraconense Carlos Caballé Borrás y la valenciana Ana Folch. En 1932 el matrimonio se trasladó a vivir al popular barrio de Gracia de Barcelona, concretamente a la calle Igualada número 20, donde un año más tarde vino al mundo la pequeña Montserrat.

 

Los padres de Montserrat el día de su boda.

 

Placa en el edificio donde nació

 

El estallido de la Guerra Civil española dejó a la familia huérfana del privilegio económico que habían disfrutado hasta entonces, quedando en una posición muy humilde. Para mayor desgracia, Carlos, su padre, fue malherido en la contienda y tuvo que soportar el resto de su vida unos problemas cardíacos derivados de las heridas.

 

Montserrat con sus padres.

 

Su madre, Ana, le enseñó a Montserrat los principios básicos del solfeo y,  gracias a ello, en 1941 logró entrar en el Conservatorio Superior de Música del Liceo, para estudiar canto, solfeo y piano. Cuando el director del Conservatorio escuchó la calidad del timbre de la voz de Montserrat  creyó que había motivos suficientes para conseguirle una beca.

 

Montserrat de niña.

 

Al año siguiente nació su hermano Carlos quien, a la postre, años después, se encargaría de toda la organización artística de la familia.

 

Debido a la delicada salud de su padre la familia se trasladó a vivir a La Floresta, distrito de San Cugat del Vallés, en la provincia de Barcelona. Durante ese tiempo Montserrat abandonó las clases para poder atender a su hermano.

 

Panorámica de La Floresta.

 

En 1945 regresaron a Barcelona para instalarse en un humilde piso del barrio de Les Corts y en septiembre de 1949 Montserrat reinició sus estudios de voz.

 

Una nueva recaída en la salud de su padre con una posterior intervención quirúrgica, obligó a la joven a trabajar durante el día en una fábrica y a asistir por la noche a sus estudios en el Liceo, aunque finalmente tuvo que dejar de tomar clases para poder aportar más a la precaria economía doméstica.

 

En esos momentos difíciles pidieron ayuda a Joan Antoni Bertrand, un industrial textil socio propietario del Gran Teatro del Liceo, el cual preparó una pequeña función ante un seleccionado grupo de amistades de la música en el que se encontraban, entre otros, el célebre tenor alemán Max Lorenz; Julius Katchen, pianista estadounidense y Alicia de Larrocha, la gran pianista española.

 

Max Lorenz

 

Julius Katchen

 

Alicia de Larrocha

 

Montserrat, con diecisiete años, fue convidada a cantar ante ese elitista grupo de personalidades melómanas, que quedaron impresionadas con su voz.

 

Durante sus estudios de canto en el Conservatorio del Liceo, Montserrat hizo grandes esfuerzos pasando dos cursos por año. Allí tuvo la fortuna de conocer a profesores que contribuyeron positivamente en su educación musical, como Napoleone Annovazzi, responsable artístico del Liceo en los años 1941-1953, de quien recibió clases de contrapunto, armonía,  orquestación y la aconsejó sobre su repertorio más adecuado; Conchita Badía, gran soprano y pianista a quien la Caballé consideró siempre su madre musical; Eugenia Kemeny, una soprano dotada de gran técnica, experta en temas wagnerianos, afincada en la ciudad  condal después de la Segunda Guerra Mundial; y Pere Vallribera, pedagogo, compositor y eminente pianista.

 

Napoleone Annovazzi

 

Conchita Badia

 

Montserrat Caballé con Eugenia Kemeny.

 

Pere Vallribera

 

A los 21 años de edad, celebró Montserrat su examen de final de curso cantando arias de “Las bodas de Fígaro”, “La sonámbula” y  “El cazador furtivo”.

 

Entre los nervios del momento y que no se encontraba bien durante la interpretación de esta última pieza, Montserrat se desvaneció. Este incidente motivó que el jurado, injustamente, no le concediese la medalla de oro del Conservatorio que sin duda había merecido.

 

Su primer recital público lo dio el 20 de enero de 1955 en el Palau Güell junto a una arpista, un flautista y con Pere Vallribera al piano. Seis meses después, en una conferencia de Napoleone Annovazzi, actuó en el Casal del Metge de Barcelona.

 

Palau Güell.

 

El 17 de junio de ese mismo año tuvo lugar su primer debut escénico en el Teatro Fortuny de Reus interpretando, con la compañía de Ópera de Cámara de Barcelona dirigida por Napoleone Annovazzi, el papel de Servina en “La serva padrona”. Pocos días después repitió con el mismo reparto en Figueres, Girona, y en Teatro Principal de Valencia.

 

Fachada del Teatro Fortuny de Reus, Tarragona.

 

Su primer concierto en solitario lo realizó en la Sala Vila Arrufat de Can Bartomeu, Pedralbes, el 10 de julio siguiente, al parecer auspiciada por Conchita Badía.

 

Casa Bartomeu.

 

Tras varios intentos fallidos en Nápoles  y Roma, en 1956 tuvo la oportunidad de actuar en el Teatro Municipal de Basilea, Suiza, en algunas sustituciones de poco relieve.

 

Aunque la dirección del teatro no contaba con Montserrat para papeles de importancia, la fortuna quiso que un año después la soprano que debía interpretar Mimí en “La Boheme” cancelara sus actuaciones. Su substituta natural estaba enferma y la segunda se hallaba ausente. La Caballé aprovechó su oportunidad y su actuación convenció a la dirección del teatro, quienes a partir de ese momento le confiaron papeles en “Pagliacci”, “Aida”,  “Arabella”, “Tosca”, ó “Salomé”.

 

A partir de entonces Montserrat fue considerada como una de las cantantes fijas de la Ópera de Basilea, lo que le permitió actuar ocasionalmente en otros teatros.

 

En febrero de 1959 hizo su debut en la Ópera de Viena interpretando el papel de Donna Elvira de “Don Giovanni”. Gustó tanto su actuación que fue invitada a representar “Salomé” el siguiente 10 de mayo.

 

La  dirección de la Ópera de Bremen, Alemania, la contrató en la temporada 1960-1961, donde tuvo la oportunidad de especializarse en el estilo vocal del bel canto.

 

En esa época actuó en Lisboa, Portugal, y debutó en La Scala de Milán, Italia, como una de las muchachas-flor de “Parsifal”.

 

En el teatro La Scala de Milan en “Parsifal”.

 

En su regreso a Barcelona debutó, el 7 de enero de 1962, en el Gran Teatro del Liceo con “Arabella”, siendo aclamada por el público y cosechando muy buena crítica.

 

En 1963 debutó en La Coruña con “Madama Butterfly” y allí conoció al tenor aragonés Bernabé Martínez Remacha (Bernabé Martí en el mundo artístico) con el que compartió escenarios en muchas ocasiones y con el que contrajo matrimonio en el Monasterio de Santa María de Montserrat, Barcelona, el 14 de agosto de 1964.

 

Montserrat y Bernabé en “Madama Butterfly”.

 

 

Su boda con Bernabé Martí.

 

La pareja tuvo dos hijos: Bernabé, nacido en 1966 y Montserrat, en 1972.

 

Montserrat con su marido y su hijo Bernabé en la Gallería Vittorio Emanuele II de Milán.

 

El Carnegie Hall de Nueva York fue testigo del primer gran éxito internacional de la diva. Fue el 19 de abril de 1965, cuando tuvo que sustituir por indisposición a Marilyn Horne en “ Lucrezia Borgia”. Su actuación causó tal sensación que el público puesto en pie la estuvo aplaudiendo durante media hora.

 

Marilyn Horne

 

El periódico New York Times dijo de ella al día siguiente: ” Renata Tebaldi + Maria Callas = Montserrat Caballé “.

 

Renata Tebaldi

 

Maria Callas

 

A partir de esa memorable  interpretación se le abrieron las puertas de las principales discográficas y de los escenarios más importantes del mundo.

 

Debutó ese mismo año en el Glyndebourne Festival de Inglaterra y en el Metropolitan Ópera de Nueva York con la obra “Fausto”.

 

En el Metropolitan Ópera de Nueva York.

 

Después de sus grandes éxitos en el extranjero se presentó en 1966 en el Liceo barcelonés con “Il trovatore”, consiguiendo el gran reconocimiento del público y la crítica de su ciudad natal.

 

En 1969, junto al tenor español Plácido Domingo y la mezzo-soprano italiana Fiorenza Cossotto, cantó “Don Carlo” en el anfiteatro romano de la Arena de Verona, Italia, otro hito importante en la carrera de la soprano que provocó una larguísima ovación por parte del público.

 

 

En 1972 regresó a La Scala de Milán, Italia, para interpretar el papel protagonista de “Norma”.

 

En el Royal Ópera House-Covent Garden de Londres cantó “La Traviata”.

 

Junto a artistas de la talla de Birgit Nilsson, Leontyne Price, Zinka Milanov, Renata Tebaldi, Régine Crespin y Eleanor Steber, actuó en 1977 en la gala de clausura del antiguo Metropolitan de Nueva York.

 

Birgit Nilsson

 

Leontyne Price

 

Zinka Milanov

 

Régine Crespin

 

Eleanor Steber

 

El antiguo Metropolitan de Nueva York.

 

Con Luciano Pavarotti, ese mismo año, cantó “Turandot” en San Francisco, Estados Unidos.

 

Con Luciano Pavarotti en “Turandot”.

 

Montserrat con el actor Danny Kaye y Luciano Pavarotti en la Ópera de San Francisco.

 

En el Festival de Aix-en-Provence, Francia, interpretó en 1980 “Semiramide”.

 

Montserrat Caballé en 1982

En 1983 sufrió una insuficiencia cardíaca.

 

Actuó en 1985 en la Casa Blanca ante el presidente Ronald Reagan.

 

El presidente Ronald Reagan.

 

Junto al tenor catalán José Carreras intervino en 1986 en la película “Romanza final”, basada en la biografía de Julián Gayarre.

 

 

La extraordinaria versatilidad en el timbre de su voz unida al exquisito gusto y a su gran técnica vocal permitieron a Montserrat Caballé interpretar más de ochenta papeles distintos, desde ópera barroca hasta obras de Strauss, pasando por Verdi, Puccini y Wagner.

 

Hizo varias incursiones en la música pop y grabó álbumes y discos, bien como solista o a dúo con artistas de este género musical, como por ejemplo el tema “Sevilla” junto a su hija Montserrat y el cantante Miguel Bosé.

 

 

En esa época a Montserrat se le diagnosticó un tumor cerebral benigno.

 

Su grabación, entre 1986 y 1988, del álbum “Barcelona”, junto al desaparecido cantante de rock Freddie Mercury, constituyó un gran éxito popular y su tema principal, mezcla de pop y ópera, se convirtió en el himno de los Juegos Olímpicos de Barcelona de 1992.

 

 

En 1990 actuó en un concierto en Munich, Alemania, donde obtuvo un éxito sin precedentes.

 

 

Como buena catalana jamás dejó de cantar en el Gran Teatro del Liceo incluso durante la crisis que padeció el local al final de los años 70.

 

Cuando el teatro quedó convertido en cenizas por el incendio del 31 de enero de 1994, Montserrat se implicó personalmente en las tareas de su reconstrucción.

 

Montserrat entre las ruinas del Gran Teatro del Liceo.

 

Fue intervenida de una hernia epigástrica en 1996, dolencia que se le repitió en 2000 y 2001.

 

Durante una gira por Rusia, el 20 de octubre de 2012, sufrió un pequeño ictus que le causó fractura de húmero. Trasladada urgentemente al Hospital de la Santa Cruz y San Pablo de Barcelona, fue dada de alta once días más tarde.

 

Hospital de la Santa Cruz y San Pablo.

 

Ello no le impidió, el 3 de enero de 2012 apoyada en una muleta forrada de negro, celebrar en el restaurado Gran Teatro del Liceo el 50º aniversario de su debut en el mismo. Estuvo arropada por su hija Montserrat y amigos como el tenor catalán Josep Carreras, el tenor peruano Juan Diego Flórez ó el barítono menorquín Joan Pons entre otros. Como en las grandes ocasiones, la Caballé vio cómo el público y la crítica se rendían de nuevo ante ella.

 

 

 

Su hija Montserrat Martí Caballé

 

Josep Carreras

 

Juan Diego Flórez

 

Joan Pons

 

La diva compartió escenario en numerosas ocasiones con las mejores voces masculinas de la ópera. Su propio esposo Bernabé Martí, Luciano Pavarotti, Plácido Domingo, Jaume Aragall o Josep Carreras fueron algunos de ellos.

 

Con su esposo Bernabé Martí.

 

Con Luciano Pavarotti.

 

Con Plácido Domingo.

 

Con Jaume Aragall.

 

Con Josep Carreras.

 

Su última actuación se produjo el 2 de agosto de 2014 en el Festival Internacional de Música de Cambrils, Tarragona, donde actuó junto a su hija Montserrat y otros muchos artistas.

 

Con su hija Montserrat en el Festival Internacional de Cambrils, Tarragona.

 

Debido a unos problemas en la vesícula biliar que se fueron agravando Montserrat falleció, a los 85 años de edad, en el Hospital de la Santa Cruz y San Pablo el pasado 6 de octubre de 2018, siendo enterrada dos días después, junto a sus padres, en el cementerio de San Andrés de Barcelona.

 

Cementerio de San Andrés.

 

Al entierro asistieron personalidades del mundo de la política y la cultura.

 

Bernabé Martí, esposo de Montserrat, con sus hijos Montse y Bernabé en la misa funeral celebrada en la Catedral de Barcelona.

 

Durante sus más de cincuenta años de carrera profesional cosechó distinciones y premios nacionales y extranjeros, como la Medalla de Oro de la Generalitat de Catalunya, la Medalla de Oro del Gran Teatro del Liceo, el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, la Medalla de las Artes de la Comunidad de Madrid, su nombramiento como Doctora Honoris Causa por la Universidad Menéndez Pelayo y la entrega de la Gran Cruz de Caballero de la Orden al Mérito de la República Italiana, entre muchos otros. 

 

Con la medalla del Gran Teatro del Liceo de Barcelona.

 

Tras ser investida Doctora Honoris Causa en presencia del exdirector de la UNESCO Federico Mayor Zaragoza.

 

Colaboró en obras de beneficencia y fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Unesco.

 

Montserrat Caballé fue una mujer muy cercana, de gran humanidad y dotada de un inmenso sentido del humor. De ello puede dar fe este modesto relator quien, hace más de dos décadas, durante un viaje profesional a Milán, Italia, coincidió en el avión con la ilustre catalana como compañera de asiento.  

 

Recuerdo que mis primeras palabras de salutación en catalán fueron: “Doña Montserrat, ¡qué sorpresa y que gran honor poder compartir con usted este viaje!”. Ella me respondió: “Por favor, llámame Montse y no me trates de usted”.

 

Tuvimos una conversación muy amena, me comentó que viajaba a la ciudad italiana para cumplir unos contratos en el teatro La Scala. Se interesó por mi profesión y me contó innumerables anécdotas de su carrera, acompañadas en todo momento por una contagiosa sonrisa que iluminaba su rostro.

 

En un momento de la charla le manifesté que en la ciudad de Murcia tenía un buen amigo y cliente, propietario de la tienda de moda más prestigiosa de la ciudad, el cual era un incondicional admirador suyo, hasta el punto que cada vez que actuaba ella en el Gran Teatro del Liceo, él se desplazaba puntualmente desde Murcia a Barcelona, con cualquier excusa, para asistir a las representaciones.

 

En aquel momento Montse soltó una de sus chispeantes carcajadas y abriendo su bolso sacó de su interior un abanico de fotos diciéndome: “Escoge las que más te gusten porque se las voy a dedicar a tu amigo”. Al bajar del avión nos despedimos con un beso.

 

 

 

Al poco tiempo, en uno de mis frecuentes viajes por la piel de toro, me desplacé a Murcia y visité la boutique de mi amigo. Le expliqué las anécdotas de mi viaje en avión a Milán junto a la diva catalana y le entregué las tres fotos que ella cariñosamente le había dedicado.

 

Me dijo: ”Este es uno de los mejores regalos que he recibido nunca”. Me abrazó y me dio las gracias al tiempo que de sus ojos asomaban unas lágrimas. ¿Te acuerdas Rogelio?

 

Montse, la soprano de la eterna sonrisa, descansa en paz. . .

JAUME PERICH I ESCALA

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 JAUME PERICH I ESCALA

 

El gran dibujante catalán del humor gráfico. . .

 

 

Jaume Perich i Escala, más tarde conocido como El Perich, nació el 5 de noviembre de 1941 en la calle Aragón número 181, del popular Eixample de Barcelona.

 

Jaume de niño.

Su padre, José, se dedicaba al comercio y su madre, Concepción, atendía las labores del hogar.

 

Los padres de Jaume en el domiclio de sus abuelos maternos en Premià de Dalt, Barcelona.

 

Hasta los siete u ocho años Jaume vivió más con sus abuelos que con sus padres, pues a su progenitor tuvieron que extirparle un pulmón debido a la tuberculosis adquirida durante la guerra civil y para evitar el peligro de contagio casi no pudo verle. Sin embargo con su madre sí estuvo más a menudo.

 

Jaume con su abuelo.

 

Junto a sus padres en su Primera Comunión.

 

Jaume en la escuela.

Estudió peritaje industrial y a los 16 años empezó trabajando como aprendiz de delineante en RENFE, con un contrato temporal de dos años, realizando trabajos muy simples que combinaba con sus estudios nocturnos en la Escuela Industrial de Barcelona. Poco tiempo después se empleó en una agencia publicitaria.

 

RENFE, año 1957.

En ninguna de ambas actividades se halló a gusto porque a él lo que le gustaba era el dibujo de monigotes de trazos sencillos que ya había practicado desde muy jovencito, confeccionando sus propios tebeos que, a medias con un compañero, alquilaba a sus compañeros por 0’50 céntimos la lectura.

 

A los 17 años Jaume decidió presentar algunos dibujos de humor a diversos rotativos.

 

La editorial Mateu le publicó en 1959 su primer chiste en el número 7 de la revista “Pepe Cola”, con tan mala fortuna que el semanario cerró antes de que Jaume llegara a percibir las 30 pesetas que le correspondían por su trabajo.

 

Pepe Cola, revista número 7.

 

El primer chiste que le publicaron.

Llegada la época del servicio militar, Jaume fue sorteado con su quinta y destinado a Ceuta, donde estuvo sirviendo a la Patria por espacio de 16 meses.

 

Jaume durante el servicio militar.

A su regreso a Barcelona sus primeras colaboraciones como dibujante fueron en la desaparecida editorial Bruguera donde, en 1964, Jaume entró como redactor, ejerciendo además como traductor de las historietas francesas  “Astérix el Galo”, “El Teniente Blueberry” o “Aquiles Talón” entre otras.

 

Fachada de la antigua editorial Bruguera en el barrio de El Coll de Gràcia, Barcelona.

 

“Astérix el Galo”.

 

“El Teniente Blueberry”.

 

“Aquiles Talón”.

 

Posteriormente, en 1966, trabajó  en el periódico “Solidaridad Nacional”, coloquialmente denominado “La Soli”  donde empezó a publicar una página diaria.

 

“Solidaridad Nacional”.

Fueron tiempos difíciles porque la censura autoritaria del régimen dictatorial controlaba todas las publicaciones y Perich era precisamente un dibujante que expresaba en sus dibujos un humor crítico de la actualidad, que en ocasiones infringía las leyes impuestas por el estado.

 

Viñeta en “Solidaridad Nacional”.

En diciembre de 1967 Perich inició sus primeras colaboraciones con “El Correo Catalán” y al poco tiempo le propuso al periódico realizar una sección con el nombre de “Perich Match” que el diario  aceptó y al que le siguieron “El humor otro” y “El humor catalán”.

 

“El Correo Catalán”.

 

Viñeta en “El Correo Catalán”,

Al considerar que con sus mayores ingresos podía sostener un hogar, Jaume Perich decidió casarse con su novia Anna Bernini, una muchacha que había conocido en Premià de Dalt, comarca del Maresme, Barcelona, cuando las familias de ambos veraneaban  en dicha localidad.

 

Boda de Jaume y Anna.

La ceremonia se celebró en la iglesia de Nostra Senyora de la Pau de Barcelona. En principio fueron a vivir a la calle Muntaner, para después mudarse a la calle Comtes d’Urgell donde nació su hija Raquel.

 

Jaume y su esposa Anna con su hija Raquel recién nacida.

Las colaboraciones de Perich en la sección “Perich Match”de “El Correo Catalán” fueron del interés de “Edicions  62”, quienes le propusieron a Jaume escribir un libro.

 

“Perich Match”, como libro, tuvo un éxito de ventas notable, hasta el punto de agotarse y tener que lanzar una segunda edición. Gracias a  ello el nombre de Perich cobró una nueva dimensión y sirvió para que sus trabajos fueran conocidos por un público más amplio que el que tenía en la prensa diaria.

 

A raíz de ello la editorial Estela le encargó un libro de parecidas características, pero más extenso. Se trataba de aprovechar una selección de todas las viñetas y textos que había escrito, tanto los publicados como los inéditos.

 

Fruto de esa recopilación en 1970 nació “Autopista”, que se convirtió en el libro más vendido del año y cuya segunda edición se publicó en enero de 1971.

 

“Autopista” era una parodia  de “Camino” de José María Escrivá de Balaguer, fundador del Opus Dei.

 

“Camino” de José Mª Escrivá de Balaguer.

 

José María Escrivá de Balaguer.

El libro consiguió despistar a la censura y le proporcionó a Perich un gran éxito, pero también la reprobación de muchos miembros de la organización religiosa.

 

Posteriormente publicó otros 20 libros de características parecidas, destacando entre ellos “Noticias del 5º canal”, de la revista “Interviú”.

 

“Noticias del 5º canal”.

La dirección de “La Vanguardia”,  a la sazón principal  periódico de Barcelona y seguramente el primero de España, pensó en Perich para ofrecerle la participación diaria de un chiste en el citado rotativo, así como una colaboración semanal de media página en Tele/eXpres con temas de actualidad.

 

“La Vanguardia”.

 

Viñeta en “La Vanguardia”.

 

“Tele/ eXpres”.

Enseguida llegaron a un acuerdo pues Perich se aseguraba una mejor fuente de ingresos y por su parte el grupo Godó incorporaba a su empresa un humorista de moda, restándoselo a la competencia.

 

A pesar de tener la mejor tribuna del periódico, Perich no se sentía cómodo pues cuando el humorista trataba de imprimir más audacia a sus viñetas  gráficas se encontraba siempre con el rechazo de la redacción, que temía las sanciones provenientes de la delegación del Ministerio de Información y Turismo.

 

Viñeta de “La Vanguardia”.

Jaume optó por desvincularse de “La Vanguardia” para integrarse en “Diario de Barcelona”. En ese medio pudo publicar casi todo lo que se le antojaba, pero la escasa popularidad del periódico, unido a sus pocos lectores y a las amenazas e insultos que recibía por sus sarcásticos chistes gráficos, motivó que al cabo de poco tiempo aceptara la oferta que le llegó desde “Mundo Diario”.

 

“Diario de Barcelona”.

El humorista, gran amante de los gatos, incorporó en casi todos su chistes, a partir de 1977, la caricatura de su gato Mao.

 

El gato Mao fiel compañero de Perich en casi todos sus dibujos.

 

Las caricaturas de su gato Mao.

Perich estuvo casi un año en “Mundo Diario”, desde el 15 de octubre de 1977 al 5 de septiembre de 1978 en que se despidió. Poco después, debido a la gran crisis que afectó en gran manera al rotativo, éste tuvo que cerrar todas sus publicaciones.

 

“Mundo Diario”

De ahí, Perich pasó a formar parte de la redacción de “El Periódico de Catalunya” del empresario Antonio Asensio, propietario del Grupo Zeta y creador del exitoso semanario “Interviú”, sobre todo a partir de la publicación de unos desnudos de la  actriz y cantante Pepa Flores (más conocida como Marisol).

 

“El Periódico de Catalunya”.

 

Marisol, portada de la revista” Interviú”.

Corrían los tiempos de la transición política española y Jaume halló en este diario independiente, ágil y moderno el caldo de cultivo que siempre había anhelado para sus sagaces y agudas viñetas. Fueron 16 años de estrecha colaboración donde, desde el primer día, ya firmó todas sus publicaciones como el PERICH que además daba título a su sección diaria.

 

En 1987 el presentador Josep Maria Bachs le convenció para que interviniera en el programa “Filiprim” de TVE. En dicha emisión se hizo muy popular interpretando el papel del “profesor Perich”, un sabio personaje  que se lo tomaba todo en clave de humor.

 

Revista “Filiprim” de TVE.

 

A partir de ahí participó en varios espacios de televisión,  como por ejemplo el que presentaba el admirado  grupo musical “La Trinca”.

 

Con “La Trinca”.

Durante su extensa carrera profesional contribuyó en mayor o menor medida, con su inconfundible humor gráfico, en folletos publicitarios y muy estrechamente en revistas y semanarios, como “Fotogramas”, “El màgic Virolet”, “Gaceta Ilustrada”, “Barrabás”, “Hermano Lobo”, “Por Favor”, “Primera Plana”, “Interviu”, “El Jueves” o “Muchas Gracias”, entre otras.

 

Panfleto de la película “La Curiosa”.

 

Portada de la revista “Fotogramas”.

 

Portada de “El Màgic Virolet”.

 

Portada de “La Gaceta Ilustrada”.

 

Portadas de  “Barrabás”.

 

Portada de “Por Favor”.

 

Portada de “Primera Plana”.

 

Portadas de” Interviú”

 

Portada de “El Jueves”.

 

Portada de “Muchas Gracias”.

Fue requerido y participó en diversas exposiciones de humor gráfico en Europa y Sudamérica.

 

También se atrevió con el café-teatro, figurando como autor de la obra “Persecució i assassinat mental sense banyera”,  un espectáculo que explica la vida y problemas de Frederic Pastichet y cuyo estreno tuvo lugar en la emblemática, hoy desaparecida, “Cova del Drac”, de la calle Tuset de la ciudad condal.

 

Panfleto de la obra.

 

Cova del Drac en 1960.

Desde hacía algunos años Jaume y su familia habían trasladado definitivamente su residencia a Premià de Dalt, lugar en el cual solían veranear, y fue precisamente en dicha casa donde sufrió un infarto intestinal.

 

Fue ingresado urgentemente en el hospital de Mataró, Maresme, Barcelona, donde tras recuperarse del paro cardíaco, y posteriormente  ser intervenido quirúrgicamente de urgencia, los facultativos descubrieron que sufría una isquemia intestinal masiva que le produjo la muerte, el 1º de febrero de 1995, a la temprana edad de 53 años.

 

La capilla ardiente del humorista fue instalada en el cementerio de Collserola, Barcelona, donde recibió sepultura el día 3 de febrero.

 

Perich con su inseparable cigarrillo y su gato Mao.

Su esposa Anna, en un acto celebrado el 9 de febrero de 1995 en el Saló de Cent del  Ayuntamiento de Barcelona, recogió el premio Ciudad de Barcelona, que le fue concedido a título póstumo.

 

En honor del célebre humorista, en octubre de 1995, se creó en Llancà, Girona, el “Premio Internacional de Humor El Gat Perich”, cuyo objetivo es galardonar anualmente a dibujantes y profesionales que han destacado por sus trayectorias en el mundo de la prensa.

 

El premio consiste en una figurita, fundida en plata, que representa al gato Mao, que tantas veces acompañó a Perich en sus viñetas, con un lápiz en la mano y un cigarrillo en la boca.

 

El popular grupo “El Tricicle” recibió el premio en 2010.

En diciembre de 1998 la viuda y la hija de Jaume Perich cedieron al Ayuntamiento de Barcelona, en régimen de comodato, aproximadamente 60.000 dibujos originales del humorista.

 

La viuda de Perich, Anna Berini, en el Ayuntamiento de Barcelona.

Diez años después de su fallecimiento la revista “El Jueves”, en la que Perich colaboró desde 1980, editó en su memoria un libro titulado “el PERICH, Humor sin concesiones (1941-1995)” donde se repasa biográficamente la vida profesional del humorista.

 

Portada de “el PERICH, Humor sin concesiones”.

 

Contraportada del libro. .

El 15 de abril de ese mismo año se inauguró en el pueblo de Premià de Dalt, Maresme, Barcelona, la biblioteca que lleva su nombre.

 

Biblioteca Jaume Perich en Premià de Dalt, Barcelona.

 

Interior de la biblioteca.

Dicha población al igual que Gavà, Barcelona, y la ciudad condal, tienen espacios públicos en su recuerdo.

 

Placa de cerámica sobre el pavimento de la plaza Jaume Peric en Gavà, Barcelona.

 

Jardines Jaume Perich en Barcelona.

 

Placa conmemorativa.

Jaume Perich i Escala, fumador y amante de los gatos, fue un librepensador que luchó por la libertad y la democracia.

 

Pero ante todo fue un gran humorista gráfico. . .

ARETHA FRANKLIN

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ARETHA FRANKLIN

La reina del alma . . .

 

 

Se haría interminable para este modesto narrador de historias plasmar en un blog la azarosa vida de la gran diva de la canción, la cual fue casi tan intensa como los grandes éxitos que cosechó en su dilatada carrera artística.

 

Por ello voy a tratar de relatar de forma muy sucinta un pequeño resumen de sus memorias.

 

Aretha Louise Franklin nació el 25 de marzo de 1942 en Memphis, Tennessee (Estados Unidos).

 

La casa donde nació Aretha, en Memphis.

 

Fueron sus padres Clarence LaVaughn Franklin, un predicador baptista, mujeriego y autoritario, y Bárbara Vernice Siggers, una notable pianista y cantante de góspel.

 

Los padres de Aretha.

 

Tuvo una infancia muy complicada y hasta los seis años de edad vivió con sus padres y sus tres hermanas, Erma, Carolyn y Carl Ellan y sus dos hermanos Cecil y Vaughun, en Memphis.

 

Al haber pasado su infancia cantando en la iglesia, la pequeña Aretha estuvo siempre muy influenciada por la música religiosa.

 

Cuando su madre abandonó el hogar conyugal para trasladarse a Buffalo (Nueva York), harta de las continuas infidelidades de su esposo, éste decidió mudarse con sus hijas a Detroit donde continuó ejerciendo como pastor adquiriendo gran notoriedad merced a sus homilías y donde se ganó el apodo de “La voz del millón de dólares”.

 

Buffalo (Nueva York).

 

C. L. Franklin con sus hijos.

 

“La voz del millón de dólares” predicando en New Bethel Church.

 

Personajes de la talla de Jackie Wilson, Clara Ward o  Martin Luther King, del que fue gran amigo y confidente, fueron algunos de sus  habituales visitantes.

 

Martin Luther King y C.L. Franklin.

 

Al reparar  Clarence en las aptitudes musicales de la pequeña Aretha la animó a estudiar piano, pero a ella no le convenció la idea, por lo que aprendió de forma autodidacta música y canto, a base de escuchar discos y de actuar como cantante en grupos ambulantes.

 

Aretha cantó en New Bethel Baptist Church,  la iglesia de Detroit que regentaba su padre,  junto a sus hermanas  Erma y Carolyn, las cuales durante años realizaron coros en las grabaciones de ella y más tarde ejercieron sus carreras profesionales como solistas.

 

New Bethel Baptist Church.

 

Su madre, Bárbara Vernice Siggers, falleció cuando Aretha contaba diez años de edad.

 

Bárbara Vernice Siggers

 

Fruto de dos relaciones precoces, al parecer con muchachos de su misma escuela, Aretha quedó embarazada a los 12 años y dio a luz a su hijo Clarence el 28 de enero de 1955. Con 14 años tuvo a su segundo hijo, Edward,  que nació el 22 de enero de 1957.

 

Clarence Franklin

 

Precisamente a esa edad grabó junto a su padre, el Reverendo Franklin, su primer álbum en vivo  “Songs Of Faith” para la discográfica Checker Records, la cual  en 1984 lo reeditó con el título “The Góspel Soul Of Aretha Franklin” que contenía música góspel con sonido soul  e interpretada al piano por la jovencita Aretha.

 

Portada del álbum.

 

En 1960 tomó la decisión de viajar a Nueva York para tomar clases de danza y pulir sus aptitudes vocales. Para ello dejó sus dos hijos al cuidado de su abuela y de su hermana Erma.

 

Aretha con su hermana Erma.

A su llegada se dedicó a grabar maquetas musicales y a enviarlas a las compañías discográficas, que empezaron a ver en ella a una joven de prodigiosa voz.

 

Aretha a principio de los años 60.

 

Fue contratada en 1961 por la Columbia Records como cantante soul, pero al poco tiempo quisieron derivarla a la música de jazz, donde Aretha demostró su gran versatilidad en varias melodías que constituyeron grandes éxitos, como “Unforgettable”, un tributo a Dinah Washinghon.

 

Portada de “Unforgettable”.

 

En 1962 se casó con Tedy White con quien tuvo a su tercer hijo Tedy Jr. en febrero de 1964.

 

Aretha y Tedy White.

 

Aretha se sentía como una intérprete soul y para mostrar su desacuerdo con la discográfica Columbia Records abandonó la compañía en 1964 para firmar con Atlantic Records, donde grabó  con el acompañamiento de la  Muscle Shoals Rythhm Section de Alabama, “I Never Loved A Man The Way I Love You”, una obra maestra que incluía grandes canciones de entre las que sobresalía  “Respect”, un tema que fue utilizado por los grupos que luchaban en contra del racismo y por los derechos de la raza negra.

 

Aretha con la Muscle Shoals Rytthm Section.

 

Este trabajo fue sin duda la consagración definitiva de Aretha como reina del soul. Utilizó su gran popularidad en favor de los derechos raciales en Estados Unidos, lo que la convirtió en un icono de la liberación femenina y del movimiento racial.

 

La cantante editó en 1967 “Aretha Arrives” con dos temas destacados: “Baby I Love You” y “Satisfaction” con el que consiguió ser número uno de ventas.

 

Portada de “Aretha Arrives”.

 

En 1968 grabó “Lady soul” con cuyo disco consiguió nuevamente un éxito sin precedentes. Entre otros títulos como “ Chain Of Fools”, “Ain’t No Way” o “A Natural Woman”, contenía también colaboraciones de Eric Clapton en “Good to Me As I Am to You”; de Curtis Mayfield en “People Get Ready”; de James Brown en “Money Won’t Change You” o  de Ray Charles en “Come Back Baby”.

 

La gran popularidad alcanzada hizo que en junio de ese mismo año fuese portada de la prestigiosa revista Time.

 

Revista Time.

 

Medio año después grabó el album “Aretha now” en el que versionó el popular tema “I Say A Little Prayer” que anteriormente había sido interpretado por Dionne Warwick.

 

Aretha en 1968

 

 

Dionne Warwick

En 1969 se divorció de su marido Teddy alegando malos tratos y violencia doméstica.

 

Cerró la década de los sesenta con el álbum “Soul’69” con temas tan populares como “Bring It on Home to Me” o “River’s Invitation”.

 

Portada del álbum ” Soul´69″.

 

En 1970  dio a luz a su cuarto hijo Kecalf, fruto de una relación con su director de giras Ken Cunningham.

 

Su cuarto hijo, Kecalf.

 

Aretha y Ken Cunningham.

 

Dentro del panorama internacional sus actuaciones se contaban por éxitos y ese mismo año versionó famosos temas de rock, soul y pop como “Let It Be” de The Beatles o “Bridge Over Troubled Water” de Simon and Garfunkel.

 

También editó dos álbumes. El primero fue “This Girl’s In Love With You”, que entre otras versiones de diferentes intérpretes contenía la canción “Call Me”, compuesta por ella misma.

 

En el segundo titulado “Spirit In The Dark” volvió a versionar temas de varios artistas destacando el tema que daba nombre al álbum, escrito por Aretha.

 

 

En 1972 presentó su primer álbum góspel,  grabado en vivo, en el que figuran algunas famosas versiones como “Amazing Grace”,  “Precious Memories”, “How I Got Over” o “Wholy Holy”.

 

Portada del álbum Amazing Grace.

Poco antes de pasarse a la música disco, en 1973, grabó “Hey Now Hey”, coproducido por la propia Aretha y Quincy Jones. El álbum contiene  canciones de otros autores, así como “Ángel” compuesta por su hermana Carolyn Franklin y Sonny Saunders.

 

Aretha con su padre y su hermana Carolyn.

Hasta el final de los setenta fueron años de altibajos para la cantante en los que sobresalió en escasos trabajos fugaces, como “Without Love”.

 

Junto a Curtis Mayfield recuperó su prestigio musical al participar en la banda sonora del filme Sparkle. El tema “Giving Him Something He Can Feel” se convirtió en número uno de ventas.

 

Portada del disco de la banda sonora de Sparkle.

 

 

En 1977 cantó el himno “God Bless América” en la investidura de Jimmy Carter como presidente de los Estados Unidos y grabó dos nuevos álbumes, con moderado éxito, “Sweet Passion” y  “Aretha Arrives”, este último incluía “Satisfaction” de The Rolling Stones.

 

De nuevo contrajo matrimonio en 1978. Esta vez fue con el actor Glynn Turman del que se divorció seis años después.

 

Su boda con Glynn Turrman.

Cerró prácticamente la década en 1979 con “La Diva”, donde aparecían canciones escritas por Aretha como ”Honey I Need Your Love”, “Only Star” o “Ladies Only”, que pasaron desapercibidas.

 

Al entender Aretha que el descenso en su carrera musical se debía al escaso interés por parte de Atlantic  Records en su promoción artística, así como a la pésima producción de sus álbumes, en 1979 la cantante tomó la decisión de abandonar la discográfica para firmar con Arista Records.  

 

En  un intento de robo en el interior  de su casa, en junio de 1979, el  padre de Aretha,  Clarence, recibió dos impactos de bala a quemarropa.

 

Trasladado al hospital Henry Ford, falleció cinco años después en el Hogar de Ancianos New Light de Detroit, a causa de las complicaciones de las heridas. A pesar de que las relaciones entre padre e hija nunca fueron buenas, Aretha le visitó mensualmente volando desde Los Ángeles a Detroit, para estar junto a él hasta el final de sus días.

 

En 1980 Aretha inició su etapa con  la nueva compañía Arista Records y el 25 de octubre de ese mismo año lanzó su primer álbum titulado “Aretha”, donde se incluían versiones de trabajos anteriores pero con un sonido más pop, en consonancia con los años 80. El tema más destacado del disco fue “United Together”.

 

En ese año actuó como Ms Murphy en la exitosa película “The Blue Brothers” (Granujas a todo ritmo) interpretando la canción “Think”,  incluida en la banda sonora. En dicho filme también participaron, entre otras estrellas famosas de la canción,  Ray Charles, James Brown  y la considerada mejor banda de soul The Blue Brothers.

 

Con un nuevo sonido que fusionaba  soul, rock  y quiet storm, Aretha se encaramó nuevamente a los primeros puestos  de las listas musicales con “Love All The Hurt Away”, un dueto interpretado junto a George Benson en 1981.

 

George Benson

 

Su disco “Jump To It”, de 1982, fue número uno durante más de cinco años.

 

 

Debido a un leve accidente por turbulencias, Aretha le tomó pánico a los aviones, por  cuyo motivo limitó sus actuaciones solo a Estados Unidos.

 

Desde 1985 hasta 1987 presentó “Who’s Zooming’ Who?”, un álbum más pop que los anteriores, y con el tema “Freeway Of Love” consiguió dos Grammys.

 

Durante ese tiempo y quince años después del lanzamiento de “Gospel Greats”  con su gran  “Amazing Grace”, Aretha grabó para la discográfica Arista Records su segundo álbum totalmente góspel  titulado “One Lord, One Faith, One Baptism”, en el que colaboraron, entre otros, sus dos hermanas y la cantante Mavis Staples.

 

Aretha junto a sus hermanas Erma y Carolyn.

 

Mavis Staples

 

En el año 1987 entró en el “Rock and Roll Hall of Fame”, un año antes que “The Beatles”, siendo la primera mujer en lograrlo.

 

Aretha se tomó dos años de descanso para volver en 1989 con el álbum “Through The Storm”, en el que se incluían duetos con artistas de la talla de Elton John, James Brown o Whitney Houston.

 

Portada del álbum”Through The Storm”.

 

Elton John

 

James Brown

 

Whitney Houston

 

A partir de 1990 dejó de prodigar su presencia en los escenarios y en 1991 presentó “What You See Is What You Sweat” cuyo álbum incluía, entre otros, los temas “Everday People”, “Someone Else’s Eyes”, “Ever Changing Times, “Doctor’s Orders” y  “ I Dreamed  A Dream”.

 

Portada del álbum “What You See Is What You Sweat”.

 

Desde entonces, y a pesar de estar casi siete años sin grabar nuevos temas, sus actuaciones  fueron constantes. En  1993 y 1997 cantó en las ceremonias de las tomas de posesión de Bill Clinton como presidente del gobierno de Estados Unidos.

 

Bill Clinton estrechando la mano de Aretha en la toma de posesión de 1993.

 

En 1995 recibió un premio Grammy  por toda su carrera artística. En esa época grabó un dueto con Frank Sinatra, “What Now My Love”.

 

Junto a celebridades de la canción como Mariah Carey, Shania Twain, Céline Dion o Gloria Estefan, Aretha actuó en 1998 en el espectáculo  de VH1 “Divas Live”, convirtiéndose en apenas un par de actuaciones en  “The Queen Of Soul” (La reina del alma), con un público totalmente entregado a su arte.

 

En la entrega de los premios Grammy de ese mismo año,  Aretha sustituyó  a Luciano Pavarotti (que  no pudo acudir a la gala por hallarse indispuesto) improvisando y cantando sin previo ensayo el aria “Nessun dorma” de la ópera “Turandot”, recibiendo por su interpretación el reconocimiento internacional.

 

Aretha y Luciano Pavarotti.

 

 

En febrero de 1998 repitió su papel de Ms Murphy en la película “The Blues Brothers 2000”.

 

El presidente Bill Clinton le hizo entrega de la Medalla Nacional de Artes y Humanidades en septiembre de 1999.

 

El presidente Clinton en presencia de su esposa Hillary imponiendo a Aretha la Medalla Nacional de Artes y Humanidades.

 

Ese mismo mes publicó su autobiografía con el título Aretha: From These Roots, donde narró por primera vez su vida, omitiendo sus promiscuas relaciones amorosas de las que siempre salió mal parada en su pasado turbulento y desmintiendo las versiones de que su madre les había abandonado por las infidelidades de su esposo, sino antes al contrario dijo que fue una mujer protectora, cariñosa y responsable.

 

Portada del libro.

 

Para promocionar la carrera musical de sus hijos Kecalf, Teddy y Eddy, en 2004,  Aretha fijó su residencia en Detroit, creando su propio sello discográfico, Aretha’s Records.

 

Tres de los cuatro hijos de Aretha.

 

El presidente George W. Bush le impuso la Medalla Presidencial de la Libertad el 5 de noviembre de 2005.

 

El presidente Bush imponiéndole la Medalla Presidencial de la Libertad.

 

En 2008 la revista estadounidense Rolling Stones la situó en el primer lugar, como la más famosa cantante de todos los tiempos.

 

En la ceremonia de investidura del presidente Barack Obama, celebrada el 20 de enero de 2009, cantó “My Country, ‘Tis Of Thee”.

 

 

Debido a un accidente sufrido en su casa el 1º de agosto de 2010, en el que se fracturó dos costillas, la cantante tuvo que suspender los conciertos de dicho mes.

 

Durante una entrevista concedida a Wendy Williams, el 25 de febrero de 2011, Aretha confesó haber perdido 38 kilos a raíz de una intervención quirúrgica por una dolencia de la que no quiso ofrecer detalles. Simplemente dijo: “Ya lo dejé atrás y me siento maravillosa”.

 

El 3 de mayo de 2011 lanzó “A Woman Falling Out Of Love”, el primer álbum creado en su nueva discográfica Aretha Record.

 

En uno de los eventos auspiciados por el Vaticano con motivo de la visita, el 26 de septiembre de 2015, del papa Francisco a Filadelfia, Aretha cantó “Amazing Grace”en el Festival de las Familias.

 

 

El 7 de febrero de 2017  la cantante manifestó a un canal de televisión de Detroit que se jubilaría ese mismo año y que dejaría  de realizar conciertos después del lanzamiento de otro álbum. No obstante y a pesar de lo avanzado de su enfermedad, su última actuación la realizó en Nueva York en noviembre de 2017 con motivo del 25º aniversario de la fundación contra el Sida creada por Elton John.

 

 

Con el expresidente Bill Clinton.

 

El expresidente Bill Clinton y Elton John.

El 10 de noviembre de 2017 lanzó el álbum “A Brand New Me”, un recopilatorio de sus canciones más importantes, con la colaboración de la Royal Philharmonic Orchestra de Londres.

 

Vendió más de 75 millones de discos en todo el mundo y, entre los innumerables premios obtenidos por Aretha durante su trayectoria artística, tras 44 nominaciones ganó 18 Grammy,  cantó  para la reina de Inglaterra, en el funeral  de Martin Luther King y en la toma de posesión de Jimmy Carter, Bill Clinton y  Barack Obama como  presidentes de los Estados Unidos.

 

 

Siempre tuvo complicaciones de salud debido a que durante décadas no dejó de comer compulsivamente, teniendo que luchar sin éxito contra sus problemas de alcoholismo y obesidad.

 

Esta gran dama de la canción, rodeada de sus seres más queridos, nos dejó huérfanos de su voz el pasado 16 de Agosto de 2018  en Detroit, a la edad de 76 años, víctima de un cáncer de páncreas con el que llevaba años batallando, pese a no haberlo reconocido jamás.

 

El funeral tuvo aires de ceremonia de estado, y entre las muchísimas personalidades que acudieron al mismo, ubicados en un lugar de honor, estuvieron el expresidente Bill Clinton en primera fila y su esposa Hillary algo más atrás.

 

El expresidente Bill Clinton en el funeral de Aretha Franklin.

 

Aretha Franklin, vestida de oro y lentejuelas y zapatos de tacón a juego, se despidió como la gran reina que fue.

 

El féretro dorado con el cadáver de Aretha, ataviada de rojo.

 

En el emotivo acto celebrado en el abarrotado Grater Grace Temple, más allá de los discursos emotivos, dominó sobre todo la música góspel en honor de la difunta, donde sonaron algunas de sus canciones más conocidas interpretadas por su propio coro, con las voces, entre otras, de Stevie Wonder, Fait Hill, Jennifer Hudson y Ariana Grande, quien tuvo el honor de cantar el “Natural Woman” de la propia Aretha.

 

 

Tras pasar por el Museo de Historia Afroamericana Charles H. Wright, el cadáver de Aretha, dentro de un ataúd dorado, fue trasladado hasta el cementerio de Woodlawn de Detroit, donde recibió sepultura.

 

Multitud de admiradores depositaron flores junto a la estrella que la diva posee en el paseo de la Fama de Hollywood.

 

La estrella de Aretha en el Paseo de la Fama fue rodeada de flores.

 

Aretha Franklin, la eterna “ Dama del soul”. . .